Рококо представители в архитектуре: Архитектурный стиль рококо

Архитектурный стиль рококо

Келуш (Queluz) — жемчужина архитектурного стиля рококо. Португалия. Округ Лиссабон. Строительство дворца началось в 1747 г. Проект архитектора Матеуша Винсенте де Оливейра (Mateus de Oliveira).

Стиль рококо (rococo) появился во Франции в первой половине 18 века во времена правления Регента Филиппа Орлеанского (1715—1723 гг.) В середине 18 века стиль рококо критики называли «испорченным», «выкрученным» и «вымученным». Этот стиль стал отражением светской культуры королевского двора, образа мышления французской аристократии, стремившейся создать собственный идиллический мир. Философию стиля рококо сформулировали королевские фаворитки: мадам Дюбари, маркиза де Помпадур, Мария Лещинская, которые основой жизни считали чувственные наслаждения, изысканность, утонченность. Личный комфорт, в это время, становится на первое место. Основное внимание обращалось на эротические и мифологические сюжеты в украшении комнат и зданий, детализированность декора. Продолжая традиции барокко, стиль рококо в архитектуре теряет его масштабность, грандиозность и поклонение Божественному, переключившись на интересы человека с изысканным вкусом. Стиль рококо в архитектуре стал более легким, игривым, чем предшествующее барокко. В рококо архитекторы меньше обращали внимания на функциональность, сочетание форм. Декорирование строилось на асимметрии, вариативности членений плоскостей, перегруженности деталями. Архитектурный стиль рококо стремится уйти от прямых линий.

Португальское рококо. Церковь Франциска Ассизского в Оуру-Прету архитектора Алейжадинью. 1765 г

Ордера не присутствуют в фасадах зданий. Колонны выполняют эстетические функции, они становятся уже, меняют свои пропорциональные размеры в отношении к габаритам здания. В зданиях в рококо стиле капители колонн дополняются изящными изгибами, сами колонны приобретают меньшие размеры, чем при барокко, однако, в них больше декора. Нередко вместо полуколонн, пилястр используются украшения в виде лепного ленточного переплетения, орнаментальных рельефов, составленных из завитков, щитов, масок, гирлянд, фестонов. По краю крыш создают балюстрады, для которых характерны фигурные балясины, постаменты с вазами или статуями. Криволинейные фронтоны украшены скульптурами, пирамидами, вазами, трофеями. Рельефный орнамент окантовывает оконные и дверные проемы.

Амалиенбург под Мюнхеном. «Охотничий домик» курфюрстины Амалии в Нимфенбурге, загородной резиденции курфюрстов Баварии Виттельсбах (Wittelsbacher). Выполнен французским архитектором Ф. Кювилье 18 в. /em>

В интерьерах в стиле рококо рельефный декор присутствует в обрамлении зеркал, в декоре мебели стены, потолков, плафонов. Основной мотив рококо – рокайль (изображение стилизованной ракушки). Модными становятся имитации объемных форм, когда нарисованные на стенах, потолках изображения выполнялись настолько точно, что их можно было принять за настоящие скульптуры. В те времена очень популярными были художники — квадратуристы, которые специализировались на создании подобных изображений. Чаще всего такие имитации создавали во внутренних помещениях. Стены дворцов украшали также городскими пейзажами, особенно популярными были виды Венеции, изображенные реалистически точно. Став продолжателем барокко, стиль рококо заимствовал многие детали и из других стилей. Переняв от барокко плавность форм, по своей философской сути рококо стал противоположностью этого стиля, изменив его монументальности и масштабности, заменив их тонкостью, изящностью, приблизив его к человеку. В цветовой палитре стиля рококо светлые, пастельные тона: розовый, салатный, голубой, много белых и золотых деталей.

Гостиная в стиле рококо с амурами. Зимний дворец. Акварель Э.П. Гау. 19 в.

Архитектурный стиль рококо оставил о себе память в небольшом количестве сооружений, поскольку больше применялся для оформления интерьеров, где стиль рококо в своем стремлении к легкости, стремился видоизменить пространство, увеличить его с помощью больших окон, зеркал, масштабных и перспективных росписей на стенах и потолках. Случалось, что сложный витиеватый декор внутреннего убранства в стиле рококо контрастировал со строгими фасадами здания. Примером может Малый Трианон в Версале архитектора Габриеля (1763-1769 гг.).

Малый Трианон в Версале, фасад здания. Архитектор Габриэль Жак Анж. 18 в.

Интерьер помещений Малого Трианона в Версале. Архитектор Габриэль.

Наивысшее развитие рококо в архитектуре получил в Баварии, Австрии, куда он попал из Франции, где в основном использовался для оформления интерьеров и достиг своей вершины при Людовике XV. В Германии стиль рококо называли также «Perückenstil», это название произошло от напудренных париков — характерного атрибута европейской аристократии той эпохи. Примером оформления здания в рококо стиле может служить церковь архитектора Иоганна Неймана (Johann Neumann, 1687 -1753 гг.) в Фирценхайлигене, где масштабность барокко сочетается с характерным для стиля рококо богатым скульптурным декором, создавая впечатление изысканности и лёгкости.

Церковь в Фирценхайлигене. архитектор Нейман. 1743-1772 гг.

В Англии рококо больше проявлялся в прикладном искусстве, например в инкрустации мебели и производстве серебряных изделий, здесь были известны мастера Хогарт или Гейнсборо, работы которых соответствует этому стилю. В Италии в стиле рококо работал архитектор Тьеполо. Знаменитые здания в рококо стиле, соединенном с элементами барокко — Версальский дворец, Цвингер в Дрездене, Зимний дворец в России, в Баварии — Амалиенбургский павильон замка Нимфенбург, Дворец Шарлоттенбург в Берлине, Малый Трианон в Версале и ансамбль трех площадей в городе Нанси.

Дворец Шарлоттенбург(Schloss Charlottenburg) — летняя резиденция для прусских королей. Был построен в 1699 г. королем Пруссии Фридрихом I для своей супруги Софии Шарлоты. Здание подвергалось перестройке: в 1701-1707 гг. (архитектор Э. фон Гёте), в 1740-1743 гг. (архитектор Т.В. фон Кнобельсдорф). Дворец был отреставрирован после войны.

Стиль рококо во Франции уже к середине 18 века стал терять свою популярность под влиянием исторических событий, а в странах Центральной Европы к нему относились с интересом еще до конца века.

Автор текста: Марина Калабухова

Рококо — Архитектурные стили — Дизайн и архитектура растут здесь

Рококо́ (в переводе с французского «рокайль» — «декоративная ракушка») — стиль, который появился в начале XVIII века во Франции. Он стал своеобразным продолжением стиля барокко и развивался вплоть до 60-х годов. Сам термин вошёл в употребление в середине XIX века.

Характерными чертами рококо являются утончённость, большое количество декоративных элементов, изящество. Практически во всех работах в стиле рококо прослеживается орнаментальность, часто присутствуют мифологические мотивы. 

Этот стиль изначально стал применяться в оформлении интерьеров, позже он вошёл в архитектуру и изобразительное искусство. Элементы этого стиля имитировали естественные, природные текстуры. Вместе с этим для рококо характерен избыток предметов декора и обилие завитков.

Рококо в архитектуре 

Рококо – переходный стиль, поэтому он не обладает ярко выраженными индивидуальными чертами, его скорей можно назвать вариацией стиля барокко. Он находил применение в дворцовых и храмовых ансамблях Европы XVIII века.

Архитектура рококо характеризовалась отказом от парадности и напыщенности, она стала более лёгкой и игривой. В рококо сочетание и распределение частей сооружения отходят на второй план.  На смену логичности форм приходит произвольность, строгой симметричность сменяется вариативностью и обилием орнаментальных деталей. 

Но это не означало, что склонность к роскоши прошла – она лишь приняла новую форму. На смену замкам 17 века пришли городские дома с зелеными садами. При этом архитекторы часто отступали от рациональности и жёсткой пропорциональности – они частично сохранялись лишь в фасаде отеля. Внутренняя же планировка изменялась. Принцип парадной анфиладности не выдерживался, проявлялась тяга к разнообразию в расположении комнат, к композициям асимметричным, разорванным, лишенным объединяющей оси. Внутреннее пространство получило свободное и рациональное расположение в соответствии с требованиями комфорта. Небольшие по размерам уютные комнаты, предназначенные для повседневного обихода, и залы обособлялись, их делали различными по форме в зависимости от назначения. Жилые комнаты обычно располагались вдоль второго фасада, обращенного в сад. Уделялось внимание и удобствам.

Основной элемент декора эпохи рококо называется «рокайль»  — он представляет собой орнамент, который выглядит как соединение природных камней с раковинами и листьями растений. Для орнамента характерны плавные линии и постепенные переходы, что позволяло создавать цельный и гармоничный декоративный фон. Данный элемент часто применялся для оформления интерьеров, садовых беседок и ротонд, для облицовки террас, отделки ворот и фонтанов.  

Что касается линий, то прямые линии и плоские поверхности почти исчезают, прикрываются фигурной отделкой. Архитектурные ордеры не встречаются в чистом виде – они видоизменяются и приукрашиваются. Например, постоянно изменяется длина колонн – они то меняют длину и скручиваются. Изменениям подвергаются и капители, карнизы становятся двойными, всё чаще можно увидеть расставленные на постаментах вазы и статуи. Как снаружи, так и внутри зданий используются затейливые лепные орнаменты – в основном они напоминают листья растений, цветы и раковины. Несмотря на отсутствие рациональности, в стиле рококо было создано много памятников, отличающихся оригинальностью и живостью.

Ландшафт в стиле рококо

После излишне роскошного барокко появилась потребность в уюте и естественности. Возникла мода на загородные павильоны, стилистически близкие к природе – это отразилось и в ландшафте. Пейзажи парка становятся более сдержанными и менее искусственными, ценилось умение сохранить впечатление природной естественности.

Была ещё одна разновидность рококо – оно носило название рококо Шинуазри (от фр. «китайский») и отражало всеобщее увлечение восточным искусством, которое в этом плане служило прекрасным примером. В Европе стали в больших количествах появляться «китайские» павильоны и мостики – правда, увлечение Востоком касалось только искусства, о философии пока речи не шло.

Сады рококо создавались специально для прогулок, что располагало к романтике больше, нежели возвышенный стиль барокко. 

Для садов рококо были характерны оптические иллюзии, лабиринты, сложные композиции и оптические иллюзии.

Интерьер в стиле рококо

Рококо можно с уверенностью назвать одним из самых роскошных и сложных стилей. Чтобы оформить интерьер в стиле рококо, лучше всего выбирать помещение овальной либо ассиметричной формы.

Основная идея интерьера рококо – показать все богатство помещения, так что неотъемлемым элементом стиля стала позолоченная мебель и мебель из ценных пород дерева, а также лепнина и дорогие ткани. Несмотря на то, что функция стиля рококо в основном декоративная, все элементы декора предназначены для комфортного отдыха.

Рассмотрим некоторые особенности рококо в интерьере.

Цветовая гамма. Одним из наиболее заметных отличий от предшествующего стиля стала смена палитры: вместо сочетания золотого и голубого стали применяться пастельные оттенки. В комнатах преобладают насыщенные цвета – как по отдельности, так и в комбинациях: белый цвет часто сочетается с золотым, красным, салатовым. Стали применяться перламутровый, жемчужный и лиловый оттенки.

Несмотря на то, что от строгих канонов рококо отошёл, гармония элементов всё же соблюдается. Стены и потолок отделываются одним и тем же материалом. Часто для оформления интерьера помимо лепнины применяют резные деревянные панели, настенную живопись и драпировку тканями. В качестве напольного покрытия используют паркет и керамическую плитку, а пол застилают дорогими коврами.

Одним из неотъемлемых атрибутов рококо является камин из природного камня. Не обойтись без больших окон слегка закругленной формы и украшенных шторами.

Аксессуары очень важны для оформления интерьера: часто можно увидеть статуэтки из керамики, подсвечники, античные статуи и ширмы. Приветствуется большое количество зеркал – чаще в резных рамах, также для лучшей освещённости используются многочисленные осветительные приборы: от люстр до подсвечников. Характерными атрибутами являются скульптуры, статуэтки и прочие предметы декора, стилизованные под античность.

Что касается мебели, то она фактически создаёт стиль помещения. Мебель эпохи рококо очень изящна, она украшена сложной резьбой и позолотой. Ножки мебели изящно выгнуты. 

Стиль рококо нашёл применение во многих художественных и промышленных отраслях – в частности,  в изготовлении изделий из фарфора, который довольно быстро вошёл в моду. Кроме того, большой популярностью стало пользоваться серебро – из этих материалов было изготовлено большое количество посуды. Стало развиваться искусство сервировки.

Примеры архитектуры рококо

Китайский дворец Екатерины II в Ораниенбауме

Архитекторы эпохи рококо уделяли довольно много времени созданию архитектурных ансамблей – к их числу можно отнести дворцовый комплекс в Ораниенбауме, построенный для Екатерины II итальянским архитектором Антонио Ринальди. Строительство длилось с начала 60-х до середины 70-х годов XVIII века. По проекту этого архитектора был разбит парк, включающий элементы природного парка с лужайками и зарослями, живописными аллеями, дорожками и водоемами. Это было личное жильё, которое и строилось не для приемов, а для отдыха. 

Терраса дворца облицована гранитом, вокруг него стоит ограда с изящной кованой решеткой. Внешний вид дворца отличается лаконичностью: одноэтажный, с большими окнами, стеклянной галереей. Стены с красивыми пилястрами и полуколоннами ещё возвращают в эпоху барокко, но в гораздо более простой форме. Архитектурные элементы обладают мягкостью, а пастельные кремовые и розовые тона здания придают ему спокойствие, свойственный архитектуре рококо.

В этом ансамбле можно отметить ещё одно здание в стиле рококо – Китайский дворец, который строился примерно в это же время по проекту Ринальди.

Архиепископский дворец в Праге

Архиепископский дворец также еще называют Вирхув дворец в честь ведущего архитектора  рококо в Праге Яна Йозефа Вирха (1732-1782), который занимался реконструкцией этого монументального здания.

В центральной части дворца изначально был расположен мраморный портал, который архитектор не только оставил, но и подчеркнул его за счёт монументального фасада. Дворец был расширен по бокам, а также добавился четвёртый этаж.

Двор разделён двухъярусным мостом, а также в нём присутствует крытый коридор на аркадах с колоннами. Яркими элементами рококо здесь стали херувимы с канделябрами на карнизе и группы скульптур на главной лестнице.

В интерьерах дворца стиль рококо ярче всего проявился в конструкции парадной лестницы и бело-золотых интерьерах светлых салонов. До сих пор в Тронном зале сохранилась коллекция из французских гобеленов. Витиеватая резьба по дереву, лепка, украшающая потолки и стены салонов и других помещений, большое количество стекла, фарфора, люстр и стильной мебели дополняют интерьеры дворца в стиле рококо.

В настоящее время стиль рококо продолжает существовать в интерьере, однако в несколько изменённом виде: он стал более лаконичным, практически пропала позолота, однако тенденция к использованию дорогих материалов высокого качества сохранилась.

Рококо | Архитектура и Проектирование

Рококо — первый безордерный стиль, игривый и изящный, считающийся несерьезным и легкомысленным, ставший, тем не менее очень популярным и оказавший огромное влияние на развитие всех видов искусства, особенно декоративного. Это первый в истории архитектуры и дизайна помещений «уютный и беззаботный стиль».

Рококо часто считают поздней стадией барокко. Но как по используемым внешним формам, так и по своему внутреннему настроению, этот стиль очень отличается от шумного и грандиозного барокко.

Рококо часто упрекают в бездумности и легковесности, но за этими внешними впечатлениями скрываются высшая утонченность, блестящий художественный вкус и совершенство формы.

В отличие от героического пафоса барокко, рококо обращается к интимным, камерным темам. Личные желания, прихоти, удобства стали играть первостепенную роль в сложении типов, форм, в декорации не только мелких бытовых предметов и мебели, но и крупных архитектурных ансамблей.

Стиль Рококо, возникший во Франции в начале XVII век, был своего рода ответной реакцией на Большой Стиль —  монументальный классицизм и парадно-официальный стиль барокко, выразившийся в архитектуре и внутреннем убранстве Версальского дворца Людовика XIV и господствовавший во французской архитектуре на протяжении почти всего периода правления короля-Солнца (1643-1715).

Термин «рококо» происходит от французского «rocaille» ,что означает декоративные раковины и камни, которыми было принято украшать искусственные гроты. Основные черты этого стиля – динамичные ассиметричные формы (раковин таких моллюсков, как гребешки), различные завитки (S-и C-образные), натуралистично выполненные побеги цветов и волнообразный растительный орнамент. Встречаются экзотические китайские мотивы, сюжетные орнаменты: Элементы стихии и Времена года. Палитра – золотой, белый, цвет слоновой кости, кремовый, а также пастельные оттенки голубого, зеленого, розового и желтого. Французское рококо – своего рода передышка после тяжеловесного барокко, а характерное для него обилие стенных зеркал (прием, использованный в Версале, в конце строительства которого уже проявились элементы рококо) придало интерьерам воздушную легкость. Стиль рококо – это скорее оформление интерьеров, чем архитектурных зданий. В его духе делались мебель, посуда, драпировка, металлическая утварь. Экзотические узоры в «китайском стиле» были важными элементами рококо, зачастую сочетаясь с чисто европейским растительным орнаментом. Китайские мотивы балдахина, мебельной обивки и расписанных по трафарету стен, присутствие повсюду золота, которое использовали, чтобы выделить важные элементы и детали: те же завитки, раковины, рамки филенок. Для фонов интерьеров характерны были пастельные тона: голубые, зеленые, розовые, желтые, кремовые, беловатые и цвет слоновой кости. С ними хорошо гармонировали глянцевые коричневые тона дерева твердых пород. Мотивы в восточном вкусе становятся одной из самых характерных особенностей рококо.

В ранний период развития французского рококо (примерно до 1725) в отделку помещений вводился дробный орнамент, предметам обстановки придавались прихотливо изогнутые формы (так называемый стиль регентства). Развитое рококо (примерно 1725-50) широко использовало в декоре резные и лепные узоры, завитки, разорванные картуши, рокайли, маски-головки амуров и т. д.; в убранстве помещений большую роль играли рельефы и живописные панно в изысканных обрамлениях (десюде-порты и др.), а также многочисленные зеркала, усиливавшие эффект лёгкого движения (так называемый стиль Людовика XV). Орнамент, направленность стиля рококо ограничила его влияние на тектонику и наружный облик сооружений. В архитектуре французских отелей (Жиль-Мари Оппенор, Ж. О. Мейсонье, Габриель Жермен Бофран (Germain Boffrand, 1667-1754) и др.) пышное оформление рокайльных интерьеров сочеталось с относительной, строгостью внешнего облика. Распространяясь в зодчестве стран Европы: Германии (Георг Венцеслаус Кнобельсдорф (Knobeisdorff), Иоганн Бальтазар Нёйман (Neumann), отчасти М. Д. Пёппельман), Австрии, Польши, Чехии, стиль рококо часто являлся своеобразным местным вариантом позднего барокко.

Интерьер отеля в стиле рококо. Габриель Жермен Бофран (Germain Boffrand)

Потсдам, Пруссия, Сан-Суси (1745—47) Королевская резиденция, которую архитектор Георг Венцеслаус Кнобельсдорф (1699—1753) построил в Потсдаме, пригороде Берлина, для короля Пруссии Фридриха II (1740—86). Название «Сан-Суси» переводится с французского как «без забот». Это вытянутое одноэтажное здание с изящной балюстрадой по карнизу — наиболее удачный пример немецкого рококо. В центре дворца — овальный зал, крытый куполом. Полукруглый парадный двор окружен колоннадой. Огромные окна-двери паркового фасада, делающие стену почти прозрачной, и плавно сбегающие в парк лестницы-террасы создают ощущение единства природы и дворцовых интерьеров. Все элементы: скульптура, декоративная живопись, мебель, зеркала — образуют цельный, тщательно продуманный ансамбль. Своей изысканной простотой резиденция должна была создавать ощущение гармонии, настраивать на особое восприятие мира — радостное и беззаботное.

Берлин, Пруссия. Георг Венцеслаус Кнобельсдорф. Шлютер Андреас. Дворец Шарлоттенбург (Charlottenburg, 1696—1745).Первоначальное здание дворца (носившее имя Линценбург) было построено архитектором и скульптором Андреасом Шлютером в стиле итальянского барокко в 1696 г. , при короле Фридрихе I. После смерти супруги Фридриха, королевы Шарлотты, дворец в ее честь был переименован в Шарлоттенбург. В последующие годы здание неоднократно расширялось. Именно здесь, в Шарлоттенбурге, была устроена знаменитая янтарная комната, впоследствии подаренная королем Фридрихом Вильгельмом I Петру Великому. При Фридрихе Вильгельме II архитектор Георг Венцеслаус Кнобельсдорф пристроил к замку с восточной стороны новый флигель.

Для живописи, скульптуры и графики рококо характерны камерные по духу галантные сцены, эротико-мифологические и пасторальные сюжеты, асимметричные композиции. В скульптуре рококо преобладали рельефы и статуи, предназначенные для убранства интерьера, небольшие статуэтки, группы, бюсты, в т. ч. из терракоты, расписного или неглазурованного фарфора (Ж. Б. Лемуан во Франции, И. И. Кендлер в Германии). Богатая тонкими переливами и несколько блёклая по колориту рокайльная живопись (на её стилистические особенности во многом повлияла декоративная изысканность произведений А. Ватто, эстетическое содержание творчества которого, однако, далеко выходит за идейные и художественные рамки рококо) также имела преимущественно декоративный характер (французские мастера Н. Ланкре, Ф. Лемуан, Ж. М. Натье, Ф. Буше, отчасти Ж. О. Фрагонар). Совершенно особенным очарованием обладают интимные, элегантные, грациозные, жеманные портреты эпохи рококо.

Преобладающим типом здания становится не дворец, а особняк-«отель», рассчитанный на одну семью. Архитекторы разрабатывают такой тип планировки внутренних помещений, который способен обеспечить уют со всеми возможными удобствами. Отель стал архитектурной нормой эпохи. В соответствии с этой нормой часто перестраиваются уже существующие помпезные здания дворцов, сохраняя торжественный внешний облик в духе классицизма. В интерьерах же массивные формы, пышность коринфского ордера, геометрическая правильность и строгость заменяются овалами, дугами, причудливым рокайльным орнаментом, стена становится легкой и хрупкой, либо почти растворяется под обилием изящного декора.

Архитекторы отдают предпочтение волнистым линиям, округленным углам, большое значение придается лепному и резному изящному орнаменту, мелкой пластике, живописи, мебели и, конечно, всевозможным «штучкам» — приятным мелочам, изящным, удобным, не только украшающим быт и создающим уют, но и облегчающим его.

Радикально изменяется внутренняя планировка помещений: здесь нет огромных парадных залов, торжественных лестниц, сквозных анфилад. Все помещения становятся небольшими, камерными, гораздо более замкнутыми и интимными.

Женственность и изящество становятся главными критериями красоты. Даже парадные помещения напоминают будуар — все в них интимно и камерно: светлые, нежные цвета отделки, обилие зеркал, кружевная вуаль орнамента, изящные изгибы стен, архитектурных деталей, мебели, каминов. Здесь нет ни одной цельной плоскости: все дробится лепниной и живописными вставками. Все части интерьера оказываются вовлеченными в эту прихотливую и беспечную игру цвета, линий и форм.

Интерьеры демонстрируют высокий уровень, которого достигает в эпоху рококо синтез искусств, продолжая в этом смысле, лучшие традиции барокко. Скульптура, живопись, лепнина, мебель, предметы декоративно-прикладного искусства создаются лучшими мастерами своего времени и выдерживаются в одном стиле.

С 1760-х гг. стиль рококо повсеместно вытесняется второй волной классицизма. В России веяния рококо, особенно сильны в середине XVIII века, проявились главным образом в отделке дворцовых интерьеров (в том числе созданных Франческо Бартоломео Растрелли-Младшим (Francesco Bartolomeo Rastrelli), лепном декоре зданий, в ряде отраслей декоративно-прикладного искусства (резьба по дереву, художественное серебро и фарфор, мебель, ювелирное искусство).

В итоге рококо, сменивший в свое время барокко, уступил место неоклассицизму. Однако присущий ему тонкий орнамент и пастельная, непременно с золотым компонентом, палитра продолжали вдохновлять следующие поколения оформителей, более того он послужил почвой для направления «ар-нуво», расцвет которого приходится на конец XIX-начало XX века, для которого также характерными были волнистые линии, асимметрия и растительный орнамент.

Архитектура Рококо — знаменитые монументы

Обилие утонченных декоративных элементов, изысканность композиций и орнаментов, особые мифологические мотивы и едва ощутимые преемственные традиции барокко – у стиля рококо немало уникальных особенностей. Этот стиль в архитектуре и искусстве зародился еще в первой половине 18 столетия, его родиной считается Франция. Тем не менее, своего максимального развития и процветания он достиг в Баварии, этот регион Германии и сегодня славится своими выдающимися архитектурными памятниками в стиле рококо. Легкая, игривая и приветливая архитектура рококо за несколько веков нашла воплощение в самых разных странах мира.

Дворец Амалиенборг, Дания

Амалиенборг считается одним из самых красивых дворцов Дании, на протяжении многих лет он остается главной в стране королевской резиденцией. Дворец в стиле рококо был построен в середине 17 столетия, его король Дании преподнес в дар своей супруге Софии Амалии. Первозданный дворец просуществовал совсем недолго, в 1689 году в нем проводили оперный спектакль, во время которого вспыхнул сильный пожар. Огонь практически полностью уничтожил постройку, позднее по распоряжению короля Фредерика Пятого началось возведение новой королевской резиденции. Согласно официальным документам, во время этого пожара погибло более 170 человек.

В настоящее время дворец представляет собой красивый комплекс, состоящий из четырех особняков в стиле рококо, эти особняки расположены вокруг небольшой площади. Дворец Амалиенборг является очень привлекательным туристическим объектом, каждый день ровно в полдень здесь проходит торжественная смена караула, понаблюдать за которой всегда собирается много людей. В центре площади дворцового комплекса располагается красивая статуя Фредерика Пятого, она была установлена здесь еще в 1771 году.

Круглый год прекрасный дворец доступен туристам для посещения, по старинным особнякам проводят интересные экскурсии, во время которых можно любоваться их роскошным оформлением. В королевской резиденции хранится богатая коллекция старинных произведений искусства, антикварной мебели, скульптур и ценных украшений интерьера, над созданием которых трудились лучшие мастера Европы. Далее — Замок Шарлоттенбург

Использование этого авторского материала сайта приветствуется. Ссылка на www.orangesmile.com — обязательна.

Замок Шарлоттенбург, Германия

Прекрасный дворец Шарлоттенбург находится в Берлине, на территории одноименного района. Он был построен в 1699 году по распоряжению королевы Софии Шарлотты – супруги Фридриха I. Первоначально дворец назывался Литценбург, а когда королева умерла, его по распоряжению короля переименовали в Шарлоттенбург. После основания дворец на протяжении многих лет дополнялся новыми постройками и постепенно превратился в довольно масштабное сооружение. Сегодня благодаря своему 48-метровому куполу он является одной из самых узнаваемых достопримечательностей Берлина. Открыть полностью

Церковь Азамкирхе, Германия

Церковь Святого Иоанна, расположенная в Мюнхене, также известна многим туристам под неофициальным названием Азамкирхе. Ее строительство продолжалось 13 лет и было полностью завершено в 1746 году, сегодня прекрасная церковь является одним из самых красивых в городе памятников в стиле рококо. Изначально эта церковь возводилась как частная, ее строили талантливые местные архитекторы – братья Азам. Им принадлежало несколько домов рядом с церковью, религиозный памятник они построили так, что один из братьев из окна своего дома мог любоваться его алтарем. Открыть полностью

Дворец Браницких, Польша

Важнейшим для Польши архитектурным памятником является дворец Браницких, расположенный в Варшаве. Местный состоятельный магнат Стефан Миколай Браницкий приобрел участок земли, на котором располагается дворец, в начале 18 века. В 1740 году началось строительство новой родовой резиденции, которое было завершено в 1753 году. Изначально постройка отличалась роскошным оформлением фасада, прилегающую территорию дворца и его помещения украсили уникальными скульптурами, а одной из главных особенностей дворца стали необычные окна-люкарны. Открыть полностью

Театр Цивильес, Германия

В Мюнхене у поклонников театрального искусства будет возможность посетить уникальный театр Цивильес, который считается одним из самых красивых рококо-театров Европы. Он носит имя главного придворного архитектора середины 18 века, по проекту которого было построено здание театра, а также произведено его внутреннее оформление. Зал театра и сегодня украшают богатые орнаменты с различными природными и мифологическими мотивами, а еще зал отличается интересным распределением мест. Открыть полностью

Дворец Долмбахче, Турция

В Стамбуле на территории округа Бешикташ находится прекрасный дворец Долмбахче, который часто называют самым «нетурецким» в стране. Шикарный дворец с элементами в стиле рококо начали стоить на берегу Босфора еще в 1843 году, его строительство началось по распоряжению султана Абдул-Маждида I. Возведение дворца завершилось в 1856 году, с момента основания он был главной резиденцией султанов. Дворцовый комплекс поражает своими невероятными масштабами, его площадь составляет 250 000 кв. метров. Открыть полностью

Зимний дворец, Россия

Зимний дворец остается одной из самых знаменитых и посещаемых достопримечательностей культурной столицы России. Его начали строить в 1754 году и полностью завершили в 1762 году, над проектом дворца работал легендарный архитектор Растрелли. Примечательно, что самый первый Зимний дворец на его месте был построен еще в 1708 году и менее чем за 50 лет он полностью перестраивался пять раз. С момента основания и вплоть до 1904 года дворец использовался по своему прямому назначению, как официальная зимняя резиденция российских императоров. Открыть полностью

Замок Линдрехоф, Германия

Прекрасный замок Линдрехоф известен тем, что он стал единственным замком короля Людвига II, который удалось полностью достроить в годы его жизни. Находится замок в окрестностях Гармиш-Партенкирхена, в невероятно красивой природной местности. В настоящее время дворец расположен на территории природного заповедника Аммергебирге, его окружают завораживающие лесные и горные пейзажи. Возведение замка было полностью завершено в 1874 году, тогда как отделочные работы после этого продолжались еще не один десяток лет. Открыть полностью

Театр Регент, Австралия

На одной из центральных улиц Мельбурна расположен знаменитый театр Регент, который является не только важным для города культурным центром, но и уникальным архитектурным памятником. Открытие театра состоялось в 1929 году, его зал был рассчитан на 3 250 зрителей. Несмотря на первоначальную значимость, уже к 1960 году театр утратил свою популярность и был закрыт, несколько десятков лет здание пребывало в запустении. Лишь в 1996 году его удалось реконструировать, сегодня театр вернул себе былую славу и известен как место постановки легендарных мюзиклов. Открыть полностью

Театр Sheas Buffalo, США

В Баффало у путешественников тоже будет возможность посетить выдающийся исторический театр, который называется Shea’s и сегодня имеет статус крупного художественного центра. Открытие театра состоялось в 1926 году, сегодня одной из главных его особенностей считается старинный театральный орган, который пребывает в нем со дня открытия и до настоящего времени используется по прямому назначению. Открыть полностью

Музей Царское Село, Россия

Уникальный дворцово-парковый ансамбль Царское село тоже является ярким памятником архитектуры, выполненным в стиле рококо. Самый первый дворец и прочие постройки возводились еще в 18 веке, формирование масштабного архитектурного ансамбля продолжалось несколько десятилетий. Когда-то этот роскошный дворец был загородной царской резиденцией, а после революции 1917 года он перешел в собственность государства и стал работать как музей. Открыть полностью

Аббатство Оттобойрен, Германия

Огромный интерес для ценителей старинной архитектуры представляет аббатство Оттобойрен, расположенное в одноименном баварском городке. История основания этого бенедиктинского монастыря относится к 8 веку, согласно историческим данным, его основателем был Благословенный Тото. За сотни лет существования аббатство пережило не один период серьезного упадка, оно неоднократно перестраивалось и переформировывалось. Само здание аббатства сегодня тоже представляет огромный исторический интерес, но многие туристы посещают эти места с другой целью – увидеть роскошную базилику Оттобойрен. Открыть полностью

Костел Святого Мартина, Польша

В Варшаве в самом центре Старого города располагается костел Святого Мартина, он был основан в 18 веке. Старинная церковь представляет собой грандиозное здание с тремя часовнями, самая первая церковь на этом месте была основана еще в 1353 году. В 1744 году началась первая масштабная перестройка церкви, которая проходила под руководством известного итальянского архитектора Джованни Спинолы. Именно в этот период церковь и приобрела свои неповторимые черты в стиле рококо. Открыть полностью

Театр Святого Джеймса, Новая Зеландия

Театр Святого Джеймса, Новая Зеландия

Описание   

Театр Святого Джеймса является символичной достопримечательностью не только для Веллингтона, но и для Новой Зеландии в целом. Его открытие состоялось в 1912 году, сегодня прекрасный исторический театр может единовременно принять до 3 000 зрителей. История основания этого театра невероятно интересная, до конца 19 века на его месте располагалась церковь. В 1899 году эти земли выкупил известный артист Джон Фуллер, именно он решил построить на месте старой полуразрушенной церкви театр. Открыть полностью

Вюрцбургская резиденция, Германия

Вюрцбургская резиденция, Германия

Описание   

Прекрасная Вюрцбургская резиденция сегодня является достопримечательностью мирового значения, несколько лет назад она была включена в списки Всемирного наследия ЮНЕСКО. Прекрасный дворец был построен в 18 веке для семьи Шёнборн, в его строительстве и оформлении принимали участие лучшие специалисты Германии, Франции и Италии. Сегодня дворец примечателен тем, что в нем сохранились многие уникальные элементы оформления, среди которых самым ценным считается фреска Джованни Баттиста Тьеполо. Открыть полностью

Архитектура Рококо — знаменитые монументы — интерактивная карта

Рококо в архитектуре как развитие Барокко

13.08.2019

4429

Время чтения: 5 минут

Введение

Рококо — стиль, проявившейся в начале XVIII века во Франции. Слово “рококо” в переводе с французского означает “декоративная ракушка”. Данный стиль является развитием стиля барокко.

Основные черты стиля рококо

Как и барокко, в стиле рококо приветствуются обилие деталей и различных форм. Все элементы и детали должны быть утонченной формы и изящными. Также приветствуется большое количество орнаментов.

Так как рококо является производной от стиля барокко, эти стили имеют много общих черт, однако есть и немаловажные отличия, из-за которых рококо часто выделяют как отдельный стиль. В отличие от парадного и напыщенного барокко, рококо имеет более простой вид, меньшее количество различных форм. Архитектурный стиль стал более легким и игривым. Симметрия барокко сменилась на произвольные и нелогичные линии.

Основным элементом дизайна рококо стал элемент, под названием “рокайль”. “Рокайль”- специальный орнамент, который совмещает в себе элементы растений, камня и также раковин. Для такого вида орнамента очень характерны плавные, постепенные переходы. Это, при общем взгляде, создает целостность всего дизайна, а также дополняет некоторые конкретные элементы. Часто можно встретить беседки, ворота, фасады, выполненные с использованием таких элементов. Рококо стирает понятие ровных линий. Все линии в дизайне изменяются в большую или меньшую сторону. Например: линия крыши должна плавно искривляться от центра к краям. Это визуально увеличивает объект, а масштаб очень важен в подобном стиле. Многие формы становятся похожими на природные. Украшением может стать орнамент, визуально напоминающий стебель и листья растений или ветки дерева. Такой подход гарантирует уникальность дизайну, а также высокий уровень узнаваемости стиля.

• При разговоре о рококо невозможно не сравнивать его в деталях с барокко. В отличии от своего предшественника рококо имеет более спокойный характер. Он менее бросается в глаза. Рококо дарит больше уюта и становиться более естественным. Это является немаловажным признаком, который часто становиться основополагающим при выборе между этим стиле и стилем барокко.

В период появления стиля рококо он часто комбинировался со стилем барокко. Примером этого может стать Версальский Дворец, который включает в себя элементы роскошного, напыщенного барокко, а также элементы плавных линий, растительные мотивы и другие признаки рококо. При такой “смеси” каждый стиль может визуально дополнять друг друга. Плавное строение линий может очень хорошо сочетаться с роскошными формами барокко и наоборот. Главное в таком комбинирование сочетать стили правильно, без явного доминирования одного стиля над другим.

В интерьере рококо дублирует принципы из архитектурного стиля. Для такого стиля лучше всего выбрать помещение неправильной формы. Это даст возможность проявить полет фантазии во внутренней отделке, и выделить помещение на фоне других. Главная цель интерьера — показать богатство. Это достигается посредством использования большого количества позолоты, дорогих тканей, лепнины и других элементов богатства. В сравнении с барокко сильно изменилась цветовая гамма в помещении. Сочетание голубых цветов сменилось на пастельные тона, с яркими акцентами в виде обивки мебели и так далее. Важнейшим элементом интерьера в стиле рококо стал камин. Как правило, он делается из натурального камня и является смысловым центром помещения.

Услуги дизайнеров

Рококо — очень сложный в исполнении стиль. Он требует очень большого внимания деталей, которые и формируют общий вид. Только хороший дизайнер, обладающий огромным опытом в разработке подобного дизайна, сможет разработать качественный план помещений. Дизайнер учтет все детали и поможет создать дизайн, подходящий именно вам.

Резюме.

Стиль рококо является большой экзотикой в наши дни. Он подойдет любителем поздней эпохи Барокко. Если вы желаете выделиться на фоне обычных фасадов и интерьеров (например, как со стилем ар-деко), не боитесь трудностей касательно разработки такого дизайна, а также обладаете достаточным количество ресурсов — этот стиль определенно для вас.

Стиль рококо в живописи, искусстве и архитектуре: черты, примеры, художники, особенности, картины

Искусствоведы величают рококо самым легкомысленным и даже вульгарным из всех существовавших когда-либо стилей. Однако, он представляет интерес, как предмет изучения, поскольку в XVIII оказал непосредственное влияние на последующее развитие культуры России. Основные принципы этого направления можно видеть в фундаментальном градостроении обеих столиц и других старинных городов России. Картины, написанные в тот период, до сих пор хранятся в лучших музеях нашей страны, студенты изучают их в художественных вузах.

Описание стиля

Название стиля произошло от французского слова rocaille, что в переводе означает «скальный». Этимологически термин «скальный» так же связан с декором гротов и парковых павильонов Версаля и Марли. В отличие cartoccio, voluta, (художественные элементы в виде закругленных уголков, завитков, спиралей), присущих барокко, завиткам «скального» стиля характерен разрушающий, атектонический характер. Характерным элементом стиля, давшим ему название, является рокайль – морская раковина. Это своеобразная форма завитка, напоминающего морскую раковину.

Впервые именно рококо внесло единство в интерьер. Едиными и гармонирующими стали стены, потолки, мебель в помещениях. Появилась некая цельность и в архитектуре.

Рококо ввел в моду различные безделушки, которые также украшались узорами и орнаментами, характерными для этого стиля. Тяготение к светлым тонам заметно и в живописи, и в декорировании стен, безделушек, обивке тканей на мебели. «Скальному» стилю присущи пастельные, светлые оттенки, белые, золотистые голубые сиреневые цвета.

Легкость, игривость, царившая в этом направлении искусства, создавалась асимметрией расположения декоративных элементов, их формой. В лепнине применяются обрамления, переплетения, завитки, головки амуров, разорванные картуши, гротеск, как сочетание, казалось бы, несочетаемых элементов. Гармонично вписалось в рокайль китайское искусство.

Характерные черты, особенности стиля

В архитектуре фасадов домов и дворцов в интерьерах господствуют резные по дереву или лепные узоры, разорванные картуши, головки амура, в скульптуре, в живописи целые фигурки амуров, изящные обрамления, завитки, напоминающие морские ракушки. Очертания дворцов, а соответственно и форма внутренних помещений приобретают округлые формы.

На стенах и потолках оформляются медальоны, внутри которых помещались фрески с пасторальными, мифологическими, реже – флористическими сюжетами. В аристократической Франции стены украшались шелковыми тканями, которые гармонично сочетались с портьерами и шторами на окнах, дверях. Стены плавно переходили в потолок, и эта плавность также достигалась посредством декоративных карнизов из гипса.

Рококо в живописи выразилось в легкой и жизнерадостной тематике картин. В них также преобладают светлые оттенки, лица центральных фигур счастливые и жизнеутверждающие. Если художник писал жизнь аристократов, то это либо счастливая сцена в гостиной, в будуаре, либо на лоне природы. В искусстве царствует чувственная эротика.

История возникновения «скального» стиля

Рококо как стиль в искусстве зародился во второй четверти XVIII века во Франции, и его возникновение совпало с периодом правления регентского совета, возглавляемого Филиппом Орлеанским по причине малолетства Короля Людовика ХV.

Вступив на престол, Людовик ХV правил Францией 58 лет. Это при нем рококо дало развитие всем направления искусств и стало своеобразным образом жизни.

Этот период правления короля по прозвищу Влюбленный, назвали эпохой рококо. Людовику XV принадлежат слова, ставшие пророческими: «после нас хоть потоп». Пока король и его приближенные предавались наслаждениям и чувственным радостям, экономика страны дряхлела, а сама страна нищала и приходила в упадок.

Сменивший Людовика Влюбленного, следующий король Людовик XVI, получил вместе с троном недовольное население в экономически ослабленном государстве.

Так получилось, что Людовик ХV в многочисленном семействе оказался единственным претендентом на трон, и потому его драгоценную жизнь оберегали, а его самого баловали, не озадачивая государственными делами. Он, по сути, не занимался управлением государством.

Сначала это делал за него герцог Орлеанский, потом кардинал Флери. В 1745 году он всецело подпал под влияние маркизы де Помпадур, которая по своему усмотрению назначала военачальников и своей расточительностью разоряла страну. Обнищавшие парижане начали с враждебностью относиться к своему королю.

Однако обнищание страны не мешало аристократии строить и обустраивать замки, шить дорогостоящие наряды, которые порой надевались всего один раз, и щеголять друг перед другом своей роскошью, порой эфемерной эфемерной.

После смерти маркизы де Помпадур, у короля появилась новая фаворитка – мадам дю Барри. Эти две дамы и супруга короля Мария Лещинская и стали законодательницами мод и стиля во Франции, из которой рококо перекочевал в соседние страны. Наивысшего расцвета в архитектуре рококо приобрел в Баварии.

Отдельным ответвлением стиля стало китайское направление, или шинуазри. В этом направлении присутствуют китайские мотивы и элементы. Так, в моду вошли чайные домики; тип женщин, похожий на китайские фарфоровые статуэтки и восточные элементы декорирования.

Основателем рококо в живописи принято считать французского художника Жана Антуана Ватто (1684-1721). Это член королевской академии живописи и скульптуры с 1712 года. Кисти Антуана Ватто принадлежат следующие творения:

• «Затруднительное предложение»;
• «Урок любви»;
• «Общество в парке»;
• «Любовная песня»;
• «Капризница» и др.

Творческая жизнь Антуана Ватто была короткой – всего лет 12, но у него появились последователи. Его картины стали образцом для творчества Франсуа Буше, который достиг совершенства в этом направлении.

Рококо в России

В России рококо расцвел во время правления Елизаветы Петровны, которая получила образование во Франции. Правда, в благочестивой, патриархальной России он не получил столь чувственной направленности и выражался более в архитектуре фасадов, интерьеров, в убранстве залов, чем в живописи или скульптуре. Впрочем, здесь можно вспомнить нескольких художников, работавших в рокайльной направленности:

• И.П. Аргунов. «Умирающая Клеопатра»,
• И.Я. Вишняков. Портрет Сары Элеоноры Фермор
• Б.В. Суходольский. «Астрономия».

Для Аргунова эта картина, скорее исключение из правил. Иван Петрович был склонен к классицизму, граничащему с реализмом. Это великолепный портретист, сохранивший истории лица императриц Елизаветы Петровны, Екатерины II, ряда видных государственных деятелей и аристократов, приближенных к царскому двору. Иван Вишняков тоже портретист, но он писал портреты во французском стиле рококо. Суходольский – мастер пейзажа и крупных композиций в том же стиле, характерном для галантного века.

В архитектуре стиль рококо отразился в следующих памятниках русской архитектуры:

• Китайский дворец и дворец Петра III в Ораниенбауме;
• Китайский театр в Царском селе;
• Летний дворец Елизаветы Петровны в Петербурге. Здание не сохранилось, но есть картина М. И. Махаева с его изображением и дающая полное представление о нем.

В зданиях, созданных итальянцем Растрелли, присутствуют элементы рококо и барокко. Так, в декоре уже упомянутого дворца Елизаветы Петровны присутствуют картуши, рокайли, маски львов, сдвоенные колонны, ризалиты, вазы, формирующие визуальную неровность стен. Архитектурный ансамбль дополняют статуи.

Отличие рококо от барокко, классицизма, сентиментализма, модерна, романтизма

Стиль рококо значительно отличается от других течений, бывших до него и возникших после. Хотя некоторые элементы одного стиля все-таки могут проникать в другие стилистические решения.

Барокко

Легкий и игривый стиль рококо пришел на смену помпезному, массивному, фундаментально тяжелому барокко. Он зародился в Италии и просуществовал около 100 лет.

В живописи барокко присутствуют глубокие переживания, картинам темные и зачастую контрастные, насыщенные цвета, в то время как в рококо напротив доминируют светлые цвета и оттенки, а настроение картин – радость, праздник, пасторально приятное время препровождение. На смену трагической религиозности пришли языческие сюжеты из древнегреческой и древнеримской мифологии. Стилю рококо в живописи и архитектуре присуща эротика – игривая, пикантная, жизнеутверждающая.

Одновременно с тяжеловесным барокко и строгим классицизмом в средневековом искусстве XII-XVII веков существовал готический стиль. Он проявился в возведении храмов монастырей, соборов. Готика в литературе – это ужасные сюжеты с потусторонними сущностями, с вампирами, происходившие с литературными героями в старинных готических замках.

Классицизм и неоклассицизм

Классицизм соседствует с уходящим барокко и господствующим рококо. Этот стиль придерживается античной направленности в архитектуре, скульптуре и живописи. Классицизм, классика означают образцовость.

В нем нет тяжеловесной вычурности, присущей барокко, отсутствует также фривольность, присущая рококо. Архитектурные элементы применяются, но они строго симметричные, правильные. В архитектуре классицизма присутствуют:

• колонны и полуколонны;
• треугольные фронтоны;
• барельефы в круглых или овальных медальонах,
• статуи, в том числе кариатиды и атланты, поддерживающие балкон, или иную конструкцию;
• ротонды на крыше как правило треугольные.

Черты, характерные для эпохи античности, также присутствуют в живописи и скульптуре. Классицизму характерна идеализация формы тела. Женщины изображаются более женственными и изящными, чем есть на самом деле, а мужчины – атлетически сложенными.

Сентиментализм

Сентиментализм переводится как чувство, чувственность, и, казалось бы, философия этого стиля должна быть близкой стилю рококо. Однако сентиментализму присуще сопереживание, сочувствие, в то время как в рококо каждый живет для себя, любит и радуется жизни по-своему.

Сентиментализм проповедует культ нравственной чистоты, неиспорченности, утверждение богатого духовного мира в человеке, чаще у представителей низшего сословия. В стиле сентиментализма творили художники Ван Дейк, Дж. Ромини, Дж. Рейнолдс, У. Хор. Сентиментализм нашел благодатную почву в русской патриархальной культуре.

Модерн

Модерн как художественный стиль пришел на смену рококо на рубеже XVIII-XIX веков. Второе его название арт-нуво (новое искусство). Этот стиль зародился в Англии, а свое развитие получил во Франции и продержался более 100 лет, до первой мировой войны.

Это был стиль развивающейся буржуазии, ее основанием служили органичность, простота и функциональность. Арт нуво начал распространяться в другие страны Европы благодаря Всемирным выставкам, на которых выставлялись достижения современных для того времени технологий и прикладного искусства.

Характерная черта модерна — отказ от прямых линий, углов в пользу плавных, обтекаемых форм, приближенным к растительным. Арт-нуво свел к минимуму наличие узоров, завитушек, картушей и других декоративных элементов.

Романтизм

Романтизм, как направление в искусстве просуществовал недолго. Он был порожден революционными, бунтарскими настроениями, царившими в Европе. Он торжествовал в литературе и живописи, характеризовался изображением сильных характеров, противопоставляющих себя существующему миропорядку. Романтизм противопоставляется классицизму.

Основные представители романтизма в живописи — Франсиско Гойя, Антуан-Жан Гро, Карл Шпицвег, Люси Мэдокс Браун. Ярким представителем романтизма в литературе был лорд Байрон. В русской литературе ему подражали Лермонтов, Пушкин, Бестужев-Марлинский и другие.

Показать таблицу

За что стиль рококо подвергался критике?

После смерти мадам Помпадур критике подвергся Франсуа Буше за непристойности, откровенный эротизм. В легковесности, отсутствии идейности подвергались критике и другие художники, творившие в этом стиле. Критиковали как правило, классицисты, не позволявшие себе ничего лишнего, и идеологи барокко, возвышавшие страдания души и тела.

Однако стиль мадам Помпадур и Людовика XV сыграл огромную роль в развитии искусства в целом, показав, что простые человеческие радости не могут быть чуждыми творчеству, и напротив, они даже весьма привлекательны и востребованы.

Мастера рококо создали искусство для человека, и поставили человека в центр творческого начала. Этот стиль оказал влияние на последующие развитие искусства, в частности на импрессионистов.

Рококо в других видах искусства

Легкий фривольный стиль рококо проник во все сферы искусств: в скульптуру, архитектуру, ландшафтный дизайн.

Скульптура

В скульптуру тоже проникла чувственная игривость, легкость и камерность форм. В этот период преобладают бюсты, небольшие садовые фигурки и группы. Дворяне заказывают скульпторам для своих роскошных парков, садов, купален фигурки нимф, амуров. В стиле рококо работают известные скульпторы:

• Жан Батист Пегаль, колебавшийся между неоклассицизмом и рококо. В середине XVIII столетия он пользовался покровительством маркизы де Помпадур. В стиле рококо изваял скульптуры.
• Ж.-Б. Лемуан – любимый скульптор Людовика XV. Создал великолепную портретную галерею великосветской аристократии той эпохи. Его изящные барельефы до сих порт украшают старинный отель Сувиз в Париже.
• Этьен Морис Фальконе, еще один французский скульптор, представитель неоклассицизма, но пользовавшийся покровительством все той же маркизы де Помпадур. В стиле рококо он создал фигуры «Музыка», «Амур», «Купальщица», скульптурную группу «Пигмалион и Галатея». С 1757 года он возглавлял фарфоровую мануфактуру в Севре. Этьен Фальконе является автором знаменитой фигуры Петра первого в Санкт-Петербурге, получившего название «Медный всадник» с легкой руки Пушкина.
• Огюстен Пажу – французский скульптор. Ему покровительствует мадам Дю Барри, чей бюст он увековечил. Ее называли великой блудницей, но в фигуре созданной этим скульптором, зритель видит умное, одухотворенное лицо красивой женщины, знающей себе цену.

Архитектура

Архитектура – это не просто наука или отрасль строительства. Это целое искусство, получившее расцвет в XVII-XVIII веках. Стиль рококо проник и увековечил себя и в этой сфере.

Отель Субиз, Франция

Неподражаемым образцом стиля служит отель Субиз в столице Франции. Во всей своей полноте характер стиля выражен в Китайском домике в Потсдаме. Тут и округлые формы (сам домик имеет форму листа клевера) и обилие позолоты, и колонны, завершающиеся невероятным числом декоративных элементов, и скульптурные композиции, в числе которых фигурка мандарина, сидящего под зонтом на крыше.

В стиле рококо выстроены:

• Дворец Келуш в Португалии. Архитектор – Матеуш Винсенте де Оливейра;
• Церковь Франциска Ассизского в Оуру-Прету архитектора Алейжадинью;
• Дворец Шарлоттенбург – летняя резиденция для прусских королей. Дворец выстроен в западной части Берлина.

Ландшафтный дизайн

Особенно стиль рококо проявил себя в ландшафтном дизайне своего времени. Парки и сады украшались гротами, беседками. На смену тяжеловесным лестницам, пришли китайские сады с мостиками и ручейками, павильоны, искусственно созданные гроты, криволинейные дорожки, лабиринты, обсаженные густой изгородью из вьющихся растений.

Иллюзорность – еще одна характерная черта рококо. Элементы паркового ландшафта создавали некую иллюзорность пространства. Непременным атрибутом парков и садов были скульптурные композиции и фигурки мифических героев: амуров, купальниц.

Интерьер

Рококо в интерьере – это прежде всего обилие света и золота. Обивки тканей, цвет мебели выбираются светлые: цвет дерева – выбеленный или золотисто светлый. Ткани сиреневые, бежевые, золотистые. На стенах легкие, ажурные обрамления, образующие медальоны, углы также сглажены лепными карнизами. Потолки однотонные, или украшенные панно в обрамлениях. Проемы окон и дверей декорированы лепными аркадами.

На смену просторным апартаментам приходят уютные небольшие комнатки, в которых игривый рококо нашел себе место. В новом стиле отделывались будуары, спальни и личные кабинеты аристократов. В ХVIII веке было в порядке вещей принимать посетителей, лежа в постели, поэтому спальни часто отделывались, как парадные.

Музыка

Музыка тоже ощутила на себе влияние галантного века. Стиль рококо выразился в легких, танцевальных мотивах, в обилии фонетических украшений, мелизмов.

Главным требованием к музыкальным произведениям была возможность наслаждаться звучанием музыкального инструмента. Произведения в стиле рококо не требовали, чтобы над ними размышляли, переживали, плакали. Музыка, как и все, окружавшее бытие аристократов, служила наслаждениям и развлечениям. Ее писали в основном для клавесинов, виолы, скрипки и гобоя.

Яркими представителями стиля были следующие композиторы:

• Франсуа Куперен (1668 — 1733), автор ряда инструментальных пьес и концертов для клавесина,
• Жан Филипп Рамо (1683 — 1764), создатель опер «Галантная Индия», «Празднества Гебы, или Лирические дарования», «Саид», и лирических музыкальных комедий «Платея» и «Паладины» (1760).
• Андре Кампра (1660 — 1744) — автор опер-балетов «Галантная Европа» (1697), «Венецианский карнавал» (1699), «Венецианские празднества]» (1710)

Инструментальные или сценические произведения демонстрируют невероятно слаженное единство архитектурой и дизайном интерьеров, с живописью и скульптурой, с аристократическим бытом времени, получившего название галантного века.

Влияние стиля на моду

Философией стиля рококо был праздник, получение удовольствия, любовь. Об этой эпохе известный русский поэт Александр Пушкин сказал, что в нем царствовали женщины.

Законодательницами стиля и моды стали мадам дю Барри, Маркиза де Помпадур, Мария Лещинская. Первые две были фаворитками короля. Мария Лещинская – польская принцесса, ставшая супругой Людовика XV. Она была старше короля на 7 лет.

Пара. Вечеринка под открытым небом
Иоганн Георг Платцер

В этот период наблюдалась феминизация культуры. Женщины проявили свои способности и таланты в целом ряде отраслей искусства: и это не могло не сказаться на моде. В ней доминирует тонкая талия, округлые бедра, подчеркиваемые нарядом, маленькие руки, высокая, изящная грудь, маленькая головка на тонкой шее, такое подобие китайской фарфоровой статуэтки.

Любовное письмо
Жан-Оноре Фрагонар

Женщину с такими «идеальными» формами можно увидеть и в живописи. Например, в картинах Франсуа Буше «Любовная записка». Глядя на портреты маркизы де Помпадур, выполненные кистью этого же живописца, начинаешь понимать, кому старались подражать французские дамы.

Любовное письмо
Иоганн Георг Платцер

Прически приобрели яйцевидный силуэт. На картинах Буше и Фрагонара головки дам не прилизанные, но и высоких фигур из волос нет ни у кого. Прически у дам умеренной пышности, часто подвязаны лентой или собраны под изящными заколками. Укладка волос больше тяготеет к естественной, природной легкости.

Силуэт женского платья был похож на перевернутый бокал. Тонкую талию дамы старались получить, затягивая себя корсетом, а для пышности бедер в юбку вставляли каркас из китового уса, ивовых прутьев, сплетенного конского волоса.

Костюмы аристократов сверкали золотом и драгоценными камнями. Даже пуговицы и пряжки делали из сверкающих драгоценных камней. Мужчины носили белые рубашки, украшенные кружевными жабо, или надевали шейные платки.

10 художников рококо

В искусстве Европы увековечили свои имена не один десяток живописцев. Покровительство королевского двора Людовика XV творческим и талантливым людям тоже дало толчок развитию искусства в стиле рококо во Франции. Яркую плеяду художников подарила Италия.

Жан Антуан Ватто (1684-1721)

Антуан Ватто считается основателем «ракушечного» стиля в живописи. Он прожил короткую жизнь – всего 37 лет, но это была жизнь, не простая, наполненная лишениями, трудом, поиском своего стиля, своей направленности в творчестве и по мере утверждения себя в искусстве, расцветал его талант.

Его картины:

• «Венера и Марс»,
• «Сатир и нимфа»,
• «Пьяный Силен»
• «Святое семейство».

Паломничество на остров Киферу
Жан Антуан Ватто

Его картина «Паломничество на остров Киферу» стала пропуском в Королевскую академию художеств. И считается вершиной творчества живописца. На создание этого творения художник потратил 5 лет. Сохранилось 2 варианта, 2 картины, написанных на эту тему. Один вариант хранится в Лувре, второй – в Берлине.

Франсуа Буше (1703- 1770)

Художник Франсуа Буше считается основным представителем французского рококо. Он родился в Париже. Этот талантливый художник, ставший страстным последователем Ватто, стоял у истоков рококо в живописи. Он создал более 300 полотен.

Его кисти принадлежат несколько портретов маркизы де Помпадур, картины в жанре пасторали на тему древнегреческой и древнеримской мифологии, сцены из библейской жизни.

Имя Франсуа Буше увековечили следующие полотна:

• «Диана после купания»,
• «Марс и Венера»,
• «Туалет Венеры»,
• «Венера и Купидон».

Кроме этого, Буше оставил небольшие рисунки, он создал гравюры, иллюстрации для книг Боккаччо, Мольера, Овидия, декорации для спектаклей и опер королевского театра, расписывал севрский фарфор, веера, писал миниатюры и т.п.

Уильям Хогарт (1697-1764)

Английский художник, представитель английской художественной школы, Уильям Хогарт иллюстрировал книги, создавал гравюры, работал, не останавливаясь на достигнутом, создавал новые жанры.

Уильям Хогарт с детства увлекался рисованием, отличался наблюдательностью и способностью отмечать мелкие детали. Предпочитал рисованию учебу в начальной школе. Обучался у известного гравера Эллиса Гэмбла, работавшего с серебром.

Его картины:

• «Музыкальная вечеринка»,
• «Собрание в доме Ванстед»,
• «Предвыборный банкет»,
• «Семья Фаунтейн».

Хогарт создавал художественные тематические серии. Так, серия «Карьера проститутки» состояла из 6 картин. Следующая серия картин «Модный брак» в основу гравюрных оттисков.

Джованни Баттиста Тьеполо (1696-1770)

Последний представитель венецианской школы. Он родился в Венеции, в отличие от большинства известных живописцев ему не пришлось никуда ехать, чтобы учиться. Он обучался у Грегорио Ладзарини и Себастьяно Риччи. Его супруга Мария была сестрой известных живописцев Гварди.

Тьеполо был ярким представителем Итальянского рококо. Он писал не только картины. В итальянских храмах сохранились его фрески. Это, как известно, одно из самых сложных направлений в живописи.

Его картины:

• «Вакх и Ариадна»,
• «Пир Клеопатры»,
• «Венецианский шарлатан».

Тема Вакха и Ариадны, начатая Тицианом в XVI веке, привлекала в период галантного века и других художников

Николя Ланкре (1690-1743)

Николя Ланкре – значимый представитель Парижской школы. На него глубокое влияние оказало творчество Антуана Ватто. Ланкре был членом, а позднее и советником Королевской Академии живописи и скульптуры писал сцены сельских прогулок, увеселений, пасторали, маскарады.

Его кисти принадлежат картины:

• «Концерт в парке»,
• «Танец у фонтана»,
• «Качели».
• «Портрет танцовщицы Камарго».

Семь картин этого художника хранятся в Эрмитаже.

Луи Мишель ван Лоо (1707—1771)

Живописец, портретист Луи Мишель ван Лоо – самый яркий и талантливый представитель художественной династии Ван Лоо и один из мастеров художественного портрета, работавших в стиле рококо. Обучался сначала у своего отца, а позднее, в Париже у Франсуа Буше.

В 1737 году ван Лоо получил приглашение в Мадрид, в качестве придворного художника короля Испании Филиппа V. В Мадриде он занимается и преподает начинающим живописцам. Придворный портретист. В его картинах обращает на себя внимание фотографическая точность, скрупулезное отношение к мельчайшим деталям.

Его картины:

• «Филипп V и Елизавета Фарнезе»,
• «Двор Людовика XV»,
• «Маркиза де Помпадур и Мариньи».

Этим художником созданы также портреты некоторых исторических деятелей — Дидро, Мишеля-Этьена Тюрго.

Луис Эухенио Мелендес (1716-1780)

Луис Мелендес родился в Неаполе, а позднее семья переехала в Мадрид. Его отец Франциско Мелендес стоял у истоков создании Королевской академии в Мадриде в 1744 году. Но после ссоры с руководством академии он был удален из нее и зарабатывал частными заказами.

Этот конфликт сыграл негативную роль и в жизни его сына Луиса, который не смог добиться должности придворного художника и умер в бедности. Луис Мелендес – представитель академического направления в искусстве, но в его натюрмортах просматривается живой, игривый стиль рококо.

Автор картин:

• «Натюрморт с грушами и дыней»,
• «Испанский натюрморт»,
• «Абрикосы и вишни».

Последние годы жил и работал в Испании, в Мадриде.

Жан-Оноре Фрагонар (1732-1806)

Французский живописец и гравёр. Создал более 500 картин в стиле рококо (не считая рисунков и гравюр). Обучался в Риме у известных художников Бароччо, Пьетро да Кортона, Солимена. На раннем этапе своего творчества работал над историческими сюжетами.

Его картина «Корес и Каллироя» стала для него пропуском в королевскую академию художеств. Впоследствии увлекся более востребованным направлением. Его картины в стиле рококо: «Спящая нимфа», «Амур, снимающий сорочку с красавицы» «Купальщицы», «Молодой гитарист».

Иоганн Георг Платцер (1704-1761)

Иоганн Георг Платцер – австрийский живописец, родившийся в графстве Тироль. Писал мифические и исторические сцены. Почти всю свою жизнь прожил в Типпане. Обучался у своего дяди, придворного художника. В своем творчестве Платцер отдавал предпочтение мифологическим или светским праздникам. И в то же время в его сюжетах всегда присутствовал скрытый смысл.

Его картины:

• «Сцена с фонтаном перед дворцом»,
• «Александр Македонский получает ключи от Вавилона»,
• «Царица амазонок Фалестрис в лагере Александра Македонского»,
• «Латона превращает ликийских крестьян в лягушек».

Серия из 4 картин тему «Удовольствия четырех сезонов», отражает каждое из времен года: весну, лето, осень и зиму.

Томас Гейнсборо (1727 – 1788)

Английский портретист Томас Гейнсборо родился в Сэдбери, графство Суффолк. Автор многочисленных портретов с не меньшим успехом создавал пейзажи, от работы над которыми получал наслаждение. Считается представителем английского рококо. Томас Гейнсборо считается основателем пейзажной школы в Британии.

Автор полотен:

• «Пейзаж в Саффолке»,
• «Возвращение крестьян с рынка»,
• «Утренняя прогулка.
• «Портрет сквайра Уильяма Хэллета с супругой Элизабет»,
• «Портрет миссис Ричард Бринсли Шеридан».

Пейзажи, картины природы нередко служили фоном в портретах, как например, в картинах «Джорджиана, герцогиня Девонширская», «Групповой портер детей Маршам».

10 известных картин в стиле рококо

Стиль французской аристократии значительно обогатил мировое искусство творениями живописи архитектуры и скульптуры. Немало картин того периода хранятся в мировых музеях, картинных галереях, частных коллекциях. Здесь приведем 10 картин, получивших мировое признание.

«Портрет балерины Парижской Оперы Мари-Мадлен Гимар»

Портрет балерины Парижской Оперы Мари-Мадлен Гимар
Жан-Фредерик Шаль

Автор – французский живописец Жан-Фредерик Шаль. Героиня картины – классическая представительница женского типажа, принятого в рококо. В этом художественном произведении преобладают светлые пастельные тона. На балерине белоснежное с розовым платье, из-под которого выглядывает маленькая, изящная ножка в розовых туфлях. Фоном для портрета служит сад. На заднем плане едва угадывается каменная постройка.

«Вакх и Ариадна»

Вакх и Ариадна
Иоганн Георг Платцер

Картина написана художником Иоганном Георгом Платцером. На ней изображена сцена праздничного застолья мифических героев. В картине преобладают золотистые и голубые оттенки. Фигуры участников застолья отливают золотом. Элементы стиля также выражены в изображении посуды, садовой архитектуры, изображении деревьев, фигур людей.

«

Молодая читательница»

Молодая учительница
Жан Оноре Фрагонар

Автор портрета – Жан Оноре Фрагонар. Картина написана в 1769 году. На ней изображена молодая женщина, читающая книгу. В портрете использована присущая рококо цветовая гамма. Большая подушка за спиной олицетворяет собой комфорт и наслаждение.

«Качели»

Качели
Фрагонар

Это еще одна картина Фрагонара. На ней изображена молодая женщина, катающаяся, а точнее, взлетающая на качелях. Именно ощущения полета выражено кистью мастера. Упавший впереди мужчина и стоящий на заднем плане — поклонники женщины, пытающиеся ухаживать за ней. Молодая женщина в персиковом платье изображена на фоне темного неба. Очевидно, действие происходит вечером, напоенным любовью и романтизмом.

«Юпитер и Калисто»

Юпитер и Калисто
Франсуа Буше

Великолепное полотно, выполненное художником Франсуа Буше. Эта картина – яркое воплощение стиля рококо. Все в ней дышит эротизмом и чувственностью, которую подчеркивают кружащиеся над головой влюбленных амуры. Цвета, использованные в картине, тоже подчеркивают влюбленность героев

«Радости бала»

Радости бала
Антуан Ватто

Антуан Ватто. Одна из первых картин художника, написанная в 1714 году. Это полотно интересно еще и тем, что дает представление об архитектуре того времени. Полотно хранится в картинной галерее Дальвичского колледжа в Лондоне.

«Портрет императрицы Елизаветы Петровны»

Портрет императрицы Елизаветы Петровны
Иван Аргунов

Портрет написан в стиле рококо, входившем в российскую моду русским живописцем Иваном Аргуновым. На картине обращает на себя внимание сходство императрицы с ее отцом Петром I. Тяжелый атлас ее платья, синяя лента на груди и орден говорят о принадлежности дамы на портрете к власти. Предположительно, портрет был написан в конце 60-х годов XVIII века.

«Утренний шоколад»

Утренний шоколад
Пьетро Лонги

Художник – Пьетро Лонги. На картине хозяйка принимает гостей, находясь в постели. Один из присутствующих – священник с молитвословом, Слуга держит кофейник и чашечку с шоколадом, очевидно для хозяйки. И еще один герой картины тоже угощается горячим шоколадом. На картине, созданной в 1775-80 годах, отображен начинавший входить в моду обычай пить по утрам горячий шоколад.

Геркулес и Омфала

Геркулес и Омфала
Франсуа Буше

Франсуа Буше изображает откровенно эротическую сцену. Согласно мифологии, Омфала была царицей Лидии, а Геракл оказался проданным ей в рабство. Но между рабом и царицей вспыхнула страсть. Красный цвет ложи, розовый палантин над постелью влюбленных, путти говорят, как раз, об этой любовной страсти.

 «Сцена в фонтане перед дворцом»

Сцена в фонтане перед дворцом
Иоганн Георг Платцер

Сцена, изображенная Платцером в этой картине, показывает, как развлекаются дворяне в жаркий летний день, забыв об этикете и скромности. Картина была создана между 1730-35 годами, и сейчас хранится в замке Скуклостер в Швеции.

Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве

Просмотры:
30 277

Стиль рококо рождается во Франции в 20-е годы XVIII столетия. Его развитие начинается в эпоху Регентства, но расцвет приходится на время правления Людовика XV. Сначала он проявляется в архитектуре, особенно в новых тенденциях оформления интерьера дворцов и фешенебельных городских домов знати, которые приходят на смену торжественному, величавому убранству залов Версальского дворца при Людовике XIV. Парадная декорация интерьеров, в которой ведущую роль играют строгие линии ордера, постепенно уступает место изощренно-прихотливым, волнистым очертаниям. Важное место в них занимает мотив рокайля, который представляет собой стилизованную раковину в обрамлении из сплетений причудливо изогнутых завитков.

Французское слово rocaille (букв. – дробленый камень) обозначало искусственные скалы, покрытые ракушками, которые с эпохи Ренессанса использовали для создания фонтанов и гротов в парках.

Само название стиля является производным от этого слова, однако термин рококо появляется только в XIX веке. Первоначально во Франции он назывался «стиль Помпадур» по имени знаменитой фаворитки Людовика XV мадам де Помпадур, что было связано с ее значительной ролью в развитии нового вкуса и нового направления в искусстве.

Характерным для рококо является отказ от парадных анфилад эпохи Людовика XIV и создание меньших по размеру, более удобных и комфортабельных комнат, отвечающих естественным потребностям человека. Оставаясь прежде всего стилем внутреннего убранства богатого дома, рококо редко проявляется полноценно в самой архитектуре. Лучшим примером рокального интерьера являются залы и комнаты Отеля Субиз в Париже, созданные Жерменом Бофраном (1738-1739).

Легкие настенные панели с золочеными бордюрами, зеркала, золоченая лепнина плафона, гирлянды золотых цветов, изгибающиеся на белой поверхности стен, создают ощущение праздничности, роскоши, воздушной легкости.

Пространство богато украшено живописью, размещенной на небольших поверхностях на стенах, плафоне, над дверьми, имеющими сложные затейливые формы. В создании живописного декора Отеля Субиз принимали участие лучшие художники рококо – Франсуа Буше, Шарль-Жозеф Натуар, Карл Ван Лоо. Для сюжетов выбраны любовные сцены из Овидия, Апулея, Лафонтена, галантные празднества.

Необходимость декорировать интерьеры богатых «отелей» – частных домов знати, – которые активно строятся в Париже и других городах страны, стимулирует быстрое распространение стиля рококо в декоративно-прикладном искусстве. В мебели и фарфоре эпохи Людовика XV богатство, элегантность и фантазийность его форм проявляются особенно ярко. Знаменитая севрская фарфоровая фабрика, недалеко от Парижа, директором которой некоторое время был скульптор Фальконе, автор «Медного всадника» в Санкт-Петербурге, является одним из известнейших центров производства фарфоровых изделий в стиле рококо.

В живописи, наряду с темой любви, которая часто приобретает эротический оттенок, активно используются мотивы шинуазри, тюркери, изображающие придуманный, сказочный восток.

Интерес к экзотике, к необычному, который все более активно начинает проявляться в европейской культуре, становится важной чертой искусства рококо. Рокайльная живопись отличается красочностью, яркими колористическими эффектами. Таким образом, борьба между «пуссенистами», поклонниками Пуссена, настаивающими на первенство рисунка над цветом, и «рубенсистами», приверженцами Рубенса, охватившая французскую Академию на рубеже XVII-XVIII веков, решается для рококо в пользу цвета и богатства колорита, но само противостояние между «пуссенистами» и «рубенсистами» в XVIII веке трансформируется в спор между «древними» и «современными». В этом плане культура рококо с ее попыткой создать более естественную, комфортабельную, органичную для человека среду, созвучна идеям «современных».

Из Франции рококо распространяется в другие европейские страны. Наиболее значительными центрами становятся католические регионы южной Германии и Австрия. Церковные интерьеры баварского архитектора Доминикуса Циммерамана в Виесе, недалеко от Мюнхена и Бальтазара Ноймана в Вюрцбурге остаются выдающимися образцами рококо вне Франции. Замечательным примером архитектуры, садово-паркового и декоративно-прикладного искусства рококо является дворцовый комплекс Сан Суси в Потсдаме (Германия), построенный королем Пруссии Фридрихом Великим.

С 1760-е годы стиль рококо вытесняется зарождающимся неоклассицизмом.

Новые общественные противоречия, новые проблемы, свойственные эпохе капитализма, вели к перевороту в европейской культуре и общественной мысли, которым были отмечены первые десятилетия нового 19 века.

Восемнадцатый век, расширив и углубив достижения предшествующей эпохи, внес много нового в развитие искусства европейских стран. Значительное влияние на него оказали изменения общественной жизни, укрепление капиталистических отношений и окончательное разложение феодального строя. Философия просветителей, быстро распространившаяся по всей Европе, активно воздействовала на духовную жизнь людей даже в самых отдаленных странах. В свете новых воззрений на мир, на общество, на человека пересматривались старые духовные ценности, рушились традиционные верования и представления. Во всех сферах культуры и искусства торжествовало светское начало. В зодчестве преобладающим стало гражданское строительство, в живописи обрели новые силы реалистические тенденции. Получили дальнейшее развитие светские жанры — портрет, пейзаж, натюрморт, изображение быта. Светский характер приобрела религиозная живопись, как правило, теряющая былую серьезность и глубину чувства.

18 век вошел в историю как век Разума, и, действительно, стремление подвергнуть все сущее контролю и суду рассудка стало господствующей тенденцией мироощущения эпохи. Однако это не означало подавления живого чувства в искусстве того времени. Критическое постижение мира часто сочеталось в нем с утонченной поэзией, ирония — с мечтательностью и причудливой игрой воображения.

В 18 столетии утверждается новое отношение к человеку, значение личности чаще, чем прежде, оказывается независимым от сословных прерогатив. Поиски новых духовных ценностей нередко ведутся в сфере частной жизни. Идея «естественного человека» оказывается неотделимой от представления о столь же естественных чувствах. Художников, как и писателей, все больше интересует интимная духовная жизнь конкретного человека. Они углубляются в мир тонких и сложных эмоций, замечают бесконечное многообразие индивидуальных проявлений личности. Искусство, особенно живопись, становится более утонченным и изысканным, а с другой стороны, приобретает более интимный, камерный характер. 18 век — время особого расцвета станкового искусства. И хотя монументальная живопись и скульптура продолжают развиваться, лишь в редких случаях они достигают былого масштаба п значения. Открывая новые возможности развития искусства, художники 18 века постепенно теряли универсальную широту охвата явлений мира, характерную для великих мастеров Ренессанса и 17 столетия.

Искусство рококо выработало оригинальные приемы изобразительности, сопоставимые с уменьшительно-ласкательными формами естественной речи. Сентиментальность, готовность умиляться малым сквозят в языке живописи. Даже излюбленный формат рококо — овал — свидетельствует об этой наклонности. При сравнительно небольших размерах полотен эффект интимности изображенного становится полным. Масляная живопись нередко уподобляется пастели, и совсем не случайно расцвет этой нежной техники приходится именно на эпоху рококо.

Некая интригующая двойственность — неотъемлемая черта живописи рококо, о чем столь выразительно свидетельствуют «галантный жанр» или портрет. Живописец ведет со зрителем игру, взаимопонимание в которой поддерживается языком намеков. Полуоборот, легкий жест, чуть заметное мимическое движение, полуулыбка, как бы затуманенный взгляд или влажный блеск в глазах — из подобных градаций сотканы образы представителей «галантного» века. От изысканного Ватто через Буше этот язык передается Фрагонару. В излюбленных мотивах Фрагонара всегда есть некий эффект мимолетности: художник будто ловит момент, когда звучит кокетливое «ах!» или что-нибудь в том же роде. Живопись Фрагонара — это язык междометий.

Сотни и тысячи картин, номинальными героями которых выступают одни и те же мифологические персонажи: Венера, Амур, Марс, Адонис, Вакх, Диана, Актеон, Юпитер, Европа, Аполлон, Дафна, Ариадна, Психея, нимфы, сатиры, вакханки, — все это множество изображений являет собой один предмет, преследует одну цель. Предмет и цель эти — любовь как чувственное наслаждение. Превратить наготу, а прежде всего обнаженное женское тело, в утонченное пиршество для глаза и ведомых им интимных чувств — в этом французская живопись XVIII века преуспела как никакая другая. Стоит сравнить любую из пуссеновских мифологических сцен с аналогичными сценами Буше, Ванлоо или Натуара, чтобы убедиться в метаморфозе жанра, слагавшегося под знаком Любви. Картина Карла Ванлоо «Юпитер и Антиопа» (ок. 1753; Санкт-Петербург, Эрмитаж) написана для собрания эротических сюжетов (Cabinet de nudites) по заказу маркиза де Мариньи, брата маркизы Помпадур. Композиция построена таким образом, что глазу зрителя дано скорее удовлетворить эротическое любопытство, чем вожделеющему сатиру-Юпитеру. Еще более красноречив в этом смысле образ Геркулеса в трактовке Франсуа Буше («Геркулес и Омфала», 1730-е; Москва, ГМИИ им. А. С. Пушкина). Величайший греческий герой представлен как упоенный страстью любовник. Сплетенные тела, сцепленные руки, жадно пьющие друг друга уста — воспаленный эротизм сцены означает некий предел возможного, достигнутый искусством рококо.

Искусство 18 века чрезвычайно многообразно и противоречиво. Весьма значительными были различия между отдельными школами, происходила борьба течений и направлений внутри каждой из школ, а иногда противоречия проявлялись в творчестве одного художника. Поэтому не существовало единого стиля, объединяющего все разноречивые искания эпохи. Лишь с большой степенью условности можно выделить в начале и середине столетия как определяющую стилистическую тенденцию позднее барокко, перерождавшееся почти повсеместно в рококо. Во второй половине века господствующей тенденцией стал классицизм.

Искусство 18 столетия было вместе с тем важной ступенью в развитии реализма. В некоторых странах, в частности в Англии, складываются элементы критического реализма, отразившего передовые взгляды представителей третьего сословия.

По сравнению с предшествующим периодом в 18 веке меняется соотношение различных искусств в общей структуре культурно-художественной жизни. Живопись во многих странах уступила первое место музыке и литературе, увеличилась роль театра, оказавшего значительное влияние на изобразительные искусства.

Продолжалось развитие многих национальных школ, но искусство разных стран развивалось неравномерно. Некоторые ведущие школы, совсем недавно достигшие блестящего расцвета, сошли со сцены. Так, Фландрия и Голландия уже пе выдвигали художественных явлений, которые могли бы претендовать на европейское значение. Это в большой мере относится и к Испании, где возрождение национальной культуры наступило лишь в последней четверти 18 века. В Италии оригинальные и крупные произведения создавала в основном лишь венецианская школа.

Яркий расцвет культуры и искусства переживали другие страны, и прежде всего Франция, которая уже в конце 17 столетия приобрела ведущее значение в художественной жизни Европы. Английская школа впервые после эпохи средневековья начала играть видную роль в развитии мирового искусства. После долгого упадка начинали возрождаться архитектура, скульптура и живопись Германии, Австрии, Польши, Чехии. К концу 18 века относится ряд значительных достижений в изобразительном искусстве Соединенных Штатов Америки.

Развитие европейских стран повлекло за собою усиление связей между ними. Интенсивный хозяйственный обмен активизировал культурные отношения. Новые художественные идеи быстро становились достоянием живописцев, скульпторов и архитекторов во всех уголках Европы. Рим, в известной мере уступивший роль столицы европейского художественного мира Парижу, сохраняет, однако, значение крупного культурного центра, куда съезжались люди искусства со всех концов света, где происходил обмен мнениями и рождались новые художественные идеи. Значение Рима стало особенно очевидным с середины 18 века, когда усилился интерес к античному наследию и началось его систематическое изучение. Рим превратился в крупнейший учебный центр для молодежи, многие академии ведущих стран имели там свои филиалы.

Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

LiveJournal

Одноклассники

Мой мир

Обзор движения рококо | TheArtStory

Посадка на Киферу (1717)

Художник: Жан-Антуан Ватто

На этой картине изображены влюбленные пары в элегантных аристократических платьях в идеализированной пасторальной обстановке на Кифере, мифическом острове, где находится Венера, богиня любви. рожденный от моря. Жесты и язык тела вызывают воспоминания, поскольку мужчина, стоящий ниже центра, обхватив рукой талию женщины рядом с ним, кажется, искренне умоляет ее, в то время как она поворачивается, чтобы с тоской смотреть на другие пары.Обнаженная статуя богини возвышается с пьедестала, украшенного гирляндами цветов справа, как если бы председательствовала на торжествах. Слева она дважды изображена в золотой статуе, которая помещает ее на нос лодки. Обнаженные путти появляются на протяжении всей сцены, взлетают в небо слева или появляются между парами и подталкивают их вперед, а природа — вялое, но плодотворное присутствие. В целом картина воспевает путешествие любви. Как писал современный критик Джеб Перл, «влюбленные Ватто, замкнутые в своей мучительной, восхитительной нерешительности, являются символами постоянно приближающейся и постоянно уменьшающейся возможности любви.«

Как писала искусствовед Холли Брубах,« образы Ватто идеально подвешены между моментом непосредственно перед и моментом после… люди, которых он изображает, заняты разыгрыванием не одного, а нескольких возможных сценариев ». Его фигуры не так легко узнаваемы. люди, как аристократические типы, с гладкими напудренными лицами, которые вместе создают своего рода хореографию цвета и удовольствия.

С этой работой, приемной для Академии Ватто, он первым изобрел fête galante , или живопись ухаживания движение рококо.Как писал Джонатан Джонс: «В туманных, тающих пейзажах картин … он недвусмысленно связывает пейзаж и желание: если искусство Ватто обращается к придворным любителям средневековья, оно начинает современную историю чувственности во французском искусстве».

Рококо — концепции и стили

Начало рококо

В живописи рококо в первую очередь находилось под влиянием венецианской школы использования цвета, эротических сюжетов и аркадских пейзажей, а школа Фонтенбло стала основой дизайна интерьера в стиле рококо.

Венецианская школа

Известные художники Джорджоне и Тициан, среди прочих, оказали влияние на акцент периода рококо на вихревых цветах и ​​эротических сюжетах. Пасторальный концерт (около 1509 г.), впервые приписываемый Джорджоне, хотя теперь он считается одним из ранних произведений Тициана большинством ученых, был классифицирован Лувром как Fête champêtre , или вечеринка на открытом воздухе, когда он впервые стал частью собрание музея. Произведения эпохи Возрождения, изображающие двух обнаженных женщин и двух мужчин-аристократов, играющих музыку в идеализированном пасторальном пейзаже, сильно повлияли на развитие рококо Fête galante или картин ухаживания.Термин относится к историческим картинам приятных прошлых времен и стал популяризироваться в работах Жана-Антуана Ватто.

Школа Фонтенбло 1528–1630

В 1530 году король Франциск I, известный меценат, пригласил итальянского художника Россо Флорентино во французский двор, где, став пионером изысканного стиля французского маньеризма, Россо основал школу Фонтенбло. Школа стала известна своим уникальным стилем дизайна интерьера, в котором все элементы создавали хореографическое единство.Россо был пионером в использовании больших лепных рельефов в качестве рам, украшенных декоративными и позолоченными мотивами, которые сильно повлияли на акцент рококо на сложных декорациях.

Золочение было ключевым вкладом Фонтенбло, придавая изысканное великолепие объектам, которые можно увидеть в знаменитом соляном погребе Беневенто Челлини (1543), который Франциск I заказал в золоте. Даже простые элементы интерьеров в стиле рококо стали сильно акцентироваться, о чем свидетельствует популярность часов картеля, встраивания обычных часов в замысловатые декорации, напоминающие скульптуры и органично дополняющие общий вид и ощущение окружающих их интерьеров.

Эпоха дизайна в стиле рококо

Рококо дебютировал в дизайне интерьеров, когда гравер Пьер Ле Потр работал с архитектором Жюлем Ардуэном-Мансаром над замком Марли (1679–1684), а затем в Версале в 1701 году, когда он перепроектировал частные апартаменты Людовика XIV. . Le Pautre первым начал использовать арабески, используя s-образную или c-образную линию, размещенную на белых стенах и потолке. Он также использовал вставные панели с позолоченной деревянной отделкой, создав причудливый и легкий стиль. Le Pautre был прежде всего известен как an ornemaniste , или дизайнер орнаментов, что отражает популярную роль ремесленников в то время в развитии высокодекоративного стиля.

Во время правления Людовика XIV Франция стала доминирующей европейской державой, и сочетание большого богатства и мирной стабильности заставило французов обратить свое внимание на личные дела и наслаждение мирскими удовольствиями. Когда король умер в 1715 году, его наследнику Людовику XV было всего пять лет, поэтому Регентство во главе с герцогом Орлеанским правило Францией до тех пор, пока дофин не достиг совершеннолетия. Герцог был известен своим гедонистическим образом жизни, а эстетика рококо казалась идеальным выражением чувственности той эпохи.Взойдя на трон в 1723 году, Людовик XV также стал известным сторонником и покровителем архитектуры и дизайна в стиле рококо. Поскольку Франция была художественным центром Европы, художественные дворы других европейских стран вскоре последовали ее примеру в своем энтузиазме в отношении подобных украшений.

Жан-Антуан Ватто

Жан-Антуан Ватто возглавил период рококо в живописи. Он родился в Валансьене, небольшой провинциальной деревушке в Бельгии, которая недавно была присоединена к французам. Его ранние познания в искусстве и рисовании привели к его раннему обучению у местного художника.Впоследствии он уехал в Париж, где зарабатывал на жизнь копиями произведений Тициана и Паоло Веронезе. Он присоединился к студии Клода Одрана, известного декоратора, где он познакомился и стал коллегой по творчеству Клода Жилло, известного своим оформлением комедии commedia dell’arte или постановок комического театра. В результате работы Ватто часто выражали театральный подход, показывая фигуры в костюмах на фоне декораций, освещенных искусственным светом.

В 1712 году Ватто принял участие в конкурсе Prix de Rome Королевской академии скульптур и искусства, и Академия приняла его в качестве полноправного члена.Его «приемная» для Академии, Посадка на Cythera (1717), фактически положила начало движению рококо. Академия ввела термин Fête galante , или вечеринка для ухаживания, для обозначения работы, тем самым установив категорию, которая должна была стать доминирующим элементом живописи рококо. Fête galante Картины изображали fête champêtre , или вечеринку в саду, популярную среди аристократического сословия, где, одетые как для бала, или в костюмах, они винили, обедали и участвовали в любовных увлечениях в аркадских садах и парках. .Художественный предмет не только нравился частным посетителям, но и его мифологизированные пейзажи и обстановка соответствовали стандартам Академии, которая причисляла историческую живопись, в том числе мифологические сюжеты, к высшей категории.

Клод Одрен был официальным хранителем Люксембургского дворца, и, работая с ним, Ватто скопировал серию из двадцати четырех картин Питера Поля Рубена « Жизнь Марии Медичи » (1622-25), которые выставлялись в дворец. Серия Рубена, сочетающая аллегорические фигуры и мифологические сюжеты с изображениями королевы и аристократического двора, продолжала служить источником информации для творчества Ватто.Рубенс первым изобрел технику « trois crayons », что означает «три мелка», техника с использованием красного, черного и белого цветов для создания колористических эффектов. Ватто овладел этой техникой до такой степени, что его имя стало ассоциироваться с ней, и она была широко принята более поздними художниками рококо, включая Франсуа Буше.

Франсуа Буше

Под влиянием Рубенса и Ватто Франсуа Буше стал самым известным художником зрелого периода рококо, начиная с 1730 года и до 1760-х годов.Известный своей картиной, сочетающей аристократическую элегантность с эротической обработкой обнаженной натуры, как показано в его Туалет Венеры (1751), он в равной степени оказал влияние на декоративное искусство, театральные постановки и дизайн гобеленов. Он был назначен первым художником короля в 1765 году, но наиболее известен своими долгими отношениями с мадам де Помпадур, официальной первой любовницей короля Людовика XV и известным покровителем искусств. В результате своего мастерства в искусстве и дизайне рококо и своего королевского покровительства Буше стал «одним из тех людей, которые олицетворяют вкус века, выражают, олицетворяют и воплощают его», как писали известные авторы Эдмон и Жюль де Гонкур. .

Мадам де Помпадур

Мадам де Помпадур, урожденная Жанна-Антуанетта Пуассон, была названа «крестной матерью рококо» из-за ее центральной роли в продвижении этого стиля и превращении Парижа в художественную столицу Европы. Она повлияла на дальнейшее применение стиля рококо благодаря покровительству таких художников, как Жан-Марк Наттье, скульптор Жан Батист Пигаль, дизайнер обоев Жан-Батист Ревейон и гравер по драгоценным камням Жак Гуай. Официальная первая любовница короля с 1745 по 1751 год, она оставалась его доверенным лицом и доверенным советником до своей смерти в возрасте 42 лет от туберкулеза.Ее роль и статус стали де-факто определением королевского патронажа.

Рококо: концепции, стили и тенденции

Французское рококо

Франция была центром развития рококо. В дизайне салона, зала для развлечения и впечатления гостей, было серьезным нововведением. Самым известным примером был Салон принцессы Шарля-Жозефа Натуара и Жермена Боффрана (1735-1740) в резиденции принца и принцессы Субиз. Белые стены цилиндрического интерьера, позолоченное дерево и множество зеркал создавали светлый и воздушный эффект.Украшения в виде арабесков, часто намекающие на римские мотивы, амуров и гирлянды, были представлены золотой лепниной и рельефными пластинами. Асимметричные изгибы, иногда происходящие от органических форм, таких как ракушки или листья аканта, были сложными и преувеличенными. Минимальный акцент на архитектуре и максимальный акцент на декоре стал краеугольным камнем движения рококо.

Живопись была неотъемлемой частью движения рококо во Франции, и известные художники, которые руководили этим стилем, Антуан Ватто, а затем Франсуа Буше, оказали влияние на все элементы дизайна, от интерьеров до гобеленов и моды.Среди других известных художников были Жан-Батист ван Лоо, Жан-Марк Наттье и Франсуа Лемуан. Лемойн был известен своими историческими аллегорическими картинами, как видно из его Апофеоза Геракла (1733-1736), написанного на потолке Салона Геркулеса в Версале. Отмеченной особенностью французской живописи рококо была манера, в которой ряд известных семей художников, таких как Ван Лоос и Койпели, поддерживали последовательный стиль и тематику в своих мастерских.

Итальянское рококо

Живопись стала ведущей в итальянском рококо, примером которой являются работы венецианского художника Джамбаттисты Тьеполо.Сочетая акцент венецианской школы на цвете с quadratura или потолочными росписями, шедеврами Тьеполо были фрески и большие алтари. Прославленный во всей Европе, он получил множество королевских заказов, таких как его серия потолочных картин в Вюрцбургской резиденции в Германии и его Апофеоз испанской монархии (1762-1766) в Королевском дворце в Мадриде.

Итальянское рококо также было известно своими великими пейзажистами, известными как «живописцы с видом», особенно Джованни Антонио Канал, известным просто как Каналетто.Он был пионером в использовании двухточечной линейной перспективы при создании популярных сцен с каналами и зрелищем Венеции. Его работы, такие как его Venice: Santa Maria della Salute (c. 1740), пользовались большим спросом у английских аристократов. В 1700-х годах для молодых английских аристократов стало обычным совершать «Гранд-тур», посещая известные места Европы, чтобы изучить классические корни западной культуры. Поездки положили начало своего рода аристократическому туризму, и Венеция стала известной остановкой, известной своей гедонистической карнавальной атмосферой и живописными видами.Эти молодые аристократы также часто были коллекционерами произведений искусства и покровителями, и большинство работ Каналетто было продано английской публике, а в 1746 году он переехал в Англию, чтобы быть ближе к своему рынку произведений искусства, и прожил там почти десять лет.

Пастельные портреты Розальбы Каррьеры, как миниатюрные, так и полноразмерные, а также ее аллегорические работы пользовались спросом во всей Европе, так как ее приглашали в королевские дворы Франции, Австрии и Польши. Она была пионером в использовании пастели, которая раньше использовалась только для подготовительных рисунков, в качестве средства для рисования, и, связав мел в палочки, разработала более широкий диапазон мазков и подготовленных цветов.Ее портрет Людовика XV как дофина (1720-1721) установил новый стиль портретной живописи рококо, подчеркивая визуальную привлекательность и декоративный эффект.

В архитектуре Италия продолжала делать упор на барокко с его сильной связью с католической церковью до 1720-х годов, когда архитектор Филиппо Хуварра построил несколько северных итальянских дворцов в стиле рококо. Его шедевром был дворец Ступиниги (1729-1731), построенный как охотничий домик короля Сардинии в Турине.В то же время интерьеры в стиле рококо стали популярными в Генуе, Сардинии, Сицилии и Венеции, где стиль приобрел региональные вариации, особенно в дизайне мебели. Итальянские интерьеры в стиле рококо были особенно известны своими венецианскими стеклянными люстрами и зеркалами, а также богатым использованием шелка и бархата.

Немецкое рококо

Энтузиазм Германии по поводу рококо ярко выразился, прежде всего, в архитектурных шедеврах и дизайне интерьеров, а также в прикладном искусстве.Заметным элементом немецкого рококо было использование ярких пастельных тонов, таких как сиреневый, лимонный, розовый и синий, как видно в дизайне Франсуа де Кувильеса Амалиенбурга (1734-1739), охотничьего домика для императора Священной Римской империи Карла VII в Мюнхен. Его Зеркальный зал в Амалиенбурге был описан историком искусства Хью Хонором как образец «легкой элегантности и тонкой тонкости».

Немецкие мотивы дизайна с использованием асимметрии и s- и c-изогнутых форм, часто опираются на цветочные или органические мотивы и используют больше деталей.Немецкие архитекторы также новаторски исследовали различные возможности дизайна помещений, вырезая стены или создавая изогнутые стены, и сделали размещение новых зданий важным элементом этого эффекта, как это видно в Мелькском аббатстве Якоба Прандтауэра (1702-1736 гг.)

Англия использовала рококо, который назывался «французским стилем», был более сдержанным, поскольку излишества стиля встречались с мрачным протестантизмом. В результате модель rocaille , представленная эмигрантским гравером Юбером-Франсуа Гравело и серебряным мастером Полем де Ламери, использовалась только в качестве деталей и эпизодических мотивов.Примерно в 1740 году стиль рококо начал использоваться в британской мебели, особенно в дизайне Томаса Чиппендейла. Его каталог Каталог для джентльменов и краснодеревщиков (1754), иллюстрирующий дизайн в стиле рококо, стал популярным отраслевым стандартом.

Рококо оказало большее влияние на британских художников, таких как Уильям Хогарт, Томас Гейнсборо и швейцарка Анжелика Кауфман. В своей книге The Analysis of Beauty (1753) Хогарт выступал за использование змеевидной линии, считая ее более органичной и эстетически идеальной.Гейнсборо сначала учился у Грейвло, бывшего ученика Буше, чья перистая манера письма и цветовая палитра повлияли на портретную живопись Гейнсборо в сторону плавности света и цвета. Анжелика Кауфман родилась в Швейцарии, но большую часть жизни провела в Риме и Лондоне. С 1766 по 1781 год она жила в Лондоне, где влиятельный сэр Джошуа Рейнольдс особенно восхищался ее портретами. Одна из двух женщин, избранных в Королевскую академию художеств в Лондоне, она сыграла значительную роль как в продвижении стиля рококо, так и, впоследствии, неоклассицизма.

Позднее развитие — после рококо

В 1750 году мадам де Помпадур отправила своего племянника Абеля-Франсуа Пуассона де Вандиера изучать события в итальянском искусстве и археологии. Вернувшись с энтузиазмом к классическому искусству, Вандиер был назначен директором Королевских зданий, где он начал выступать за неоклассический подход. Он также стал известным искусствоведом, осудившим Буше petit style , или «маленький стиль». Известные мыслители того времени, включая философа Вольтера и искусствоведа Дидро, также критиковали рококо как поверхностное и декадентское.Эти тенденции, наряду с растущим революционным пылом во Франции, привели к тому, что к 1780 году рококо вышло из немилости.

Новое движение неоклассицизма, возглавляемое художником Жаком-Луи Давидом, подчеркивало героизм и моральную добродетель. Студенты-художники Дэвида даже спели насмешливую песнь «Ванлоо, Помпадур, рококо», выделив стиль, одного из его ведущих исполнителей и самого известного покровителя. В результате к 1836 году оно использовалось для обозначения «старомодных», а к 1841 году использовалось для обозначения работ, которые считались «безвкусными и витиеватыми».«Негативные коннотации продолжались в 20, ^-м, веке, как видно из описания в словаре 1902 года.« Следовательно, рококо, используется … для обозначения чего-либо слабо претенциозного и безвкусного в искусстве или литературе ».

Дизайн и живопись в стиле рококо будет отклоняться в сторону расходящихся путей, поскольку дизайн рококо, несмотря на новые тенденции в столице, продолжал быть популярным во французских провинциях. В 1820-х годах при восстановленной монархии короля Луи Филиппа стало популярным возрождение, названное «вторым рококо». и распространился на Британию и Баварию.В Великобритании возрождение стало известно как викторианский рококо и продолжалось примерно до 1870 года, одновременно оказывая влияние на американское возрождение рококо в Соединенных Штатах, возглавляемое Джоном Генри Белтером. Этот стиль, широко используемый для высококлассных отелей, был назван «Le gout Ritz» в 20, ^и годах. Однако в живописи рококо потерял популярность, за исключением жанровых картин Шардена, высоко оцененных Дидро, которые продолжали оказывать влияние и позже оказали заметное влияние на Поля Сезанна, Эдуарда Мане и Винсента Ван Гога.

Эдмунд и Жюль де Гонкур заново открыли для себя главного художника в стиле рококо Жана Оноре Фрагонара в L’Art du XVIIIe siècle ( Eighteen-Century Art ) (1865). Впоследствии он оказал влияние на импрессионистов, особенно на Пьера-Огюста Ренуара и Берту Моризо, и впоследствии оказал влияние на современных художников, таких как Йинка Шонибаре, Кент Монкман и Лиза Юскаваге.

Также заново открытые братьями де Гонкур, сюжеты комедии дель арте Ватто оказали влияние на Пабло Пикассо, Сезанна и Анри Матисса, а также на многих поэтов, таких как Поль Верлен и его отец Гийом Аполлинер, композитор Арнольд Шёнберг, и хореограф Джордж Баланчин.

Термин рококо и художники, связанные с ним, начали подвергаться критической переоценке только в конце 20, ^-го, века, когда движения поп-арта и работы таких художников, как Дэмиен Херст, Кехинде Вили и Джефф Кунс, создали новый контекст для искусства, выражающий те же витиеватые, стилистические и причудливые обработки. Рококо оказал влияние на современность, что видно в логотипе Ai Weiwei 2017 , где, как писал искусствовед Роджер Кэтлин: «То, что выглядит как причудливый дизайн обоев рококо в черно-белом и золотом цветах, на самом деле является комбинацией наручников и цепочек , камеры наблюдения, птицы Twitter и стилизованные альпаки — животное, которое в Китае стало мемом против цензуры.«Это движение также живет в популярной культуре, как показано в популярной песне Arcade Fire« Рококо »(2010).

Что такое скульптура рококо? Характеристики и представители

Определение скульптуры рококо

Стиль рококо, стиль, используемый в основном в дизайне интерьеров, объединяющем искусство живописи, архитектуры и скульптуры, зародился в Париже в 18 веке, но вскоре получил распространение во Франции, а затем и в других странах, в основном в Германии и Австрии. Он отличается легкостью, элегантностью и обильным использованием кривых и природных форм в орнаменте.Слово рококо происходит от французского слова rocaille, которое обозначает каменную конструкцию, похожую на навес, которая использовалась для украшения искусственных гротов.

В этом смысле скульптура рококо — это техническое определение, используемое историками искусства, которое не обязательно подразумевает глубокое отличие от барокко. Фактически, термин «рококо», поскольку он может быть применен к скульптуре, следует понимать как описывающий не стиль, отличный от барокко, а лишь вариацию стиля, воплощенную в жизнь Бернини и его современниками.Однако можно говорить о качествах стиля рококо в скульптурном произведении из-за характеристик неформальности, жизнерадостности, заботы о сердечных делах и сознательного избегания серьезности. Таким образом, в восемнадцатом веке, открывшемся во Франции в настроении реакции на крайнюю формальность двора Людовика XIV, этот новый дух, который выражен во французской академии, в которой также можно увидеть невынужденный натурализм бюстов даже если в то время скульптура могла только предполагать, что она всего лишь средство, приспособленное для выражения тонкостей человеческого поведения.

В этом отношении наиболее яркое проявление рококо в скульптуре можно найти в Германии, хотя, как правило, оно носит менее сложный характер, чем декоративное искусство салонов Парижа начала восемнадцатого века. Скульптура, созданная в немецких княжествах в восемнадцатом веке, слишком разнообразна, чтобы допускать обобщение, но большая часть лучших и наиболее характерных работ того периода демонстрирует замечательное продолжение более раннего духа высокого барокко.Так, Бальтазар Пермозер (1651-1732), дрезденский скульптор, учился в Италии во второй половине 17-го века, но его желание включить живописные качества в скульптуру, безусловно, было связано с изучением работ Бернини, и он уехал как личный Завещание — это ныне уничтоженная группа картин, посвященных скульптуре. Тем не менее элегантность его фигур, несомненно, является развитием позднего барокко, и ничто так не иллюстрирует двусмысленность термина «рококо», как художественно-исторический стиль этих немецких произведений 18-го века.

Как развивалась скульптура в стиле рококо?

Изначально стиль рококо представлял собой реакцию на кропотливый дизайн Версальского дворца Людовика XIV и официальное искусство барокко его правления. Несколько дизайнеров интерьеров, художников и граверов, в том числе Пьер Ле Потр, Ж. А. Мейсонье, Жан Берен и Николя Пино, разработали более легкий и интимный стиль оформления новых резиденций знати в Париже. В стиле рококо стены, потолки и молдинги были украшены тонким переплетением изгибов и встречных кривых на основе основных форм «C» и «S», а также ракушек и других естественных форм, поскольку асимметричный дизайн был правилом.Мягкая пастель, белый цвет слоновой кости и золото были преобладающими цветами, а декораторы в стиле рококо использовали зеркала, чтобы усилить ощущение открытого пространства. Точно так же превосходным примером французского рококо является салон Monsieur le Prince (завершен в 1722 году) в Маленьком замке в Шантийи, оформленный Жаном Обером, и салоны (начало в 1732 году) в Hôtel de Soubise в Париже, созданные Жерменом Боффраном. Точно так же стиль рококо проявился и в декоративном искусстве. Его асимметричные формы и орнамент рокай были быстро адаптированы к серебру и фарфору, к французской мебели того периода, также показавшей изогнутые формы, натуралистическую форму раковин и цветочного орнамента, а также более сложное, орнаментальное и игривое использование позолоченной бронзы и фарфора.

Из Франции стиль рококо распространился в 1730-х годах на католические немецкоязычные земли, где он адаптировался к блестящему стилю религиозной архитектуры, сочетающему французскую элегантность с южногерманской фантазией, а также сохраняющийся интерес барокко к драматическим пространственным и пластическим эффектам. . Некоторые из самых красивых зданий в стиле рококо — это все здания на окраинах Франции, такие как, например, построенные в Мюнхене, такие как изысканный и нежный Амалиенбург (1734-1739 гг.), Парк Нимфенбург и Резиденцтеатр (1750–1750 гг.) 53).Точно так же многие из этих зданий были перестроены после Второй мировой войны Франсуа де Кувильес.

В Италии стиль рококо был в основном сконцентрирован в Венеции, где он был воплощен в крупномасштабных декоративных картинах Джованни Баттиста Тьеполо. Городские пейзажи Франческо Гварди и Каналетто также испытали влияние рококо. Между тем, во Франции этот стиль уже начал приходить в упадок в 1750-х годах, когда он подвергся критике за его тривиальность и орнаментальные излишества, а к 1760-м годам новое, более суровое движение неоклассицизма начало вытеснять рококо во Франции.

Каково наследие скульптуры в стиле рококо?

Характеристики рококо включают использование сложных изгибов и завитков, орнаментов в виде ракушек и растений, поэтому все комнаты должны были быть овальной формы. Узоры были сложными и тонкими в деталях. Таким образом, сложность овальной комнаты французского отеля Soubise в Париже в 1740 году сравнивается с автократическим золотом в палате короля Франции Людовика XIV в Версальском дворце в 1701 году. Таким образом, в рококо формы были сложными и несимметричными. Точно так же цвета часто были мягкими и пастельными, но не без ярких и светлых оттенков.Применение золота было полезным.

Однако, если барокко было более трудоемким, массивным и подавляющим, то рококо тонкое, легкое и очаровательное. Тем не менее, несмотря на то, что не все были очарованы рококо, художники-скульпторы пошли на риск, чего раньше не делали другие. Точно так же художники в стиле рококо могли создавать не только большие фрески для великих дворцов, но и более мелкие и изящные, которые можно было выставлять во французских салонах. Таким образом, как и скульптура, картины характеризовались использованием мягких цветов и размытых контуров, а в скульптуре и живописи использовались обильные изогнутые линии с большим количеством орнаментов и отсутствием симметрии.Точно так же сюжет скульптур этого периода был более смелым, так что некоторые скульптурные работы даже считаются порнографическими по сегодняшним стандартам.

Скульптура рококо в России

В то время как сложная скульптура в стиле барокко встречается во Франции, Италии, Англии, Испании и Южной Америке, более мягкие стили рококо нашли свое применение в Германии, Австрии, Восточной Европе и России. Таким образом, хотя рококо в основном ограничивалось внутренней отделкой и декоративным искусством в Западной Европе, Восточная Европа была очарована стилями рококо как в помещении, так и на открытом воздухе.По сравнению с барокко скульптура в стиле рококо была более мягкой и элегантной, с преобладанием изогнутых форм и бледных цветов. Точно так же Екатерина I, императрица России с 1725 года до своей смерти в 1727 году, была одной из великих женщин-правительниц 18 века. Петербургский дворец был основан в 1717 году ее мужем Петром Великим. Таким образом, в 1756 году он был увеличен в размерах и величии специально, чтобы соперничать с Версальским дворцом во Франции. Говорят, что Екатерина Великая, императрица России, гневно не одобряла экстравагантность рококо.

Кто были основными представителями скульптуры рококо?

Вероятно, величайшим скульптором первой половины 18 века был Гийом Кусту (1677-1746), директор Французской академии с 1707 года, который продолжил барочную тенденцию своего дяди Койсевокса. Его главная работа, Les Chevaux de Marly, 1740–1745, которая сейчас стоит на Елисейских полях в Париже, была первоначально предназначена для садов Марли, еще одной резиденции Людовика XIV. Кроме того, его ученик, Эдме Бушардон (1698-1762), представляет собой интересную фигуру, чье чувство древности привело его к предвосхищению более поздней тенденции к неоклассицизму, как в его фонтане на улице Гренель.Точно так же его конная статуя Людовика XV, разрушенная во время Революции, была более серьезной, чем статуя Людовика XIV Жирардона, и была раскритикована Кочином как слишком отполированная и законченная, но, как и первая, она была основана на Марке Аврелии в Риме. и, несмотря на удаленность во времени от Жирардона, не сильно отличается по стилю.

Точно так же Бушардон также показал себя пионером в своем портрете Джона, лорда Херви, в котором туловище упрощено до преднамеренной имитации имперского римского бюста.Пожалуй, только один скульптурный проект действительно уловил нюансы любовного чувства, которые связаны с кругом мадам де Помпадур и относятся к тому периоду, когда уже были намеки на рококо. Точно так же в немецком рококо лучшими церквями являются Vierzehnheiligen (1743-72) недалеко от Лихтенфельса в Баварии, спроектированные Бальтазаром Нойманом, и Wieskirche (начало 1745-54 гг.) Недалеко от Мюнхена, построенное Доминикусом Циммерманном и украшенное его старшим братом. Иоганн Баптист Циммерманн.G.W. Фон Кнобельсдорф и Иоганн Михаэль Фишер также создали известные здания в этом стиле, в которых использовалось множество лепных украшений и украшений.

Архитектура 18 века: от рококо до неоклассицизма

Несколько недель назад я читал лекцию по архитектуре 18 века для своего офиса, видео с которой размещено выше. В этом веке я обычно ищу вдохновения. В грузинской архитектуре есть что-то волшебное, что, кажется, нравится всем, кто бы они ни были.

Исторически я рассматриваю 18 век как переход от традиционного общества к современному миру. По мере того как католицизм постепенно терял свою силу, стиль барокко также начал терять свою хватку и превратился в рококо. Подобно последним мгновениям умирающей звезды, порождающей множество разнообразных элементов вселенной, рококо было эпохой барокко во взрывоопасном, динамичном и красивом упадке. С рококо пришли новые стили, шинуазри под влиянием недавно обнаруженных украшений из Китая и готика (с буквой «k») — стиль, который восходит к средневековой архитектуре, но лишен философии, лежащей в основе этого.Архитекторы и дизайнеры всех типов любили смешивать эти три разных стиля, что особенно заметно в мебели Чиппендейла. Эта новообретенная свобода выбора любого стиля, казалось, противоречила духу времени. В это время Эпоха Просвещения была в самом разгаре, сэр Исаак Ньютон опубликовал свои «Начала» в 1687 году, и архитекторы, возможно, завидующие способности ученого иметь «принципы», которые были неотъемлемыми и неизменными, искали свои собственные принципы, которые будет иметь аналогичную мощность и вес.

Помня об этих мыслях и под влиянием философии Жан-Жака Руссо, Марк-Антуан Ложье выступал за более существенный подход к архитектуре. Он размышлял о том, как будет строить первобытный человек, не скованный диктатом культуры и общества. Он выдвинул аргумент, что все архитектурные элементы должны выполнять ту роль, для которой они были изначально разработаны, а не быть просто декоративным предметом. Например, колонны должны выдерживать вес, фронтоны должны быть фронтонами, и ни то, ни другое не должно быть причудливо применено к зданиям, потому что они выглядят «красиво».Это было началом модернизма, но эти новые радикальные идеи всегда выражались в неоклассической лексике. Архитекторам потребовалось еще двести лет, чтобы отказаться от коринфских капителей, триглифов и всех других элементов стиля.

Принятие классицизма прямо из Древнего Рима рассматривалось как способ вернуться к сути стиля, свободного от всех ошибок и несоответствий барокко и рококо. Это был новый стиль, хотя и возрождение, соответствующий новой, более просвещенной эпохе.Классицизм означает разные вещи для разных людей и часто используется для поддержки господствующей идеологии. В Англии это рассматривалось как рациональный стиль нового ганноверского монарха как реакция на католическое и барокко Стюартов. Для французов это был стиль, подходящий для новой республики, поскольку они стремились повторить древний Рим, образец всех республик. Помимо этих политических влияний, в это время Гранд-тур становился способом для молодых аристократов показать, что они люди вкуса и изысканности.

К концу века Греция открылась для этих великих туристов, что привело к моде на греческую архитектуру. Некоторые считали Грецию «настоящей» классической архитектурой, а римляне считали ее более поздним грубым представлением оригинала.

На протяжении 18 века готический стиль всегда оставался на заднем плане; изначально это был игривый и легкомысленный стиль, который постепенно развивался и становился все более устоявшимся и серьезным. В некоторой степени неоклассицизм был вытеснен готикой в ​​19 веке, но он все еще жив, хотя и по сей день.

Надеюсь, вам понравится это видео, мне было трудно объединить период, который я так люблю, в одну лекцию. Поэтому мне пришлось приукрашивать многих архитекторов и зданий, которые важны для поддержания мелодической линии. Это не сухая академическая лекция, это размышления практикующего архитектора-неоклассицизма, увлеченного XVIII веком.

Фрэнсис Терри

Рококо в живописи и скульптуре

Живопись периода рококо имеет многие из тех же качеств, что и другие формы искусства рококо, такие как интенсивное использование орнамента, изогнутые линии и использование золотой и пастельной палитры.Кроме того, формы часто асимметричны, а темы скорее игривые, даже остроумные, чем политические, как в случае с искусством барокко. Темы, связанные с мифами о любви, а также портреты и идиллические пейзажи, типичны для живописи рококо.

Антуан Ватто

Антуан Ватто считается первым великим художником в стиле рококо. Его влияние заметно в работах более поздних художников рококо, таких как Франсуа Буше и Оноре Фрагонар. Ватто известен своим мягким нанесением красок, мечтательной атмосферой и изображением классических тем, которые часто вращаются вокруг молодости и любви, примером которых является картина «Паломничество на остров Скифия».

‘Паломничество в Кифру’ Антуана Ватто

Фирменное мягкое нанесение краски Ватто, мечтательная атмосфера и изображение классических тем, которые часто вращаются вокруг молодости и любви, очевидны в его работе «Паломничество на Киферу». ‘

Франсуа Буше

Франсуа Буше стал мастером живописи в стиле рококо несколько позже Ватто. Его работа демонстрирует многие из тех же характеристик, хотя и с немного более озорным и наводящим на размышления тоном.Баучер сделал выдающуюся карьеру и стал придворным художником короля Людовика XV в 1765 году. Позже в его карьере возникли разногласия, поскольку Баучер подвергался некоторой моральной критике со стороны таких людей, как Дидро, за темы, представленные в его работах. «Блондинка одалиска» вызвала особые споры, так как якобы иллюстрировала внебрачные связи короля.

‘Блондинка Одалиска’ Франсуа Буше

«Блондинка одалиска» была весьма спорным произведением Франсуа Буше, поскольку считалось, что она изображает роман короля Людовика XV.В работе использованы серпантинные линии, умеренно пастельная палитра и темы любви, характерные для произведений искусства в стиле рококо.

Скульптура рококо

В скульптуре работы Этьена-Мориса Фальконе широко признаны лучшим представителем стиля рококо. Как правило, в скульптуре в стиле рококо используется очень тонкий фарфор вместо мрамора или другого тяжелого материала. Фальконе был директором известного фарфорового завода в Севре. Преобладающие темы в скульптуре в стиле рококо перекликаются с темами других сред, при этом отображение классических тем, херувимов, любви, игривости и природы изображается чаще всего, как это показано в скульптуре «Пигмалион и Галатея».

‘Пигмалион и Галатин’ Этьена-Мориса Фальконе

«Пигмалион и Галатей» свидетельствует о стиле рококо Этьена Морики Фальконе в его изображении беззаботной любви, включая херувима, указывающего на его предрасположенность к мифологии.

Архитектура рококо и барокко в Турции

Представляя великолепие, богатство и блеск, искусство рококо преобладало в Европе с 1700 года. Оно последовало за периодом барокко в искусстве, которое включало меньше света и больше религиозных изображений.Однако в архитектуре стили барокко и рококо тесно переплетаются. Стиль архитектуры рококо пришел в Турцию несколько иначе, чем в других европейских странах. Чтобы понять турецко-османскую интерпретацию этого стиля, давайте рассмотрим его историю и особенности.

Архитектура рококо и барокко в Турции: фонтан Дёнерташ, 1814 г., Измир, Турция. Слева схематический план фонтана, справа — недавнее фото. Twitter.

Стиль искусства рококо возник как олицетворение новой эпохи Просвещения.В предшествующем стиле барокко использовались контрасты света и текстуры, чтобы укрепить католическую идентичность. И наоборот, рококо содержало больше источников света, более мягкие цвета, а его источник был более светским. Мотивы цветов, гальки и ракушек характеризовали искусство рококо. Хотя рококо пришло после барокко в Западной Европе, его появление в Турции (тогда Османской империи) было обратным.

Архитектура рококо и барокко в Турции: Мечеть Ортакёй, 1856 г., Стамбул, Турция. Полный вид слева, детали справа.Twitter.

Возникнув во время правления французского короля Людовика XV, искусство рококо было охвачено во Франции с начала 18 века. Считается, что он был завезен в Османскую империю в первой четверти 18 века. Это знакомство произошло, когда король Людовик XV послал османскому султану Ахмету III несколько подарков (вероятно, картины и небольшие скульптуры) в стиле рококо. Очень впечатленный его величием, султан отправил посла в Париж. Посол наблюдал и узнал об этом французском стиле искусства и вернулся с несколькими картинами, представляющими рококо.

Архитектура рококо и барокко в Турции: Интерьеры дворца Йылдыз, 1880 г., Стамбул, Турция слева, дворец Долмабахче, 1843 г., Стамбул, Турция справа. Twitter.

Продолжалось взаимодействие правителей и послов Франции и Османской империи. Затем османы изучали барокко, а затем применяли его в основном в своей архитектуре. Многочисленные здания были спроектированы в архитектурном стиле, который сегодня известен как османское барокко. Таким образом, барокко пришло в Османскую империю позже, чем рококо, и эти два стиля часто переплетались.В Османской империи было обычным явлением видеть здания с тяжелым фасадом в стиле барокко и светлым пастельным интерьером с мотивами цветов и морских раковин.

Архитектура рококо и барокко в Турции: мечеть Азизие, 1874 г., Конья, Турция. Внешний вид слева, интерьер справа.

Архитектура рококо и барокко преобладала в Османской империи до второй половины 19 века. Среди известных архитекторов этого стиля были Мехмет Тахир Ага, Мустафа Ага, Нигогос Балян, Гарабет Амира Балян и Симон Калфа.

Подробнее о рококо и османском искусстве:

Если вы найдете радость и вдохновение в наших историях, ПОЖАЛУЙСТА, ПОДДЕРЖИТЕ журнал DailyArt
, сделав скромное пожертвование. Мы любим историю искусства, и
мы хотим продолжать писать об этом.

Искусство и архитектура в Австрии

Расположение Австрии на перекрестке германского, средиземноморского и восточноевропейского миров способствовало созданию богатого и разнообразного художественного наследия.

Страна известна великолепием дворцов и церквей в стиле барокко и рококо.Он также содержит богатство всемирно известной готической и современной архитектуры.

Арт.

Раннее церковное искусство — Большая часть искусства раннего средневековья была церковной. Со времен Каролингов уцелели только горстка из иллюминированных рукописей, из которых сейчас хранятся в Венской национальной библиотеке. Самая известная — это Cutbercht Evangeliar примерно 800 г., богато освещенная копия четырех Евангелий.

Романский период достиг своего пика между 1000 и 1190 годами.С этого времени примечательна Большая Библия Адмонта, созданная около 1140 года, одна из ценных сокровищ Венской национальной библиотеки. В 1181 году знаменитый ювелир Николас де Верден изготовил одну из лучших эмалевых работ в Европе для кафедры Клостернойбургского аббатства. 51 небольшое панно Вердена, выполненное из эмали и золота, изображает сцены из религиозных трактатов августинцев. После пожара 1300-х годов панели были перенесены на алтарь, известный как Верденский алтарь в Клостернойбурге, где их можно увидеть сегодня.

Эпоха готики — Эпоха готики в Австрии запомнилась больше архитектурой, чем живописью и скульптурой. На скульптуру ранней готики повлиял стиль Zachbruchiger Stil (зигзагообразный стиль), который определяется яркими угловатыми очертаниями форм на контрастном фоне. Величайшие из сохранившихся скульптур той эпохи датируются примерно 1320 годом и включают Мадонну из Клостернойбурга и Мадонну слуги , выставленную в Венском соборе Св.Стефановский собор.

К концу 1300-х годов австрийская скульптура находилась под сильным влиянием Богемии. Человеческая форма стала удлиненной, преувеличенной и идеализированной, часто с изящными, но неестественными S-образными изгибами. Дерево становилось все более популярным в качестве художественного средства и часто окрашивалось в яркие цвета. Великолепный образец готической скульптуры — Мадонна слуги в соборе Святого Стефана. Вырезанный около 1320 года, он изображает Марию на троне и держащего стоящего младенца Христа.

От эпохи Возрождения до 18 века — На протяжении большей части эпохи Возрождения Вена была слишком занята отражением вторжений, осад и эпидемий, чтобы создавать картины и скульптуры, которые процветали в других частях Европы. В результате в 17-18 веках Вена изо всех сил старалась не отставать от таких городов, как Зальцбург, Мюнхен и Инсбрук.

Большая часть произведений живописи и скульптуры в период барокко предназначалась для улучшения грандиозных церквей и впечатляющих дворцов, возникших по всей Вене.Художники были импортированы из Италии; one, Андреа Поццо (1642–1709), создал шедевр Апофеоз Геракла, , который изображен на потолке Венского дворца Лихтенштейн. Живопись в стиле барокко подчеркнула симметрию и единство, а trompe l’oeil было использовано для придания дополнительного измерения скульптурным и архитектурным мотивам здания.

Первым выдающимся художником эпохи барокко австрийского происхождения был Иоганн Роттмайр (1654-1730), любимый декоратор двух самых влиятельных архитекторов того времени, фон Хильдебрандта и Фишера фон Эрлаха.Работы Роттмайра украшают некоторые потолки дворца Шенбрунн в Вене и Петерскирхе. Бесчисленное количество других художников внесли свой вклад в стиль венского барокко. Примечательны фрески Даниэля Гран (1694-1754), которые украшали Хофбиблиотеку. У него также есть алтарь в Карлскирхе.

Вена, выросшая из грязных полей в величественную фантазию архитектуры барокко, запечатлена на холсте в пейзажах Бернардо Беллотто (1720-80), племянника и ученика известного венецианского художника Каналетто.Привезенный в Вену по просьбе Марии Терезии, Беллотто сумел окунуться в город ровным, но ясным светом, поражающим деталями и высочайшей точностью. Его картины сегодня ценятся как общественно-исторические, так и художественные документы.

Родился в Голландии, получил образование в Швеции. Мартин ван Мейтенс (1695-1770), придворный художник Марии Терезии, запечатлел роскошные балы и собрания венской аристократии. Его холсты, хотя и неуклюже скомпонованы и перегружены деталями, являются лучшим визуальным описанием балов и приемов австрийского двора.В 1730 году ван Мейтенс был назначен директором Венской Академии изящных искусств.

скульптора также внесли свой вклад в стиль барокко. Георг Рафаэль Доннер (1693-1741) наиболее известен замечательными изделиями из бронзы в натуральную величину Фонтана Провидения на Нойер Маркт. Бальтазар Пермозер (1651-1732) отвечает за конные статуи принца Евгения Савойского во дворе дворца Бельведер. Знаменитый двойной саркофаг в Капуцинеркирхе, созданный для Марии Терезии и ее мужа Фрэнсиса Стефана, является шедевром Balthasar Moll (1717-85).

Не менее влиятельным был Франц Ксавер Мессершмидт (1737-83), житель Вены, получивший образование в Германии, прославившийся своими портретными бюстами. Его наследие оставляет точные и запоминающиеся изображения Марии Терезии, ее сына Иосифа II и других светил.

Восстание «официального искусства» — В ходе восстания против «официального искусства» возникла школа художников-романтиков-реалистов , которые использовали библейские темы и австрийский фольклор. На стенах Венской государственной оперы были любовно нарисованы сцены из популярных опер.На пейзажную живопись повлияли голландские мастера 17 века.

Георг Вальдмюллер (1793-1865), самопровозглашенный враг «академического искусства» и сторонник реализма, создал одно из лучших живописных описаний венского общества бидермейеров в своей книге Wiener Zimmer (1837). Более 120 его картин выставлены в музее Верхнего Бельведера.

Еще одним реалистом был Карл Молл (1861-1945), чье изящное и вызывающее воспоминание изображение повседневных сцен ценится сегодня. Джозеф Энгельхарт (1864-1941) был известен своими сладострастными изображениями кокеток Belle Epoque, флиртующих с венскими джентльменами.

Сецессионистское движение — Молодые художники, декораторы и архитекторы из Венской Академии изящных искусств основали Сецессионистское движение (Sezessionstil) в 1897 году. Название отражает их отступление (отделение) от Künstlerhaus (Венская ассоциация художников), которая они считались напыщенными, ханжескими, искусственными, посредственными и погрязли в историзме, который предпочитал император Франц Иосиф.Их художественное заявление было похоже на движение ар-нуво в Париже и движение модерн в Мюнхене.

Штаб-квартира сецессионистов на Фридрихштрассе, на углу Опернринга, была открыта в 1898 году как выставочное пространство для художников-авангардистов. Лидером группы был Густав Климт (1862-1918), чьи работы быстро превратились в очень личную и радикально новаторскую форму декоративной живописи, основанную на извилистой изогнутой линии модерна.Его шедевры включают гигантский фриз длиной 33 метра, инкрустированный драгоценными камнями и посвященный Бетховену. Выполненный в 1902 году, он является одним из художественных центров Павильона сецессионистов. Другие ключевые работы включают Портрет Адель Блох-Бауэр (1907), абстрактное изображение видного еврейского светского человека из Вены. Его позолоченная геометрическая форма напоминает древнее византийское искусство.

Новое время — Талантливым учеником Климта был Эгон Шиле (1890-1918).Измученный, чрезмерно чувствительный и практически неизвестный в течение своей короткой жизни, он теперь считается мастером модернизма, чьи работы не уступают работам Ван Гога и Модильяни. Его работы, кажется, стирают границы между человечеством и миром природы, придавая пейзажной живописи своего рода антропоморфную человечность. Одна из его самых тревожных картин — измученная картина Семья (1917), изначально задуманная как украшение мавзолея.

Современная скульптура в Вене неотделима от мировых тенденций в искусстве ХХ века. Фриц Вотруба (1907-75) представил скульптуру в стиле неокубизма. Многие из его скульптурных теорий были воплощены в его церкви Вотруба (Церковь Пресвятой Троицы), возведенной к концу его жизни в 23-м районе Вены. Украшенное его скульптурами и представляющее его архитектурные теории в целом, здание является важной достопримечательностью и духовной достопримечательностью.

Оскар Кокошка (1886–1980) был одним из самых известных современных художников Вены.Кокошка выразил безумное психологическое замешательство, которое было в годы до и после Второй мировой войны. Его портреты таких личностей, как художник Карл Молл, пропитаны психологическим реализмом и бурными эмоциями.

Архитектура

Готика — Хотя в Вене нет остатков раннесредневековых построек, ряд готических построек опирается на более старые фундаменты. В 1300-х годах церковная архитектура была основана на Халленкирхе (холл церкви), модели, которая возникла в Германии.Эти здания отличались интерьерами, напоминающими огромные коридоры, с нефами и проходами одинаковой высоты. Самым ранним примером этого стиля был хор, добавленный в 1295 году к более старому романскому зданию, церкви аббатства Хайлигенкройц, в 15 милях к западу от Вены.

Самым известным зданием в стиле Халленкирхе было первое воплощение собора Святого Стефана. Более поздние модификации сильно изменили детали его первоначальной конструкции, и сегодня остались только фундамент, главный портал и скромные западные башни.Гораздо более впечатляющим является игольчатый центральный шпиль собора, построенный в 1433 году, который до сих пор возвышается над горизонтом Вены. Тройные нефы святого Стефана одинаковой высоты — отличительная черта австрийской готики. Другие примеры этого строительства можно увидеть в церкви миноритов и церкви святого Августина.

В конце 1400-х годов готическая архитектура отступила от высоких пропорций стиля Халленкирхе и сосредоточила внимание на более скромных зданиях с богато украшенными интерьерами.Каменщики добавляли на потолки и стены ажурные (геометрические узоры) и полнокруглую или барельефную скульптуру. Готические церкви продолжали строиться в Австрии до середины 1500-х годов.

От готики к барокко — Одним из необычных аспектов Вены является отсутствие зданий эпохи Возрождения. Турки осаждали Вену периодически с 1529 по 1680-е годы, вынуждая планировщиков использовать большую часть своих ресурсов для укрепления городских укреплений.

Хотя в самой Вене нет образцов эпохи Возрождения, итальянские влияния были очевидны более чем за столетие до того, как барокко утвердилось.В конце 16 века многие итальянские строители поселились в регионах Тироль, Каринтия и Штирия. В этих менее угрожаемых регионах Австрии итальянское влияние произвело ряд деревенских церквей и гражданских зданий в стиле ренессанс с открытыми портиками, балконами и лоджиями.

Расцвет барокко — 47-летнее правление Леопольда I (1658–1705) ознаменовало начало золотого века австрийской архитектуры барокко. Уроженец Италии Доминико Мартинелли (1650-1718) спроектировал Лихтенштейнский дворец , построенный между 1694 и 1706 годами и вдохновленный Палаццо Фарнезе эпохи Возрождения в Риме.

Австрия вскоре начала производить собственных архитекторов. Иоганн Бернхард Фишер фон Эрлах (1656-1723) тренировался вместе с Бернини и Борромини в Риме. Его стиль был сдержанным, но монументальным, богато заимствованным из великих построек античности. Фишер фон Эрлах знал, как превратить итальянское барокко юга в стиль, который подошел венцам. Его самая известная работа — Karlskirche, , построенная в 1713 году. Он также создал оригинальный дизайн для дворца Шенбрунн Марии Терезии. Он планировал что-то вроде супер-Версаля, но проект оказался слишком дорогостоящим. Только входной фасад сохранился от дизайна Фишера фон Эрлаха. Hofbibliothek (Национальная библиотека), на Josephsplatz и Hofstalungen — другие известные здания, которые он спроектировал.

Фишер фон Эрлах сменил другое великое имя в истории архитектуры: Иоганн Лукас фон Хильдебрандт (1668-1745). Дизайн фон Хильдебрандта для дворца Бельведер принца Евгения — серии взаимосвязанных кубов с наклонными мансардными крышами — является кульминацией архитектурных теорий, начатых Фишером фон Эрлахом.Другие проекты фон Хильдебрандта в Вене включают Шварценбергский дворец (ныне отель) и церковь Святого Петра.

Стиль рококо возник как более изысканный, несколько более суетливый прогресс барокко. Его отличительными чертами являются позолоченная лепнина, яркие фрески и интерьеры, усыпанные украшениями. Прекрасные примеры включают аббатство в Дюрнштейне, (1731-35) и аббатство Мельк , , оба в Нижней Австрии. Одним из самых сильных сторонников рококо была Мария Терезия, которая так широко использовала его мотивы во дворце Шенбрунн во время его реконструкции 1744 года, что школу австрийского рококо иногда называют «терезийским стилем позднего барокко».«

В ответ на излишества рококо архитекторы в конце концов обратились за вдохновением к классической Греции и Риму. Результатом стал сдержанный неоклассицизм, изменивший облик Вены и просуществовавший до 19 века. Достойная строгость Венского технического университета — хороший тому пример.

Эклектика и Венское кольцо — По мере того, как богатая буржуазия Австрии начала навязывать свои вкусы общественной архитектуре, здания XIX века становились все более солидными и монументальными.Неоклассический стиль оставался предпочтительным выбором для правительственных зданий, о чем свидетельствует Венский монетный двор Монетный двор и Дворец правительства провинции .

Самым впечатляющим достижением венской архитектуры XIX века было строительство Ringstrasse (1857-91). Средневековые стены снесли, а на Кольце разместились витрины. Это был личный замысел императора Франца Иосифа и его величайшее достижение. Архитекторы со всей Европы откликнулись на призыв императора, стремясь воспользоваться беспрецедентной возможностью спроектировать целый городской район.С 1850 года до официальной церемонии открытия в 1879 году архитектура Кольца становилась все более эклектичной: французская неоготика (Вотивкирхе), фламандская неоготика (Ратуша), греческое возрождение (парламент), французское Возрождение (Государственная опера) и тосканский ренессанс. (Музей прикладного искусства). В то время как интенсивность движения вокруг Старой Вены несколько приуменьшает очарование Кольца, кругосветное плавание по Кольцу дает панораму эклектичных, но гармоничных стилей зданий.

Сецессионистская и политическая архитектура — К концу 19 века молодые архитекторы восстали против пышности и формальности старых архитектурных стилей.В 1896 году молодой Отто Вагнер (1841-1918) опубликовал трактат под названием Moderne Architektur, , в котором высказывался за возврат к более естественным и функциональным архитектурным формам. Результатом стало создание Art Nouveau ( Jugendstil, или, как это конкретно относится к Вене, Sezessionstil ). Архитекторы Венского сецессиона воспользовались преимуществами технологических достижений и новых строительных материалов, которые стали доступны после промышленной революции.Вагнер, дизайнер венской церкви Kirche am Steinhof и городской почтовой сберегательной кассы Postsparkasse , стал одним из основателей движения.

Joseph Hoffman (1870-1955) и Adolf Loos (1870-1933) продвигали использование стекла, недавно разработанных стальных сплавов и алюминия. При этом они отказались от почти всех украшений, что для современной Вены было крайне неприятным и почти шокирующим. Лоос особенно критически относился к зданиям, украшающим Рингштрассе.Его самый противоречивый проект — здание Michaelerplatz. Иногда называемый «домом Лоос», он был построен на Михалерплац в 1908 году. Обтекаемая структура подверглась резкой критике за полное отсутствие украшений и сходство с «сеткой канализации». По слухам, император нашел это настолько оскорбительным, что приказал своим водителям вообще избегать въезда в Хофбург на Михалерплац.

На архитектурную философию в период «красной Вены» также повлияло желание социалистических реформаторов облегчить нехватку государственного жилья, острую социальную проблему в годы между мировыми войнами.Социал-демократическая партия начала возводить «дворцы для народа». Самый очевидный пример — Karl-Marx-Hof (Heiligenstadterstrasse 82-92, A-1190), который включает 1600 квартир и простирается более чем на полмили.

До наших дней — После Второй мировой войны большая часть ресурсов Вены пошла на восстановление старых исторических зданий до их довоенного величия. Новые здания были обтекаемыми и функциональными; Большая часть сегодняшней Вены отличается тем же нейтральным модернизмом, который вы, вероятно, найдете в послевоенном Берлине или Франкфурте.

Мастера постмодерна, однако, сломали стереотипы 1950-х и 1960-х годов. Среди них — иконоборческий магнат Ганс Холлейн, дизайнер серебристого дома Haas Haus (1990) с изогнутыми стенками, примыкающего к собору Святого Стефана. Сознательно авангардный дом Friedensreich Hundertwasser — это разноцветный, экологически чистый многоквартирный дом на углу Löwengasse и Kegelgasse, который, кажется, беспорядочно сложен.

В последнее время, Hermann Czech вызывает архитектурный ажиотаж, не столько за счет строительства новых зданий, сколько разработки смелых интерьеров для бутиков и бистро; примерами являются Kleines Café (Franziskanerplatz 3) и Restaurant Salzamt (Ruprechtsplatz 1).

Примечание : Эта информация была точной на момент публикации, но может быть изменена без предварительного уведомления. Перед планированием поездки обязательно подтвердите все цены и детали непосредственно у соответствующих компаний.

.