Ренессанс барокко: Ренессанс и барокко — отличие двух стилей

Ренессанс и барокко — отличие двух стилей

Ренессанс — воспеваемый и восхищающий своей красотой стиль архитектуры, дизайна интерьеров, изобразительного и декоративного искусства, процветающий до сменившей его эпохи Барокко.

Античное искусство, воплощенное в строгую, утонченную, закономерную и четко очерченную, симметричную форму, коим был Ренессанс (Возрождение), являлось наивысшим достижением человечества, без чего не состоялась бы современная цивилизация.

Ренессанс отображал в точности величие и глубинный смысл подлинного, чему нужно поклоняться и заложило основы гуманизма — уважения и свободы личности, раннее барокко же создало живописную иллюзию того, чем может быть искусство, воплощая движение в эмоциональные сложные композиции.

Время царствования ренессанса определяют с 1300 года до конца 16 века, а по мнению искусствоведа Генриха Вёльфлина — до 1630 года. Превращение ренессанса в живописное и легкое барокко началось непосредственно в Риме, после перешло на север Италии, и не поколебав венецианский ренессанс, переместилось дальше в другие страны средневековой Европы.

 Galleria Specchi

Villa Farmesina
Высокий Ренессанс отменили в новом своеобразном (Capriccioso-итал.) стиле работы Браманте, который изначально был мастером ренессанса, но начал возводить здание Ватикана с характерными чертами барочного стиля, а Микеланджело это продолжил, что можно наблюдать в его созданных работах — Собор Святого Петра, Капитолий, церковь Санта Мария дельи Анжели в Риме, а также Сан Лоренцо, капелла Медичи во Флоренции. Рафаэль и Бернини принадлежат золотому веку ренессанса, но в их произведениях проявляется новое чувство формы барокко.

Castello di San Giorgio, Mantua
Различия ренессанса от барокко в дизайне
1. Прежде всего различия в эскизах. Любой интерьер изначально определяется эскизом дизайна, и если в эскизах ренессанса четко очерчивали формы карандашом или пером, эскизы же в барокко начали рисовали углем, небрежно, со штрихами и растушевкой. Контраст превратился в пластическое пространство, в то же время живописность барокко за счет «живого впечатления» сформировало множество оттенков, выпуклостей углубленных предметов, а также игру света с тенями.

2. Ренессанс монументальный и грациозный. Именно Вазари дал название целой эпохе — Возрождение, описывая «maniera grande», что значит благородная манера, величественная. Барокко упрощает это величие, при этом укрупняет, увеличивает пропорции форм, пытаясь это преувеличение преподнести как большее достижение и богатство. Лестницы начинают проектироваться повыше, колоны — потолще, а лепнина — массивнее и безвкуснее. Такая гигантомания — признак начала потери чувства меры и тонкости восприятия, что и определило крах барокко в дальнейшем.

3. Закономерный и строгий ренессанс упорядочивает каждую вещь в интерьере, объясняя ее присутствие, сохраняет единство и соотношения всех деталей. Барокко же нарочито создает «живописный беспорядок», предметы можно добавлять неограниченно в произвольной порядке, при этом главным условием является — подчеркнуть роскошь.

4. Подлинно римскую черту — прямоугольность и остроту линий сменяет плавность и круглость пышных барочных форм. Появляются также узоры в виде круглых спиралей, круглые ленты, круглые раковины и цветы, обилие золота.

5. Особую важность в период Возрождения играло образование, ученость и красноречие, именно в это время наличие библиотеки становится неотъемлемой частью интерьера. Также и галереи античного искусства — скульптурам и картинам отводилось главные роли в интерьере, что подчеркивало важность и величие достояния искусств.

В искусстве барокко начинает прослеживаться гротеск и сарказм, мрачность композиций, на полотнах размытые и вытянутые формы, карикатуры, сводящие на нет искренность душевных порывов. В скульптурах и фресковых ансамблях барокко допускается изображать пытки инквизиции, бандитов, раненных солдат, разрушение, к примеру пейзаж Дж. Паннини «Развалины со сценой проповеди апостола Павла». Скульптура стиля барокко живая, в движении и полна эмоций, пример — «Орфей» Антонио Канова (1757- 1822).

Подытожив, можно сказать, что Ренессанс излучает спокойное и равномерное чувство благополучия и власти, свободу от переживаний и грациозную легкость.

Раннее Барокко же передает буйство эмоций, драматизм красок, пленяет своей сиюминутной страстью и, разделяя чувства с размышлениями, после оставляет наедине самим с собой. Спустя два века можно увидеть как Барокко утеряет свою манерность и полноту излишеств и сформируется как чувственный стиль позднего Барокко, впитавший в себя черты величия великого Ренессанса и динамичности раннего Барокко.

Автор статьи – главный редактор интернет-издания о дизайне «4ROOM.UA» Алёна Булат

происхождение стилей, общие черты и различия

Ренессанс и барокко являли собой культурный расцвет стран Западной Европы. Они возникли на фоне кардинальных изменений в общественных отношениях. Несмотря на то что обе эпохи воспевали прекрасное и привнесли в развитие культуры много нового, осуществлялось это разными методами и путями. Поэтому вопрос, чем стиль барокко отличается от стиля ренессанс, волновал человека всегда. Востребован он и сейчас.

Ренессанс и барокко — происхождение и общие черты

Ренессанс (с итал. «возрождение») как стиль возник в Италии в начале ХІV в. и просуществовал до конца XVI в. Он пришел на смену культуре Средних веков и предшествовал Просвещению и Новому времени.

Появляется большой интерес к античной архитектуре, что приводит к ее воссозданию. Культура в эпоху Возрождения носила мирской характер, ярко проявляла интерес к человеку. Во времена ренессанса были заложены основы гуманистического мировоззрения — уважение и свобода личности. Это отражалось в науке, литературе, живописи.

Стиль барокко возник как альтернатива классицизму и рационализму, присущим Возрождению. Несмотря на то что Италия была разграблена иностранцами и истощена внутренними распрями, она осталась центром культуры Европы. Новый стиль был призван показать богатство и роскошь знати с помощью приемов живописи, создавая тем самым иллюзию могущества.

Возникновение барокко в ренессансе начинается с постепенного отхода от античности. Преклонение перед древним искусством постепенно перешло к уважению традиций. Стиль основывался на отрицании элементов античности и готики.

В архитектуре модными стали бесформенность, излишество и изогнутое пространство. Злоупотребление декором приводило к перегруженности фасадов, что создавало впечатление тяжести и визуально давило на зрителей.

Нет единения и в описании человека. Из титана, расположенного в центре мира в эпоху Возрождения, он становится маленькой частицей мироздания. Совершенное творение переходит к порывистому и страстному, пытающемуся найти свое место в обществе. Это отражается в живописи и скульптуре. Изображение человека живое и полное эмоций. Примером является скульптура «Орфей» Антонио Кановы.

В искусстве барокко видны гротеск и сарказм, прослеживается мрачность композиций. В них изображаются пытки инквизиции, разбои бандитов, раненные солдаты и разрушения.

Ярким примером служит картина Джованни Панини «Развалины со сценой проповеди апостола Павла». На полотнах преобладают размытые и вытянутые формы, которые нивелируют искренность душевных порывов. Во всех направлениях искусства сквозит приверженность католической церкви и ее идеям.

Ренессанс и барокко — полярные стили. В них разными методами формировалось пространство, использовались различные подходы к декорации и конструкции.

Чем барокко отличается от ренессанса

Резкой границы между двумя стилями нет. Постепенное превращение ренессанса в легкое барокко началось в Риме, переместилось в северную часть Италии и далее — в средневековую Европу.

Зодчий ренессанса Браманте начал работы по возведению Собора Святого Петра с применением деталей, присущих барокко. Микеланджело продолжил эти начинания. В работах Рафаэля и Бернини, принадлежащих эре Возрождения, постепенно проявляются формы нового стиля.

Различия между эпохами видны во всем:

• в мировоззрении;
• в науке;
• в искусстве;
• в архитектуре;
• в живописи;
• в музыке.

Гуманистическое мировоззрение перерастает в аскетизм, а самопознание и саморазвитие — в идею спящего Бога, который отдыхает после сотворения мира, и ему нет дел до того, что творится на земле.

Барокко отходит от традиций и авторитетов, считая их суеверием и предрассудками. Не подлежит сомнению только то, что осязаемо, ясно мыслится и может быть выражено математически.

Продолжают развиваться астрономия и физика. Открываются новые законы (закон всемирного тяготения Исаака Ньютона). Карл Линней в 1735 г. впервые систематизирует биологические виды, оформляя труд «Система природы». Новый стиль — это век географических открытий и разума.

Барокко укрупняет детали и увеличивает пропорции, пытаясь этим показать богатство. В гигантомании начинает проявляться потеря чувства меры и утонченности восприятия.

Прямоугольность и пропорциональность ренессанса сменяют плавные и округлые формы барокко. Архитектурным объектам присущи кривизна плоскости и многократное повторение композиций. При помощи игры света создаются зрительные иллюзии, которые не дают полностью охватить сооружение и сконцентрировать взгляд на одной детали.

Все это отражается на мировоззрении человека, развитии и образовании. Возникают духовные и общественно-политические течения. Человек находится в поиске истины, он облагораживается и благодаря этому вносит новое в развитие стиля.

Стили в живописи: от ренессанса до абстракционизма

Барокко, рококо, классицизм… Это все стили в живописи. Некоторые существовали в конкретную эпоху. Тогда достаточно посмотреть на дату создания картины и понять, какой это стиль.

Но многие пересекались во времени: один стиль ещё в моде, а другой уже наступает ему на пятки. В таком случае даты не всегда помогут.

Хорошо бы знать основные черты каждого стиля. Ещё лучше – понимать, почему тот или иной стиль возник.

С чего вдруг художники переключились с прекрасного ренессанса на вычурное барокко.

Почему строгий классицизм был вытеснен зыбким импрессионизмом.

И зачем художники повально отказались от эстетики и ударились в экспрессионизм.

А потом и вовсе отошли от узнаваемых образов, увлёкшись абстракционизмом.

Разберём каждый стиль. Начнём с ренессанса.

Позади средневековье и торжество духа над телом. Плоские лица и бесформенные одежды во множестве населяли готические соборы.

Ренессанс же сместил фокус с духовного на телесное. Вернее на человека красивого и благородного.

Почему стиль ренессанс возник

В Италии в конце 15 века картины стали заказывать не церковники, а банкиры.

Они были людьми не только богатыми, но и образованными. Читали древнегреческих поэтов. А заодно ещё и видели найденные скульптуры Древнего Рима. Их в то время много раскапывали.

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уфицци, Флоренция

Желание любоваться телесной красотой и восприятие человека, как мыслящего и достойного существа – таков был настрой заказчиков. Художники эти пожелания услышали.

Время расцвета стиля

Стиль ренессанс (или эпохи возрождения, что одно и то же) расцвел в конце 15 века, начиная с работ Боттичелли. И завершился в конце 16 века, работами Тициана.

Тициан. Венера Урбинская. 1538 г. Галерея Уффици, Флоренция.

Характерные черты стиля ренессанс

На картинах эпохи возрождения весь фокус – на человеке. Поэтому в это время почти не встречаются пейзажи и совсем нет натюрмортов. Это одна или несколько фигур. Чаще в спокойной и неподвижной позе. Красивые и благородные черты лица. Уверенный взгляд на зрителя.

Рафаэль. Портрет Бальдассаре Кастильоне. 1514-1515 гг. Лувр, Париж

Если это святой, то он почти не отличается от человека. Часто под образом Мадонны или древнегреческой богини скрывались возлюбленные, супруги или дочери.

Боттичелли, например, в образе Венеры изобразил восхищавшую его реальную девушку, Симонетту Веспуччи.

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уффици, Флоренция

Лицо или руки выполнялись в технике сфумато, то есть как будто покрытые дымкой. Эту технику придумал Леонардо да Винчи. Она позволяет сделать изображение человека более живым. Его Мона Лиза выполнена как раз с эффектом сфумато.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза (фрагмент). 1503-1519 гг. Лувр, Париж

Картины Возрождения часто яркие. Эпоха полутонов и нежных оттенков ещё впереди. О колорите ещё мало заботились. По сути просто раскрашивали красивые формы.

Микеланджело. Ливийская сивилла. 1508-1512 гг. Фрагмент росписи Сикстинской Капеллы, Ватикан

Яркий пример стиля ренессанс

Самых красивых и благородных в Эпоху Возрождения писал Рафаэль. Пожалуй, он самый классический художник стиля ренессанс. Вот его “Мадонна в зелени”.

Рафаэль Санти. Мадонна в зелени. 1505-1506 гг. Музей истории искусств, Вена, Австрия

В ней есть почти все, чем славится Возрождение. И красота, и благородство, и сфумато.

Художники стиля ренессанс

Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тинторетто, Тициан.

Стиль ренессанс не исчез бесследно со смертью Тициана. Его черты вобрал каждый последующий стиль.

Художники всех мастей боготворили Рафаэля. Жесты и улыбки его героев повторены сотни раз в картинах на протяжении 300 лет. Точку в этой всеобщей любви к ренессансу поставили импрессионисты. Но о них позже.

О художниках Ренессанса читайте в моей статье “6 великих мастеров эпохи возрождения”.

Ренессанс, безусловно, прекрасен. Но статичен и аскетичен. С цветом художники Возрождения тоже не особо возились. Поэтому часто их работы похожи на раскраски (не считая Тициана, конечно).

А вот стиль Барокко все эти моменты учел. Барокко – это движение, роскошь и виртуозный колорит.

Рубенс. Вознесение Марии. 1618 г. Музей Кунстпаласт, Дюссельдорф

Почему стиль барокко возник

Вера в человека и республика, как форма правления, в Италии долго не продержались. Вернулась монархия. А монархам нужна была другая живопись.

Заказчики хотели показать себя во всей красе и с размахом украшать свои дворцы. Нужны были пышность и блеск. Художники быстро уловили, куда ветер дует. Так появился барокко.

Питер-Пауль Рубенс. Пребытие Марии Медичи в Марсель. Из цикла картин «Галерея Медичи». 394×295 см. 1622-1625 гг. Лувр, Париж

Время существования барокко

Расцвет барокко – это 17 век. Но в этом стиле создавались полотна вплоть до начала 19 века. Это стиль, который дольше всех продержался в истории искусства. Роскошь и ослепляющий блеск были в моде аж 200 лет.

Орацио Джентилески. Даная. 1621 г. Музей Гетти, г. Лос-Анджелес, США

Характерные черты барокко

Куча-мала из обнаженных тел, копьев и экзотических животных – самое что ни на есть барокко. Если смотрите и на ум приходят слова «как эмоционально и динамично», значит это барокко.

Питер-Пауль Рубенс. Охота на крокодила и гиппопотама. 1616 г. Старая Пинакотека, Мюнхен

Ещё барокко – этакая смесь живописи и театра. Неяркий свет выхватывает из тьмы драматическое действо. Сюжеты выбирались под стать: сцены пыток христианских мучеников, убийства и переломные моменты в жизни святых.

Караваджо. Обращение савла. 1600 г. Церковь Санта-Мария-дель-Пополо, Рим

Яркий пример стиля барокко

Кучу-малу из людей и животных любил Рубенс. Его «Охота на львов» – тому подтверждение.

Питер Пауль Рубенс. Охота на львов. 1621 г. Старая Пинакотека, Мюнхен.

А вот мастером театральной барочной живописи был Караваджо. Движения у него не такие зашкаливающие, как у Рубенса. Но эмоций и драмы у него хоть отбавляй. Как в картине «Положение во гроб».

Караваджо. Положение во гроб. 1602 г. Пинакотека Ватикана

Главные художники стиля барокко

Динамичное барокко (рубеновское) ищите у Симона Вуэ и Тьеполо.

Театральное барокко (так называемый караваджизм) ищите у Рембрандта, Джентилески (и у отца, и у дочери), а также Мурильо.

Еще учтите один момент. Барокко “страдает” излишествами. Но не только нарисованными. Огромное полотно 5 метров в длину и массивная позолоченная рама – идут, как правило, в придачу.

Барокко и Рококо часто путают. Но у них есть принципиальное отличие. Барокко – про помпезность. Рококо – про изящество. Барокко про сильные эмоции, даже эмоциональный надрыв. Рококо – про поверхностные чувства.

Франсуа Буше. Юпитер и Каллисто. 1744 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. Москва

Почему возник стиль рококо

Однажды заказчики устали от драмы и накала страстей. Захотелось легкой болтовни, флирта и поцелуев. Так возник стиль рококо.

Жан-Оноре Фрагонар. Украденный поцелуй. 1780-е года. Эрмитаж, Санкт-Петербург

А если серьёзно, появлению стиля способствовала мадам Помпадур, любовница французского короля Людовика XV. Она любила ангелочков, цветочный орнамент и нежные цвета.

Период расцвета рококо

Век рококо был коротким. Как говорится, отдохнули и хватит. Так что стиль просуществовал всего лет 50 (с середины 18 века до начала гражданской войны во Франции). Кровожадной гильотине были не к лицу легкомысленные образы.

Франсуа Буше. Мадам Помпадур. 1756 г. Старая пинакотека, Мюнхен

Характерные черты стиля рококо

Большинство героев – розовощёкие (но не пышные, как в барокко) девушки среди цветов и кавалеров. Все довольны и счастливы. Барочной драмы как и не бывало.

Томас Гейнсборо. Портрет дамы в голубом. 1778-1782 гг. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Художники стиля рококо пользовались тонкой кисточкой – мелкие листочки, тонкий слой краски, крохотные детали.

Антуан Ватто. Паломничество на остров Киферу. 1717 г. 129 × 194 см. Лувр, Париж

Яркий пример стиля рококо

Классическая картина в стиле рококо – это «Качели» Фрагонара. Тут и флирт, и тонконогая девица. О ней можно почитать в моей статье “Качели Фрагонара: главный шедевр эпохи рококо”.

Жан Оноре Фрагонар. Качели. 1767. Собрание Уоллеса, Лондон

Главные художники стиля рококо

Упомянутый Жан-Оноре Фрагонар, Антуан Ватто, Франсуа Буше, Томас Гейнсборо.

Все-таки оговорюсь, что рококо – это не всегда пустозвонная праздность. Те же “Качели” Фрагонара не так поверхностны, как может показаться поначалу. Предстоящую драму в отношениях можно почувствовать, взглянув на мрачные ветви деревьев. Гениальный художник может написать глубокое произведение даже в стиле рококо.

Параллельно с барокко возник классицизм. Полная ему противоположность. Вместо накала страстей – бесстрастность. Вместо переплетенных тел – выверенные пропорции и порядок. Как будто картины рисовали математики.

Никола Пуссен. Аркадские пастухи. 1650 г. Лувр, Париж

Почему стиль классицизм возник

Причину стоит искать в разнице вкусов заказчиков. Часть из них жаждали гармоничных пропорций античности. По сути классицизм – это возврат к ренессансу, но в более строгом варианте, под стать чопорным и высокомерным аристократам.

Жак-Луи Давид. Клятва Горациев. 330 × 425 см. 1784 г. Лувр, Париж

Более же экстравертные и истероидные по психотипу герцоги и князья предпочитали пышное барокко.

Так появилось два лагеря: любители классицизма и любители барокко.

Характерные черты

Классицисты выбирали сюжеты, далекие от жизни: о богах и богинях, о правителях Древнего Рима, гладиаторах и спартанцах.

Муссини. Спартанский мальчик наблюдает последствия пьянства. 1850 г. Лувр, Париж

Классицизм не только удовлетворял вкусы отдельных заказчиков, но и стал официальным искусством. У классицистов были свои академии, поэтому их называли академистами.

Они обучали учеников четким правилам живописи. Правильные пропорции, перспектива, моделировка объема светотенью, колорит в виде трехцветки.

Вильям Бугро. Данте и Вергилий в аду. 1850 г. Музей д’Орсе, Париж

Поэтому классицизм – самый распространённый стиль живописи. Пожалуй, в этом стиле создано больше всего полотен за всю историю искусства.

Период расцвета классицизма

Он был в моде в 17 веке. А затем вновь расцвел в конце 18 века. В основном за счет любви со стороны Наполеона.

Жак-Луи Давид. Наполеон на коне (фрагмент). 1798 г. Галерея Бельведер в Вене

Яркий пример классицизма

За классицизмом стоит обращаться к французскому художнику Пуссену. В его работах Вы встретите все черты этого стиля.

Никола Пуссен. Великодушие Сципиона. 1640 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. Москва

На картине “Великодушие Сципиона” все упорядочено и логично. Герои стоят в ряд. Никто ни на кого не наваливается, как у Рубенса.

Художник использует классическую трехцветку “синий-красный-желтый”. Эмоции приглушены: они здесь не так важны, как жесты и позы героев.

Главные художники

Никола Пуссен, Жак-Луи Давид, Анибале Карраччи, Вильям Бугро.

Классицизму не повезло. Если другие стили эволюционировали, то с этим рьяно боролись вольнодумные художники. Те, кто хотел творить по велению сердца, а не так, как учат в академиях.

В результате классицизм сломили импрессионисты. А окончательно затоптали экспрессионисты.

Есть кое-что, что объединяет все стили, существующие до импрессионизма. Это гладкая живопись. Скрытие мазков, натуралистичность и внимательность к деталям были важны почти всегда, начиная с 14 века.

Но импрессионизм смело пошатнул все эти традиции.

Клод Моне. Впечатление. Восход солнца. 13 ноября 1872 г. 7 часов 35 мин утра. Музей Морматтен-Моне, Париж.

Почему стиль импрессионизм возник

В 19 веке изобрели фотографию. Изображать реальность с помощью кисти и красок стало ни к чему. Аристократ мог пойти в фотоателье и сделать свой реалистичный портрет. Причём очень быстро.

Художники поняли, что реальность больше в их услугах не нуждается. Передавать этот мир в деталях уже нет смысла. Они сосредоточились на собственном впечатлении от увиденного – на живых людях, солнечных зайчиках и шелесте травы.

Клод Моне. Стог сена на закате возле Живерни. 1891 г. Музей изящных искусств, Бостон, США.

Характерные черты

Импрессионизму свойственна жизненность: они писали своих современников в кафе или на прогулках. В отличие от классицистов, которые изображали древне-римских героев или богов с богинями.

Константин Коровин. Парижское кафе. 1890 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Также импрессионисты выработали свою технику. Вместо гладкой живописи – видимые, быстрые мазки. С помощью них они создавали иллюзию вибрации воздуха и солнечных бликов.

Пьер-Огюст Ренуар. Портрет актрисы Жанны Самари. 1877 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва

Время расцвета импрессионизма

Активно в стиле импрессионизм работали во второй половине 19 века. Совсем недолго. Как и рококо, этот стиль просуществовал тоже не более 50 лет. 

Но его расцвет закончился совсем по другой причине, чем у рококо. 

Эдгар Дега. Голубые танцовщицы. 1897 г. Галерея искусств Америки и Европы 19-20 вв. ГМИИ им. А.Пушкина, Москва.

Импрессионисты изменили способ мышления творческих людей. Они показали, что можно писать не только видимую реальность. Но нечто другое. В их случае – быстротечные эффекты солнца, тумана и сумерек. 

Другие художники пошли дальше. И начали писать свой внутренний мир (экспрессионизм), придуманную реальность (абстракционизм), или почти ничего (минимализм).

Яркий пример импрессионизма

Импрессионизм зародился во Франции. Так что самые яркие импрессионисты – французы. Классическая импрессионистическая работа – “Качели” Ренуара.

Огюст Ренуар. Качели. 1873 г. Музей Орсе, Париж

Здесь обычные горожане 19 века отдыхают в парке. Никаких исторических сюжетов, как у классицистов. При этом все изображено с помощью крупных разноцветных мазков. Даже тени цветные.

Главные художники

Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Константин Коровин.

Почитайте мою статью «7 великих художников-импрессионистов»

Для особо влюблённых в импрессионизм я разработала онлайн-курс «Импрессионизм: формула и главные герои».

Однажды художники отказались рисовать реальность. И переключились на свой внутренний мир. Они решили с помощью форм и цвета показывать свои эмоции и тем самым вызывать эмоции у нас. Так родился экспрессионизм.

Почему экспрессионизм возник

Экспрессионизм был следующим и логичным шагом после импрессионизма.

Импрессионисты все-таки были реалистами, изображающими окружающий мир, в первую очередь свето-воздушные эффекты. Свои эмоции и своё отношение к происходящему импрессионисты оставляли за кадром.

Но некоторым художникам реализм изрядно надоел.

Первым свой внутренний мир в свою живопись впустил Ван Гог. Он начал деформировать цвета и формы, исходя из собственного отношения к объекту.

Ван Гог. Портрет доктора Гаше. 1890 г. Частная коллекция

Лицо доктора Гаше зеленоватое и неправильной формы. Явно в реальности оно таким не было.

Мастером выразить свои эмоции на холсте был и современник Ван Гога, Эдвард Мунк. Он смело выражал свои эмоции на картине, ещё больше деформируя формы.

Эдвард Мунк. Вечер на улице Карла Иоанна. 1892 г. Коллекция Расмуса Мейера, Берген

У Мунка лица и вовсе похожи на черепа, обтянутые кожей. Это ещё дальше от реальности, чем даже у Ван Гога.

Время расцвета стиля

Экспрессионизм расцвёл в начале 20 века, как отклик на ужасы Первой Мировой войны. 

Слишком сильные эмоции испытывали художники. Эстетика прошлых лет стала для них неприемлема. Мир трещал по швам, и боль и разочарование выплескивались на холст.

Оскар Кокошка. Автопортрет. 1917 г. Музей фон дер Хейдт, Вупперталь. Maximonline.ru

Основные черты экспрессионизма

Так как эмоции выражались сильные и чаще негативные, то главная черта экспрессионизма – это дисгармония и уродство.

Эгон Шиле, например, намеренно подчеркивал все самое некрасивое в человеке.

Эгон Шиле. Танцор. 1913 г. Музей Леопольда, Вена

А в дисгармонии особенно преуспел Хаим Сутин. Его деформированные пейзажи как будто отображены в кривых зеркалах.

Хаим Сутин. Красная лестница в Кане. 1923 г. Музей искусства авангарда (МАГМА), Москва

Ещё экспрессионизм узнаваем по ярким цветам в виде больших пятен и полос, а также плоскому изображению. Моделирование объема и правда отвлекает от цвета, а главное – от эмоций. Как на “Автопортрете с моделью” Кирхнера.

Эрнст Людвиг Кирхнер. Автопортрет с моделью. 1926 г. Гамбургский кунстхалле. Artchive.ru.

Яркий пример стиля экспрессионизм

Икона экспрессионизма – это «Крик» Эдварда Мунка.  

Эдвард Мунк. Крик. 1893 г. Национальная галерея Норвегии в г. Осло.

Конечно, она создана ещё до ужасов первой мировой. Но сам Мунк был настолько экспрессивным человеком, что в его шедевре и без того страха и отчаяния хоть отбавляй.

Главные художники экспрессионизма

Много экспрессионистов было в Германии и Австрии. Кокошка и Шиле – это австрийцы. Из немецких можно назвать Нольде и Кирхнера.

Эмиль Нольде. Маски. 1911 г. Художественный музей Нельсона-Аткинса, США. Russiaartnews.ru.

И повторюсь, что яркими экспрессионистами также был норвежец Эдвард Мунк и живший в Париже выходец из Белоруссии Хаим Сутин.

Работы экспрессионистов кажутся отталкивающими. Но, парадокс, в этом скрыта и их притягательная сила.

Ведь интересно же заглянуть в душу другого человека. И увидеть там страх, надрыв, надлом, болезненную страсть. Что мы и делаем, когда смотрим на картины экспрессионистов.

Продолжение — в статье «Экспрессионизм. Стиль живописи, его истоки и изобретатели».  

Абстракционизм часто не любят и обесценивают по типу «Это и я так могу намалевать». 

Но именно этот стиль очень сильно повлиял на наш мир. Поэтому его так важно понять. А полюбить – это уже по желанию :).

Почему возник абстракционизм

Однажды Кандинский увидел в своей мастерской незнакомую картину. Это было что-то несуществующее, но очень гармоничное. Через 10 секунд художник понял, в чем дело. 

Это был его пейзаж, который он сам же прислонил боком к стене. 

Василий Кандинский. Композиция 4. 1911 г. Художественное собрание земли Северный Рейн, Дюссельдорф

Так великого художника осенило, что узнаваемые образы мешают воздействовать на зрителя. Ведь можно просто правильно подобрать цвета и линии, чтобы вызвать ощущение гармонии. Так же, как набор звуков соединяется в мелодию и вызывает приятные переживания у слушателя.

Время расцвета стиля

Для многих художников открытие Кандинского стало откровением. Оказывается, не обязательно ЧТО-ТО изображать. И не обязательно выискивать нужный сюжет или образ, а можно просто экспериментировать с цветом и формой!

При этом у художника все равно оставалась цель. Либо достичь с помощью конкретных сочетаний цветов и форм ощущения гармонии. Либо чтобы вызвать конкретную эмоцию. Но чаще и то, и другое.

Жоан Миро. Улыбка пылающих крыльев. 1953 г. Фонд Жоана Миро, Барселона. Pinterest.com.

Так что абстракционизм расцвёл сразу же после открытия Кандинского в 1910 году и было ведущим стилем в течение всего 20 века. Его расцвет пришелся на середину XX века в том числе благодаря знаменитым абстракциям Поллока.

Джексон Поллок. Осенний ритм (номер 30). 1950 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке, США. Artchive.ru.

Главные черты абстракционизма

Абстракционизм легко узнать. Если Вы не можете на картине узнать образ, значит это абстракция. Недаром его называют ещё беспредметным искусством.

А вот уже сама абстракция может быть самой разной. Но можно выделить два основных ее вида. Лирическую, состощую из текучих форм. Как у Кандинского и Моро.

А второй вид – это геометрическая абстракция. Началась она с квадратов и кругов Казимира Малевича. А продолжилось разноцветными решетками Пита Мондриана. 

Пит Мондриан. Композиция с большой красной плоскостью. 1921 г. Муниципальный музей в Гааге. Wikiart.org.

В США возникла ещё одна разновидность – абстрактный экспрессионизм. Как Вы уже поняли, цель у него была вызвать эмоции у зрителя. Гениально это получалось у Марка Ротко.

Марк Ротко. Желтый и оранжевый. 1968 г. Собрание Филлипса, Вашингтон. Artchive.ru.

Яркий пример абстракционизма

В России абстракционизм четко ассоциируется с Малевичем и его  «Чёрным квадратом». 

Казимир Малевич. Чёрный супрематический квадрат. 1915 г. 79,5 х 79,5 см. Государственная Третьяковская галерея, г. Москва.

О смысле и тайне картины читайте в моей статье «Черный квадрат» Малевича. Почему это шедевр».

Главные художники абстракционизма

Кандинский и Малевич были первыми абстракционистами.

А подхватили их идеи такие гениальные художники, как Пит Мондриан, Марк Ротко, Жоан Миро, Джексон Поллок и Пауль Клее.

Пауль Клее. Статично-динамичная градация, 1923 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке. Abstractcritical.com

Многие плохо относятся к абстракционизму. Тогда как его влияние на нашу жизнь огромно.

Когда художники освободились от необходимости творить только известные образы, они стали много экспериментировать с формой. Все это переходило в скульптуру и архитектуру. А потом – в мебель и одежду.

И мы не успели оглянуться, как абстракционизм поделил наш мир на «до и после». До него – это виньетки и ажурная мебель. После него – строгий шрифт и лаконичные формы наших шкафов.

Об этом стиле читайте подробнее в статье «Василий Кандинский: как зарождался абстракционизм».

Проверьте себя

Я предлагаю Вам проверить, как Вы усвоили основные стили.

Какая из этих картин написана в стиле рококо?

Какая из этих картин написана в стиле ренессанс?

Какая из этих работ написана в стиле экспрессионизма?

Если Вы ответили на все три вопроса – «слева», значит Вы хорошо разбираетесь в стилях живописи.

В первом вопросе слева – картина Фрагонара “Щеколда”. Справа – картина Рубенса “Охота на волка и лиса” (барокко).

Во втором вопросе слева – картина Рафаэля “Форнарина”. Справа – “Обнаженная в солнечном свете” Ренуара (импрессионизм).

В третьем вопросе: две картины Кандинского. Работа слева написана в 1909 году (Импровизация 3) и на ней мы различаем образы: всадника, здания. Это экспрессионизм.

На работе справа 1913 года («Композиция» из Эрмитажа) образы НЕ различимы. Это уже абстракционизм.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Автор: Оксана Копенкина

Перейти на главную страницу

PS. Проверьте свои знания, пройдя онлайн-курс «Насколько Вы разбираетесь в живописи»

Facebook

Twitter

Вконтакте

Одноклассники

Pinterest

Похожее

Ренессанс, барокко и рококо во Франции и Испании | Архитектура

Церковь с высокой заалтарной преградой и яркими росписями сводов высится в центре дворца Эскориал среди мрачного царства серого гранита. Дворец Филиппа II, короля, которому принадлежала идея создания дворцового комплекса, находится за церковью; в спальне монарха были потайные окна, через которые был виден интерьер церкви.

Во Францию, Центральную Европу и Испанию ренессансный стиль пришел из Италии. Во время Итальянских войн французы получили возможность познакомиться с итальянским искусством. Приматиччо, Сангалло, Серлио, Леонардо да Винчи и Бернини работали во Франции и способствовали распространению итальянского стиля. Так же, как и в Италии на смену Раннему Возрождению пришло Высокое Возрождение. Во Франции сформировался собственный ренессансный стиль. Использование термина «барокко» применительно к Франции может показаться спорным, поскольку французский стиль отличается большим консерватизмом и сдержанностью, чем стиль Италии и южной Германии. Во Франции барокко переплетается с рококо.

В Испании, которая в области искусства находилась под влиянием Италии и Франции, та же картина. Испанские архитекторы ездили в Италию, некоторые даже работали там. Ренессансные принципы сочетаются с национальными традициями. Любовь испанцев к пышному убранству способствовала появлению и распространению стиля барокко в Испании. В XVIII в. из Франции пришел стиль рококо, но ему присущ местный колорит. Благодаря открытию Америки испанский вариант барокко и рококо попал в Новый Свет.

Во Франции идеи Ренессанса встретили как сопротивление, так и одобрение. В конце XIII в. готическая архитектура во Франции достигла невиданного в других частях Европы совершенства. В это же время укрепление власти короля, рост городов, развитие торговли и уменьшение потребности в укрепленных поселениях и замках (толстые стены стали не нужны с появлением огнестрельного оружия) постепенно привели к отказу от средневековых традиций.

Власть церкви была ограничена королем, поэтому церковное строительство становится не таким важным, как гражданское. Во Франции было уже достаточное количество церквей и монастырей, в то время как король должен был продемонстрировать свою власть — в прежние времена символом власти был замок. Дворец, загородная резиденция приобрели очень важное значение.

Французские короли предпринимали попытки с помощью военной силы усилить свое господство. В 1494-1495 гг. Карл VIII (1483-1498) начал военную кампанию против Неаполитанского королевства. В ходе войны король и его сторонники имели возможность познакомиться с искусством и архитектурой Италии. Двадцать два итальянских мастера были отправлены во Францию, где им поручили работу над королевскими дворцами, в том числе над королевской резиденцией в Амбуазе. Людовик XII (1498-1515), унаследовавший трон после Карла, продолжил итальянскую кампанию, захватив Милан и Неаполь. К замку Блуа было пристроено еще одно крыло, получившее название крыла Людовика XII; это средневековое по характеру сооружение, но наличие ордера говорит о том, что возводившие его мастера были знакомы с итальянской архитектурой.

Ренессанс, барокко и рококо во Франции и Испании

В главном здании устроена двухмаршевая винтовая лестница. Она ведет на крышу. Пилястры увенчаны капителями ионического ордера, сводчатый потолок кессонированный. Считается, что лестница сооружена по проекту Леонардо да Винчи.

На плане видно, что замок квадра тный в плане с круглыми башнями, расположенными по углам. Комнаты в углах, в центре-лестница с двумя маршами. Симметричная планировка свидетельствует о том, что зодчие Раннего Возрождения были знакомы с паравилами классической архитектуры.

эволюция интерьеров за последние 600 лет на примере одной гостиной (фото)

Кому не нравится иметь красивую и уютную гостиную? Это среда, в которой мы проводим большую часть времени дома, общаясь с семьей и отдыхая после напряженного дня на работе или в школе. Искусство дизайна интерьера возникло в древнем Египте и развивается до сих пор. Узнайте, как развивалась история дизайна интерьера за последние 600 с лишним лет.

Ренессанс (1400–1600)

Искусство и культура возродились, когда французский ренессанс распространился по всей Европе. Арабские и азиатские влияния оживили декоративное искусство, а тщательное внимание к симметрии и геометрии принесло новое чувство гармонии в европейские интерьеры.

На фото интерьер гостиной эпохи Возрождения в форме небольшого палаццо (дворца), которое было распространено в то время. Его колонны и балконы повторяют форму здания. Турецкий ковер повторяет рисунок Ганса Гольбейна Младшего, немецкого художника, жившего в Лондоне эпохи Ренессанса. Подобные ковры были впервые сотканы в западной Турции в 14 веке и стали очень популярными в Европе эпохи Возрождения.

Барокко (1590–1725)

Католическая церковь была первой, кто начал развивать эстетику роскоши как попытку поразить необразованные массы своим богатством и властью.

Под позолоченной отделкой находился каркас мебели, который часто изготавливался из тропических деревьев. Были популярны и другие экзотические материалы, такие как слоновая кость, а поверхности, такие как полы и столешницы, обычно делались из мрамора.

Рококо (1700)

Стиль рококо (от французского слова rocaille, означающего орнамент из ракушек) был известен всего три десятилетия во времена правления Людовика XV. Он легче, причудливее и свободнее барокко. Для некоторых он лучше подходит для семейного дома, чем церковный стиль, который был до него.

Цветочные мотивы в этом стиле типичны для домашнего декора. Рококо позволил домовладельцам продемонстрировать свои богатство и вкус.

Неоклассический (1780–1880)

Поздняя эллинская эпоха открыла новую эру архитектуры, которая отразилась на периодах барокко и рококо. Повторное открытие Помпеи способствовало новому пониманию римской и греческой архитектуры. Это вдохновило движение к более утонченным принципам дизайна, свободным от помпезности и новизны тенденции барокко.

Прикладное искусство (1860–1910)

Это был не столько стиль, сколько подход, возвращающий ответственность за дизайн и ремесло в руки квалифицированных рабочих. Тем не менее интерьеры в стиле «Искусство и ремесло» разделяли эстетику простоты, качества материала и связи с природой. Акцент на дереве, латуни и прикосновениях ремесленника придает интерьерам прикладного искусства темную и текстурированную палитру.

Модерн (1890–1920)

Модерн был новым искусством для нового века. Дизайнеры интерьера соединили ремесло с новыми промышленными методами. Мебель и фурнитура были экстравагантными и современными, демонстрируя влияние японского искусства, которое европейские художники впервые увидели ближе к концу 19-го века.

Арт Деко (1920–1960)

Дизайнеры интерьера были вдохновлены геометрией и движением эпохи машин, материалов и символов древних культур, а также возрождением в природе. И они не боялись использовать их всех вместе.

Они создавали ощущение богатства, используя широкий спектр материалов, в том числе лакированное дерево, витражи, нержавеющую сталь, алюминий, ювелирные изделия и кожу. Смелые цвета и яркие контрасты вызывали в себе силу и уверенность.

Модернизм (1880–1940)

В искусстве и ремесле модернизм – это не стиль, а философия. «Дом – это машина для жизни», – сказал швейцарский архитектор и дизайнер Ле Корбюзье, пионер модернизма. В модернистской гостиной использованы новейшие материалы и технологии. Этот стиль был разработан, чтобы быть удобным, функциональным и доступным. Красота была бонусом, хотя элегантные дизайнерские решения ценились высоко.

Баухауз (1919–1934)

Баухауз был очень влиятельной немецкой школой искусства и архитектуры. Он просуществовал всего 14 лет, пока нацистское правительство не закрыло его в 1933 году. Дизайн Баухауза был радикальной частью модернизма. Интерьеры были верны своим материалам, а это значит, что они не скрывали основную структуру предмета мебели, чтобы сделать его красивым.

Модерн середины века (1930 – сегодня)

Современное движение середины века возникло как более мягкий, пригородный подход к модернизму, объединяющий природные элементы. Дизайнеры интерьера представили деревенские элементы и более свободное использование цвета, вдохновленное скандинавскими и бразильскими тенденциями в мебели. Такие материалы, как ротанг, бамбук и плетеные изделия, кажутся как естественными, так и современными, когда их приносят в гостиную в форме стульев, зеркал и отделки.

Яркое освещение остается простым способом добавить уюта в семейную гостиную. Абажур и торшер на фотографии заимствуют формальные элементы модернизма и баухауза, но имеют игривый вид многоцелевых наружных инструментов. Яркое кресло является примером современной техники середины века – сочетания приглушенных нейтральных оттенков с насыщенным фирменным цветом.

Постмодерн (1978 – сегодня)

В гостиной постмодерна каждая вещь – говорящая, потому что у каждой из них есть смысловая нагрузка. Прежде всего, постмодернизм включает в себя индивидуализм и эксперименты, которые воплощаются в жизнь посредством забавных сочетаний фактуры, цвета, линий и материалов. Сегодня постмодернистский дизайн переживает ренессанс с возвратом к предметам ручной работы, смелым узорам и нестандартным подходам к декору.

Современный (1980 – сегодня)

Беспорядочный век требует уединенной гостиной. Сегодняшний современный стиль заимствует чистые линии модернизма и воздушную атмосферу современного дома середины века. Дизайнеры интерьеров в конце 2010-х годов любят поклоняться Баухаузу. Однако современные передовые строительные материалы и текстиль могут удачно сочетаться с многоцелевыми промышленными элементами прошлых эпох.

На главной фотографии гладкий голый пол и не загроможденные стены современной гостиной создают типичное ощущение пространства и света. Используются четкие линии, чтобы привлечь внимание, например, к центральному освещению, которое необычайно простое, но хорошо расширяет и увеличивает комнату.

Готика, барокко, модерн: где смотреть лучшие образцы архитектуры в мире :: Дизайн :: РБК Недвижимость

Изучать архитектуру интересно не только по книгам, но и на практике. Романские соборы в Германии, барочные дворцы во Франции, модернистские дома в Израиле. Рассказываем, куда ехать для усвоения теории

Фото: Antonia Felipe/Unsplash

Защитить архитектурные памятники от времени, климатических обстоятельств, а иногда и человеческой халатности не всегда удается. Простоявший несколько веков Нотр-Дам-де-Пари сгорел от невнимательности рабочих. Так что увидеть историческую архитектуру вживую иногда дорогого стоит.

Романский стиль

Архитектурный стиль XI–XIII веков, который в XIX столетии стали именовать романским, был распространен в Западной Европе. До этого всю средневековую архитектуру называли готикой. Сохранившиеся образцы романского стиля — замки, соборы и монастыри — можно узнать по толстым стенам с узкими стрельчатыми окнами, башням с шатровыми крышами и массивности облика. Средневековье — период постоянных междоусобных войн, поэтому толщина стен была не модой, а защитой от нападения. Романский стиль снова вошел в моду в XIX веке: в Канаде и США много зданий, которые построены по образу средневековых.

Фото: Priscilla Fraire/Unsplash

Где смотреть: Даремский собор (Дарем, Великобритания), кафедральный собор Лиссабона (Лиссабон, Португалия), имперский собор в Вормсе (Вормс, Германия), замок Данноттар (восточное побережье Шотландии), Нотр-Дам-ля-Гранд (Пуатье, Франция).

В противовес романским готические соборы вытягиваются вверх за счет шпилевидных башен и арок, их стены тоньше, а фасады украшены тысячами скульптур, статуй и лепниной. Главной особенностью периода были витражи. Один из самых впечатляющих примеров витражного искусства можно увидеть в парижской Святой капелле. Каменные храмы центральной Европы выглядят аскетично и, кажется, были такими с момента постройки. Но на примере Амьенского собора во Франции выяснилось, что это не так. В 1993 году фасад здания очистили лазером и увидели, что много веков назад он был раскрашен в яркие цвета. Теперь по праздникам собор подсвечивается теми же цветами.

Фото: Colin Viessmann/Unsplash

Где смотреть: Кельнский собор (Кельн, Германия), Реймский собор (Франция), собор Святого Стефана (Австрия), собор Антверпенской Богоматери (Бельгия), собор Святого Вита (Чехия), Вестминстерское аббатство (Англия).

Период Ренессанса — это возвращение к канонам античной архитектуры Греции и Рима. Формы и линии зданий упрощаются, а у проектов появляются авторы, которые документируют все этапы работы на бумаге. Именно поэтому имена великих архитекторов Ренессанса общеизвестны. Один из основателей стиля — Филиппо Брунеллески — работал во Флоренции. В этом итальянском городе можно увидеть главные постройки эпохи: базилика Сан-Лоренцо, Санта-Мария-дель-Фьоре, галерея Уффици. Одним из главных примеров позднего Ренессанса, когда стиль начал терять строгость формы, но все еще доминировал в архитектуре, стал собор Святого Петра в Риме.

Фото: Jonathan Korner/Unsplash

Где смотреть: собор Санта-Мария-дель-Фьоре, палаццо Питти, палаццо Медичи-Риккарди (Флоренция, Италия), палаццо делла Канчеллерия (Рим, Италия), палаццо Каносса (Верона, Италия).

Барокко в архитектуре ввело в моду излишества. Одним из самых известных архитекторов этого стиля считается Лоренцо Бернини, автор колоннады на площади перед собором св. Петра в Риме. Знаменитая «Скала реджа», которая ведет в главный зал Апостольского дворца в Ватикане, — пример барочного стиля в интерьере. Правда, обычные туристы могут увидеть ее лишь на фото, вход туда открыт только для высокопоставленных гостей. В период барокко европейские монархи отстраивали дворцовые комплексы с прилегающими парками, которые демонстрировали их богатство и власть. Сицилия обзавелась собственным стилем благодаря извержению вулкана Этна, которое вызвало там землетрясение в 1693 году. Многие церкви и дворцы пришлось восстанавливать заново, и местные архитекторы привнесли в классическое барокко местный колорит. Так появилось сицилийское барокко.

Фото: Serguei Fomine/Global Look Press

Где смотреть: Зимний дворец, Строгановский дворец (Санкт-Петербург, Россия), Версаль (Париж, Франция), церковь Святого Иоанна Непомука (Мюнхен, Германия), Королевский дворец (Мадрид, Испания).

Архитектура классицизма в очередной раз обозначила возвращение к образцам античной архитектуры, где главным принципом была геометричность форм и пропорция. Узнать этот стиль можно по портикам с колоннадой, которые использовались практически при любом проектировании дома. В Великобритании стиль сформировался более четко. Изучив наследие итальянского архитектора Андреа Палладио, британские архитекторы выводят неоклассический стиль, который стал распространяться в Старом и Новом свете. Например, восточный фасад Лувра, выполненный по проекту Клода Перро (брата известного писателя Шарля Перро), чистый образец стиля во Франции.

Фото: Sergey Kovalev/Global Look Press

Где смотреть: Пантеон (Париж, Франция), Большой театр (Варшава, Польша), дом Пашкова, Большой театр (Москва, Россия), Борисоглебский монастырь (Торжок, Россия).

Стиль конца XIX — начала XX веков в разных странах называли по разному: ар-нуво — во Франции, Бельгии, Голландии, Англии и США, югендштиль — в Германии, либерти — в Италии, модерн — в России. Он развился в самостоятельный архитектурный стиль из декоративного искусства. Дома этого периода богато украшены орнаментами, мозаикой, витражами с растительными мотивами как снаружи, так и внутри. Богатые русские купцы и промышленники были главными заказчиками жилых домов в эпоху модерна, а архитекторы пытались превзойти друг друга вычурностью фасадов и внутренних интерьеров. Правда, современники не всегда понимали эту причудливую красоту и считали некоторые особняки уродством.

Фото: Konstantin Kokoshkin/Global Look Press

Где смотреть: особняк Рябушинского, особняк Морозова, особняк Носова (Москва, Россия), дом Бальо (Барселона, Испания), дом Сецессиона (Вена, Австрия), Национальный театр (Хельсинки, Финляндия).

Модернизм объединяет несколько направлений в архитектуре, которые назывались по-разному, но преследовали общую задачу — подчинить архитектуру функциональности. Так, в Германии зародился баухаус, а в России — конструктивизм. Движение баухаус началось в Веймаре, где работали теоретики новой архитектуры. В середине 1930-х годов баухаус активно развивался в Палестине, куда эмигрировали из Германии архитекторы-евреи, поэтому в Тель-Авиве сохранились целые улицы в стиле баухаус. В 2019 году исполняется 100 лет со дня основания направления, для которого в Дессау построили музей. Архитектура СССР развилась в другое направление и служила инструментом поли­тической пропаганды. Один из памятников той эпохи — дом Наркомфина в Москве — в ближайшие годы получит вторую жизнь. В 2017 году внук архитектора и автора проекта Моисея Гинзбурга начал реставрационные работы по восстановлению здания.

Фото: Joel Filipe/Unsplash

Где смотреть: Дом Мельникова, дом Наркомфина, ДК Зуева (Москва, Россия), комплекс Баухауса в Дессау (Германия), Баухаус-архив (Берлин, Германия), музей Баухаус (Тель-Авив, Израиль).

Эволюция форм в архитектуре барокко. Овальная планировка -1. Поздний ренессанс и раннее барокко: tito0107 — LiveJournal

На мой взгляд, одно из принципиальных отличий ренессанса и барокко заключается в том, что первый стиль предпочитает круг, а второй – овал, или эллипс, как частный случай. Это различие очень существенно, почти так же, как существенно различие между полуциркульными арками романского стиля и стрельчатыми арками готики.
Замечу, что идея эллипсов на рубеже ренессанса и барокко распростарнятется не только в архитектуре и изобразительном искусстве вообще. Кеплер открывает, что орбиты планет имеют эллиптическую форму. Тут бы можно было порассуждать о крахе ренессансной гармонии и о смене круга эллипсом, как символическом выражении оного краха, но я пердпочитаю говорить о вещах более конкретных. 
Раз уж разговор зашел об арках, то нельзя не упомянуть в этой связи эллиптические и овальные арки мостов.
Вот проект моста с овальными арками Дж. Виньолы (ок. 1547 г.):

Однако, проект так и не был осуществлен.
Первым примером моста с эллиптическими арками является мост Св. Троицы  во Флоренции, построенный Бартоломео Аманати в 1569 г.:

Рис. из Британской Энциклопедии, 1911 г.

Овальную форму имеет и арка моста Вздохов в Венеции (ок. 1600 г.) – сооружения уже типично барочного:

Использование овалов и эллипсов в планировке церквей связано в первую очередь с именем Джакомо Бароцци да Виньолы(1507-1573). В середине 16 века он строит ц. Сант Андреа на Фламиниевой дороге в Риме. (Закончена в 1554 г.)

Церковь имела прямоугольную форму, и Виньола решил увенчать ее не круглым куполом, а овальным.

Снаружи, особенно со стороны фасада, облик церкви еще типично ренессансный, но именно она стала предтечей многих барочных храмов и не только храмов.

Другая церковь Виньолы – Санта Анна делла Палафреньери в Ватикане.

Вид церкви изнутри.

План.
Здесь идея овальных форм распространяется не только на купол, но и на планировку в целом, причем овал здесь уже очень близок к эллипсу. Церковь начала строиться в 1572 г. и была завершена только почти полвека спустя сыном Виньолы Джачинто Бароцци.

Вид церкви Санта Анна на плане 1615 г. Видно, что купол еще не начал строиться
Примечательно, что архитектор, которого зачастую противопоставляют Виньоле, Андреа Палладио (1508-1580), также использовал эллиптическую планировку, только не в церкви, а в театре Олимпико в Виченце. 

Театр Олимпико. План.
Там зрительные места расположены в форме полуэллипса, а не полукруга, как в античных театрах.
Овалы используются не только в планировке зданий, но и в планировке садов. Например, Бартоломео Аманати планирует овальные боскеты в садах Боболи, а Пирро Лигорио – овальный фонтан в парке виллы д’Эсте.

План садов Боболи. Кон. 18-нач. 19 в.

Вилла д’Эсте. Овальный фонтан. 1567, арх. Пирро Лигорио.

Идея овальной планировки церквей не получила серьезного развития в эпоху раннего барокко, но в середине 17 столетия, когда возможности развития других барочных элементов были исчерпаны она пережила возрождение. Но об этом – в следующем посте.

Искусство эпохи Возрождения и искусство барокко: понимание разницы

Последний ужин

Меня не раз спрашивали, и я встречал разных людей, которые выражали недоумение относительно искусства барокко и ренессанса. Фактически, несмотря на несколько моих курсов по истории искусства и признательности, мне все же потребовалось несколько часов индивидуального обучения, чтобы действительно понять разницу. Большинство людей понимают, что если картина или скульптура созданы в Европе между 1300 и 1600 годами, скорее всего, это произведение эпохи Возрождения.И если это европейская работа 1600-1750 годов, то это барокко. Но если вы не знаете даты работы, или если вы не знаете художника или когда он жил, как вы можете определить, барокко это или ренессанс?

Итак, прежде чем мы обсудим, что отличает эти два искусства, давайте посмотрим на некоторые сходства между искусством барокко и ренессанса, чтобы мы могли ясно понять, почему возникает путаница: оба термина («ренессанс» и «барокко») используются для обозначения двух разных вещи, касающиеся изобразительного искусства: историческая эпоха и художественный стиль. Оба термина относятся к определенно европейским эпохам и стилям. Известно, что оба стиля преуспевают в изображении реализма. В обоих стилях используются яркие, вызывающие воспоминания пигменты, и, что, пожалуй, наиболее досадно, так это то, что, когда дело касается предмета, обе эпохи имеют сильные акценты на темы из иудео-христианской Библии или из греко-римской мифологии. Неудивительно, что существует смешение эпох и стилей. Если вы один из них, ободритесь; вы далеко не одиноки.

В качестве основы для изучения разницы между этими двумя эпохами и этими двумя стилями было бы полезно начать с двух ключевых слов.Хорошее слово для искусства эпохи Возрождения — «стабилизировать», а для барокко — «драматизировать». Прекрасный способ продемонстрировать важность этих двух слов — взглянуть на искусство в мире научной фантастики 21-го века. Артисты, работающие во франшизах «Звездный путь» и «Звездные войны», также должны иметь возможность отдельно продемонстрировать драматизм и стабильность.

Продолжение статьи после объявления

ЧАСТЬ I: СТРАТЕГИЯ ЛИНИИ

В «Звездном пути», когда художники и режиссеры хотят показать «Энтерпрайз» (когда он не на варп-скорости) или космическую станцию ​​- K7 или DS9 — неподвижными и устойчивыми, они показывают объект горизонтально с точки зрения зрителя.В качестве альтернативы, чтобы продемонстрировать устойчивость чего-то, что должно быть узким и стоящим, идеальная вертикальная перспектива дает тот же эффект. Это простое устройство, будь то горизонтальное или вертикальное, но наиболее эффективное для демонстрации того, что все в порядке. Теперь давайте разберемся с этим: мы говорим о космосе. Для тех, кто находится внутри корабля или станции, есть четкое движение вверх и вниз, но для самой станции или для самого корабля в космосе нет ни вверх, ни вниз. Если мы с вами приближаемся к космической станции на космическом корабле, мы можем оказаться совершенно по одну сторону или даже вверх ногами по отношению к станции, и никто не почувствует разницу. Но ради кино или телепередачи показ обоих в космосе под одним и тем же углом говорит о том, что все стабильно.

Искусство эпохи Возрождения использует одно и то же устройство и для той же цели, даже если вы редко (если вообще когда-либо) найдете космический пейзаж эпохи Возрождения. Но когда вы видите изображение Мадонны с младенцем или Распятия, явно подчеркивается использование четко выраженных горизонтальных или вертикальных линий. Иногда художник заходит так далеко, что создает картину, визуально похожую на пирамиду, так что самая широкая часть объекта находится внизу, а самая узкая часть вверху, потому что пирамида является наиболее устойчивой трехмерной формой. .Посмотрите ниже на «Мадонну щегла», которая представлена ​​дважды, чтобы продемонстрировать горизонтальную форму и форму пирамиды в отредактированной версии.

Пирамидальная композиция применима и к скульптуре эпохи Возрождения. Взгляните на знаменитую «Пьету» Микеланджело. Если смотреть спереди, пьедестал и ноги Марии составляют нижнюю часть с Христом, который заметно меньше Марии, стоящим на ее коленях в центре скульптуры, а плечи и голова Марии обозначают вершину.Он, как и многие произведения искусства эпохи Возрождения, соответствует фактору горизонтальной устойчивости.

Однако, как я упоминал ранее, есть еще один способ создать ощущение стабильности в искусстве эпохи Возрождения: вертикальная линия. В большинстве случаев вертикальная линия все еще сопровождается горизонтальной линией, что является одной из причин того, что крест на распятии всегда так выделяется. Кроме того, это не означает, что диагональных линий не будет.То, что мы обсуждаем с идеей стабильности в искусстве эпохи Возрождения, — это большая часть и более заметный фокус композиции. В «Распятии» Андреа Мантенья вертикальные линии подчеркнуты на полюсах трех крестов, но три горизонтальные линии разделены наверху тремя поперечными балками, в средней части — ногами осужденных с вершины голов зрителей, а внизу боковыми линиями ступеней у основания. Ниже представлено «Распятие» Мантеньи сначала без редактирования, затем с редактированием.После этого идут еще четыре сцены распятия, чтобы вы могли сами найти горизонтальные и вертикальные линии.

com\/renaissance-art-vs-baroque-art-understanding-the-difference\/"}»>

Как я упоминал ранее, в то время как ключевое слово для эпохи Возрождения — «стабилизировать», ключевое слово для барокко — «драматизировать», но с В концепции драмы также присутствует заметная нестабильность или интенсивная энергия, и художники «Звездного пути» используют некоторые тактики, хорошо известные в Европе в стиле барокко.Когда им нужно показать, что корабль или станция в беде или плывут по течению, они помещают Энтерпрайз или свою станцию ​​под сильным углом с точки зрения зрителя, обычно с чем-то еще на изображении, чтобы подчеркнуть нестандартную ориентацию — другим большим или возможно, более близкий объект.

com\/renaissance-art-vs-baroque-art-understanding-the-difference\/"}»>

Другой эффект изображения объекта под углом — демонстрация большой энергии, как, например, на изображении Klingon Cruiser ниже.На этом снимке корабль должен двигаться с большой «варповой» скоростью. Угол наклона корабля помогает передать это ощущение скорости и энергии.

Художники эпохи барокко Европы также понимали этот принцип: строить композицию под углом, чтобы придать энергию, создать нестабильность или добавить драматизма. Однако в стиле барокко имеющиеся здесь линии визуально менее подчеркнуты, чем в эпоху Возрождения. Кажется, что часто в эпоху Возрождения предметы помещают в композицию, чтобы подчеркнуть горизонтальные и вертикальные линии, даже включая сам горизонт.В стиле барокко линии могут начинаться с одной части композиции и продолжаться другой, казалось бы, несвязанной частью композиции. Фактически, иногда черный фон функционирует как диагональная линия. Чтобы сделать различие между двумя эпохами как можно более четким, я продолжу использовать те же раскрашенные темы, что и раньше, чтобы вам было легче сравнивать и противопоставлять.

Сначала рассмотрим картину «Мадонна с младенцем и Иоанн Креститель». Горизонтального акцента нет, кроме основания окна, но даже он покрывает менее трети холста и кажется совершенно случайным.Однако есть четкая диагональная линия, частично отмеченная краем красных занавесей, головой и рукой Марии, головой и спиной Христа. Есть также две параллельные диагональные линии: одна идет от головы Марии вниз по ее руке, другая следует за левой рукой Иоанна Крестителя и идет вверх к руке Иисуса. Обратите также внимание на то, что глаза Марии и Христа устремлены на Иоанна, образуя подразумеваемую букву «V» в центре холста. Эта картина представлена ​​ниже, один раз без и один раз с редакционными пометками.

В картине «Мадонна с младенцем» неизвестного бельгийского художника эпохи барокко отчетливо видна линия, идущая от глаз Иоанна Крестителя к глазам Христа и до глаз Иосифа. Обратите внимание, что глаза Марии не включены, но расположены значительно выше линии, проведенной тремя другими, чтобы подчеркнуть ее место на небесах. Это делает его еще более заметным ангелом, находящимся в центре над ней, но смотрящим на Марию сверху вниз, и это создает вторую линию, почти вертикальную, но не совсем.Третья линия образована углом тела ангела, который образует линию, идущую до макушки Джозефа. Эти три линии образуют почти невидимый треугольник. Также обратите внимание, что на картине почти нет ничего горизонтального. Вместо этого, словно вопреки горизонту, художники использовали платье Мэри, чтобы создать полукруг по низу. Еще раз, эта картина помещена ниже дважды.

То же использование диагоналей используется и в теме Распятия, но с еще большей драматичностью.В «Распятии» Педро Орренте есть очевидная диагональ лестницы, которая удваивается двумя людьми на этой лестнице. Другая линия начинается с левой руки Христа, мимо его глаза и прямо до вершины обвинения, которое должно быть пригвождено к кресту прямо над ним. Другая линия начинается с пальца ноги человека в верхнем правом углу холста, проходит мимо глаз трех свидетелей и следует вдоль линии их тел. Я также указал линию, которая совершенно не видна, скрыта свидетелями, но подразумевается основаниями трех поперечных столбов в земле, и эта линия будет прямо контрастировать с поперечной балкой Христа над ней.

Интересно, что на этой картине есть горизонтальная линия, проведенная через ноги трех осужденных мужчин и до головы и плеч мальчика слева. Это может иметь религиозный подтекст, возможно, предполагающий стабильность, принесенную жертвой Христа, но когда вы рассматриваете абсолютную необходимость взгляда от одного человека к другому и впечатляющее качество искусства, нужно учитывать, что эта линия, проходящая через стопы, абсолютно намеренно, и поэтому имеет некоторое значение.

ЧАСТЬ II: ВРЕМЕННОЕ ЗАЯВЛЕНИЕ

Стабильность искусства эпохи Возрождения — это гораздо больше, чем использование горизонтальных и вертикальных линий; необходимо также учитывать временные рамки. Есть причина, по которой композиция мотива «Мадонна с младенцем» эпохи Возрождения часто является пирамидальной и стабильной: в искусстве эпохи Возрождения существует подразумеваемый отрезок времени — от нескольких секунд до, возможно, минут. Я не говорю о «вневременности», когда содержание произведения может иметь место практически в любую эпоху, я говорю о продолжительности времени в самом произведении.

Само собой разумеется, что сцены Распятия предполагают продолжительность, даже несколько отдельных событий, показываемых одновременно. Но в случае Мадонны с младенцем мы можем посмотреть на исполнение этого мотива как у да Винчи, так и у Гирландайо. В последнем из двух есть восхитительная двусмысленность обмена между матерью и ребенком. В каком-то смысле кажется, что Мария смотрит на младенца Иисуса, который отвечает ей взглядом, как любой младенец смотрит на свою мать. Его позиция, поскольку он опирается на свою мать.. . стабильность. . . может быть чисто детской попыткой непрофессиональной позиции. Даже его жест правой рукой мог быть одним из младенческих, неуверенных в том, упадет он или нет.

В то же время, однако, приглядевшись в их взгляды, можно увидеть, что Иисус на самом деле не смотрит на Марию в ее глаза, а смотрит немного вдаль. Его позицию можно было рассматривать как позицию человека, ведущего глубокую, но небрежную дискуссию, а жест его правой руки можно было рассматривать как указание на будущее на небесах или как контрапункт — почти как если бы Христос в младенчестве все еще имел все возможности. для осмысленного дискурса зрелого взрослого человека.Мария, при ближайшем рассмотрении, также на самом деле не смотрит на младенца Иисуса, а смотрит вниз слева (с ее точки зрения) Иисуса, и ее выражение выражает печаль, возможно, учитывая ужас надвигающейся кончины ее старшего сына на кресте. Однако, как бы вы ни смотрели на картину, внутри композиции затрачивается время. Мария могла продолжать стоять в таком состоянии в течение нескольких часов, как и Младенец Иисус.

Этот принцип верен и в скульптуре эпохи Возрождения. Взгляните на знаменитую статую Давида Микеланджело. Перед нами молодой человек ростом 20 футов в очень устойчивой позе. Его правая нога задействована и в результате полностью вертикальна, как и его правая рука и туловище. Статуя изображает Давида в тот момент, когда он вот-вот сразится с гигантом Голиафом в битве, а Давид либо обдумывает свою стратегию, либо ждет, пока Голиаф завершит свои обычные насмешки. Так или иначе, эта скульптура требует времени. Дэвид может сохранять эту позу долгое время.

Есть также Давид Донателло, который изображает Давида после его битвы с Голиафом.Его нога опирается на голову гиганта, а задействованная нога твердо стоит рядом с мечом. Скульптура отличается особой позицией, но, опять же, скульптурой нет непосредственности.

com\/renaissance-art-vs-baroque-art-understanding-the-difference\/"}»>

В том же духе рассмотрим выражения лиц этих двух представлений. В обоих есть эмоции; существует отчетливое понимание мысли, транслируемой зрителю, но нет отчетливой мускульной силы ни у одного из субъектов.Опять же, нет причин, по которым эти выражения не могут длиться долго.

В резком контрасте с этими выражениями ниже показано лицо Давида работы Джованни Бернини, итальянского скульптора в стиле барокко, чье изображение Давида помещает его в середину удара по камню Голиафа. На его лице мимолетное выражение напряжения, решимости и отчетливой концентрации человека, использующего хорошо отработанный навык. Дело в том, что это портрет самого краткого из примеров — моментальный снимок движения.

Поскольку это скульптура, а не живопись, мы имеем дело с кривизной, а не с линиями, но к скульптуре в стиле барокко по-прежнему применяются те же углы, что и к живописи; пересекающиеся дуги придают барочной скульптуре такой же динамизм, как и живопись, но в обоих случаях мы находимся в драматических муках мгновения времени. Скульптура Давида Бернини не сможет сохранять свою позу дольше, чем застывший мимолетный фрагмент мгновения времени.

ЧАСТЬ III: ФОН

Последний раздел этой статьи больше касается ключевого слова барокко, чем ключевого слова эпохи Возрождения, потому что он касается фона картин, которые больше влияют на драматизм барокко, чем на добавление стабильность в эпоху Возрождения. Тем не менее, между ними существует резкий контраст, и его можно исследовать.

В эпоху Возрождения задворки всегда были полностью развитыми частями картин.Это могут быть сцены горизонта или сцены в задней части комнаты, но фоны присутствуют с удивительной детализацией. Как таковые, они мало что делают для стабильности, но добавляют измерение завершенности. Возьмем, к примеру, знаменитую картину Леонардо «Мона Лиза»: портрет молодой женщины, сидящей на балконе с чисто вымышленным фоном вдалеке. У вас по-прежнему есть вертикальные и горизонтальные линии в видимых частях балкона, а также на горизонте. У вас есть отчетливый компонент времени.Ведь сколько человек сможет комфортно сидеть на красивом балконе? И у вас есть полный фон, изобилующий типичным эффектом сфумато в стиле да Винчи (придание области туманного эффекта за счет постепенного слияния цветов). «Мона Лиза» — это все, чем должна быть великая картина эпохи Возрождения.

com\/renaissance-art-vs-baroque-art-understanding-the-difference\/"}»>

Однако в барокко фоны считаются настолько незначительными, что часто просто затемняются. Имейте в виду, что иногда — с портретами — художник эпохи Возрождения использовал этот подход, но гораздо реже.Но художники барокко используют эту концепцию в своих интересах, чтобы драматизировать свои картины. Но опять же, чтобы полностью понять эффект, давайте посмотрим на современный пример: выдающуюся работу Бев Дулиттл под названием «Неизвестное присутствие». Само полотно поразительно горизонтально, более половины его полностью окутано тьмой. Сюжет картины — одинокий путешественник XIX века и его лошадь в тревоге у костра. Их внимание резко погрузилось в темноту. Их выражения выражают удивление, осторожность, бдительность и, возможно, немного страха, когда путешественник тянется за винтовкой.

com\/renaissance-art-vs-baroque-art-understanding-the-difference\/"}»>

Не маловажна темнота этой картины. Неважно, что именно заставило путешественника и его лошадь так разбудить их. Темнота, однако, позволяет зрителям драматизировать именно то, что чувствует путешественник. Мы видим, как он смотрит в темноту, и мы тоже. Мы прищуриваемся и пытаемся сфокусироваться на черной краске, точно так же, как путешественник делает или будет делать это в темноте, пытаясь найти слабый намек на то, что там. Это НЕ «ничего.”

Это яркий пример того, что называется «тенебризмом», который, в зависимости от того, как вы хотите сфокусироваться, представляет собой либо саму темноту, либо контраст освещенной области по сравнению с темнотой. Это также известно как «драматическое освещение» и достигается за счет использования очень темных пигментов, не обязательно только черного, и ярко выраженного «светотени», что является названием, данным эффекту света, падающего с одного направления или источник. Художники барокко использовали этот прием, «тенебризм», с большим успехом на протяжении 150 лет.

Взгляните на версию Питера Пауля Рубенса «Связанного Прометея», где тенебризм уносит спину орла в глубины гибели. Взгляните на его «Поднятие креста» и тенебризм прямо за головой Христа. Там тьма настолько яркая, что один человек появляется позади Иисуса из ниоткуда, чтобы помочь поднять крест. Почти вся предыстория Рембрандта — это тьма в его собственной версии «Поднятия креста». Тенебризм можно использовать, чтобы вызвать ощущение уныния или уныния, или его можно использовать, чтобы подчеркнуть драматичность мгновенного действия, которое, кажется, освещено.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Да, я полагаю, что я мог бы поговорить о большем: о различном использовании мазков кисти художников, более широком круге тем в стиле барокко, сводящем с ума изобилии греко-римских аллюзий в эпоху Возрождения, но у вас достаточно теперь, чтобы начать собственное исследование двух стилей / эпох. Ключевые слова «стабилизировать» и «драматизировать» для эпохи Возрождения и барокко, соответственно, и то, как они воплощают эти идеи в своем искусстве, остаются совместимыми с другими вещами, которые предстоит открыть, но они четко очерчены в горизонтальной и вертикальной ориентации в Возрождение и очень угловатые ориентации в стиле барокко.Стабильность времени в эпоху Возрождения в отличие от мимолетного момента в стиле барокко. Теперь исследуйте стили на себе и откройте для себя новые отличия.

Ниже приводится краткая викторина с 10 картинами, некоторые из которых выполнены в стиле барокко, а некоторые — в стиле ренессанс. (Их может быть пять, а может и не быть.) Все они пронумерованы, и я призываю вас проверить себя с ними, чтобы увидеть не только то, сколько вы узнали в этой статье, но и насколько четко написана статья. Да, некоторые из них непростые.Сообщите нам, как вы забили и что, по вашему мнению, я могу более четко изложить в статье.

Продолжение статьи после объявления

Ренессанс и искусство барокко Викторина:

Указания: пронумеруйте запасной лист от 1 до 10. Внимательно исследуйте картины по очереди и рядом с каждым номером на вашей странице укажите эпоху картины, написав буквой «R», если работа относится к эпохе Возрождения, и буквой «B», если работа принадлежит к эпохе барокко. Ответы показаны в конце этой страницы.

1

2

3

4

com\/renaissance-art-vs-baroque-art-understanding-the-difference\/"}»>

5

6

7

8

9

com\/renaissance-art-vs-baroque-art-understanding-the-difference\/"}»>

10

Ответы на викторину ниже

О писателе:

А.Й. Миттендорф — заядлый любитель искусства, который более двух десятилетий изучает историю искусства, оценку искусства и художественную интерпретацию. Он получил степень магистра в области литературы, а степень бакалавра — в области английского образования. Как педагог, ему нравится писать для международного онлайн-журнала Art, Artists, Artwork, поэтому он может использовать свое образование и навыки в области искусства, чтобы помогать продвигать художников и помогать покупателям выбирать искусство, которое им лучше всего подходит.

Ответы на викторину об искусстве эпохи Возрождения и барокко

1. Барокко: «Христос во время бури на Галилейском озере» (1633) Рембрандта (1606–1669)

2. Барокко: «Распятие Святого Петра» (1600) Караваджо (1571-1610)

3. Возрождение: «Пьета Бандини» (1547) Микеланджело (1475-1564)

4. Возрождение: «Прекрасный сад» (1507) Рафаэля (1483-1520)

5. Возрождение: «Портрет кардинала» (1510) Рафаэля (1483-1520)

6.Барокко: «Призвание святого Матфея» (1600) Караваджо (1571-1610)

7. Барокко: «Человек в золотом шлеме» (ок. 1650 г.) Рембрандта (1606–1669)

8. Барокко: «Экстаз Святой Терезы, авторство Бернини» (1598–1680)

9. Возрождение: «Афинская школа» (1509-1511) Рафаэль (1483-1520)

10. Возрождение: «Венера и Марс» (1483) Ботичелли (1445-1510)

Надеюсь, вам было весело!

Ренессанс и искусство барокко — в чем разница?

Один из самых популярных и влиятельных периодов в истории искусства начался в период, известный как эпоха Возрождения, который начался в 1400-х годах в Италии и позже распространился на другие районы Европы.

Эпоха Возрождения, возможно, является самым известным периодом в истории человечества, поскольку многие искусные художники работали над созданием величайших шедевров, когда-либо созданных в то время.

По мнению большинства историков искусства, эпоха Возрождения длилась до конца последних лет 16 века, прежде чем период барокко стал доминирующей формой живописи в Италии и других странах Европы.

Хотя стиль живописи барокко и ренессанс имеет много общего, есть некоторые поразительные различия, которые следует отметить при сравнении обоих типов художественных движений друг с другом.

Ренессанс и искусство барокко

Барокко, как и предшествовавший ему ранний период Возрождения, состояло в основном из картин, в центре которых были религиозные сцены и истории из иудео-христианской Библии. В то время как художники эпохи Возрождения в основном изображали религиозные сцены и фигуры настолько близко, насколько это было возможно, к описаниям, приведенным в Священном Писании, художники эпохи барокко использовали еще несколько творческих вольностей со своими работами, которые были сосредоточены на религиозных концепциях.

При более внимательном рассмотрении этого и многих других различий между художниками эпохи барокко и ренессанса и их картинами можно увидеть некоторые интересные характеристики, которые уникальны для обоих движений.

Истоки эпохи Возрождения

Искусство эпохи Возрождения возникло в средние века в 15-16 веках. Эпицентр движения находился в Италии, где художники находились под сильным влиянием католической веры, поскольку римско-католическая церковь располагалась в этой стране.

Художественный стиль был очень тесно связан с католической верой, и многие из самых известных шедевров эпохи Возрождения посвящены изображению некоторых из самых выдающихся библейских историй и записанных событий.

Считается, что движение Возрождения было сосредоточено в городе Флоренция, Италия, с начала 15 века и, возможно, до этого времени. Классический греческий стиль искусства и философии также сыграл бы важную роль в формировании первоначального направления движения Возрождения.

Многие греческие ученые и художники сами переехали в Италию в это время, поскольку в то время Италия была бурным ростом торговли и развития благодаря ее тесным связям с церковью и остальным известным миром в то время.

Некоторые из самых известных художников всех времен родились и работали в эпоху Возрождения. Великие художники, такие как Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль и другие, были отмечены за их блестящие изобретательские способности, а также за их способность рисовать невероятные произведения искусства.

Народ Италии за это время совершил прорыв в областях науки, математики, литературы и других областях, который ознаменовал явное улучшение за прошедшие столетия.

В отличие от периодов, предшествовавших Ренессансу, это движение состояло из художников, которые были заинтересованы в изображении мира в более реалистичной манере, которая, казалось, уделяла больше внимания индивидуальной красоте каждой формы человека или животного, а также любого другого объекта. как растения, архитектура и другие фигуры.

Эпоха Возрождения, которая восстала из пепла после бубонной чумы в середине 1300-х годов, наконец начала заканчиваться во второй половине 16 века.Хотя многие искусствоведы и историки спорят о том, когда, как говорят, закончилось движение Возрождения, большинство согласны с тем, что оно исчезло в начале 1600-х годов.

Истоки движения в стиле барокко

Период барокко зародился в эпоху Возрождения в период с начала до середины 1700-х годов. Многие итальянские художники начали рисовать в стиле, который больше соответствовал периоду барокко в начале 1600-х годов, но этот художественный стиль был в основном сосредоточен в Испании и Португалии.

В то время католическая церковь все еще была такой же могущественной, как и в предыдущие столетия, по крайней мере, в Европе.Это означало, что картины в эпоху барокко также будут сосредоточены на рассказах и записанных событиях иудео-христианской Библии, а также на популярных религиозных деятелях католической церкви того времени.

Барокко — это движение, в котором фигурируют картины искусных художников, сумевших реализовать в своих работах высокую степень контраста между светом и тьмой.

Это четкое различие между светом и тьмой было в основном направлено на достижение символического значения, восходящего к библейским учениям о том, что Бог есть свет и всегда ассоциируется с ярким светом, в то время как злые и демонические влияния часто описываются как связанные с тьмой.

Помимо контраста между светом и тьмой, художники эпохи барокко работали над достижением гораздо более высокого уровня реализма и детализации в каждом мельчайшем аспекте своих картин. Это явно контрастировало со многими движениями, которые им предшествовали, и является одним из явных определяющих факторов движения барокко.

Пожалуй, наиболее явным отличием художников эпохи барокко от своих коллег эпохи Возрождения было использование теплых и часто интенсивных цветов в их работах. Яркий свет часто помогал выявить высокие уровни окраски в каждом конкретном оттенке, но в целом движение в стиле барокко было одним из цветов.

Некоторые из самых выдающихся художников эпохи барокко, такие как Микеланджело Меризи да Караваджо, Доменикино, Артемизия Джентилески и многие другие, придумали механизм с новым захватывающим чутьем как на реализм, так и на высочайший уровень красоты во всем, что они создавали.

Движение барокко распространилось также на такие регионы, как Франция и Германия, где родились известные художники, такие как Николя Пуссен и другие, которые сегодня помнят как одни из величайших художников барокко всех времен.Питер Пауль Рубенс был фламандским художником, но его также можно было включить в любой список лучших художников эпохи барокко в истории.

Период барокко был очень популярен и продолжался с начала 17 века вплоть до 1800-х годов в Центральной Европе, а также на Пиренейском полуострове. Многие художники эпохи барокко создавали мастерские картины, которые в то время были представлены в виде гигантских фресок в самых популярных соборах и часовнях.

За ним последовал период искусства рококо, и художественные движения барокко и рококо, хотя их часто путают, совершенно разные в том, что рококо отошло от драматического символизма церкви и сосредоточилось больше на экстравагантности правящих элитных классов.

Основные отличия искусства эпохи Возрождения от искусства барокко

Период Возрождения был временем, когда художники стремились отойти от предшествовавших им периодов и стилей таким образом, чтобы зритель мог лучше оценить предметы, которые они изображали.

Появление масляной живописи помогло привести это движение к взрыву в Италии и других регионах Европы, поскольку художники тогда смогли достичь гораздо более высокого уровня детализации в самой маленькой части конкретной работы.

Многие художники, работающие маслом, разработали свои собственные методы создания и смешивания этого нового художественного материала, который был чрезвычайно дорогим для того времени.

В то время как период Возрождения предлагал более высокий уровень детализации по сравнению с более ранними стилями живописи, только в стиле барокко художники смогли достичь поистине захватывающего уровня реализма в своих картинах.

Более высокий уровень детализации и более реалистичные изображения периода барокко часто можно объяснить художниками, у которых был больший доступ к лучшим кистям, а также к лучшим цветам, чем у художников, которые работали за столетия до них.Многие художники эпохи барокко могли рисовать свои предметы с поразительным уровнем детализации, вплоть до мельчайших выражений лица.

Еще одно заметное различие между периодами искусства эпохи Возрождения и барокко — использование света в их произведениях. Для художников эпохи Возрождения свет просто использовался для определения их предметов и общих сцен, которые они намеревались изобразить.

Некоторые художники использовали бы разную степень света и тьмы, но по большей части картины эпохи Возрождения были равномерно освещены и предлагали зрителю очень небольшую разницу между светом и тьмой по всему холсту.

Художники эпохи барокко использовали свет совершенно иначе, чем их предшественники. Для наиболее выдающихся художников того времени свет стал предметом сам по себе.

Многие из самых известных художников эпохи барокко, такие как Караваджо и другие, использовали интенсивный яркий свет, чтобы осветить холст таким образом, что выглядело так, как если бы из какого-то отдаленного источника проникал настоящий свет.

Высокая контрастность света и тьмы также добавляла загадочности картинам в стиле барокко.На многих полотнах величайших произведений барокко присутствуют большие участки темноты, которые позволяют зрителю представить себе картину больше, чем они могут увидеть собственными глазами.

Световой контраст и цвет — одни из самых отличительных различий между этими двумя периодами, но искусствоведы и историки отмечают гораздо более глубокий уровень контраста между двумя стилями, основанный на предмете.

В то время как художники эпохи Возрождения и барокко работают над тем, чтобы показать в своих картинах многие из одних и тех же религиозных сцен, именно художники эпохи барокко известны тем, что используют гораздо большую степень драматизма в своих предметах, чем можно увидеть в шедеврах эпохи Возрождения.

Сравнение двух художественных стилей бок о бок показывает явно более интенсивный уровень драматизации каждого человека в картинах в стиле барокко. Многие художники в этот период стремились изобразить определенные библейские истории и другие события таким образом, чтобы изобразить тот самый момент, который драматург назвал бы «кульминацией».

Картины в стиле барокко в основном нацелены на то, чтобы запечатлеть тот самый момент, который определен. произошли знаменательные события в истории. Это было то, что, казалось, побуждало художников барокко создавать более реалистичные и глубокие работы, чем это делали мастера эпохи Возрождения.

Заключение

Хотя между направлениями искусства эпохи Возрождения и барокко может быть гораздо больше различий, есть также много очевидных сходств. Эти два периода в истории искусства оказали такое же влияние на человечество в целом, как и любые два последовательных периода искусства.

Можно было бы возразить, что в некоторых величайших картинах эпохи Возрождения есть много различных степеней скрытых значений, поскольку на полотнах часто можно наблюдать геометрические формы, но художники эпохи барокко имели свой собственный способ изображения сцен, который был весьма высок. оказывает влияние на зрителя.

Необработанные эмоции, с которыми художники эпохи барокко изображали свои фигуры и предметы, — это то, что было начато художниками эпохи Возрождения много лет назад. Эти два стиля искусства охватили период всего в несколько столетий, но их влияние на все человечество можно измерить по огромному количеству знаковых картин обеих эпох.

Искусство и архитектура барокко Обзор движения

Le debarquement de Marie de Médicis au port de Marseille le 3 ноября (ок. 1622-1625)

Художник: Питер Пауль Рубенс

На этой картине изображено прибытие королевы Франции Марии Медичи, одетый в великолепное серебро, в сопровождении великой герцогини Тосканы и герцогини Мантуанской, высаживается на красный парапет.Солдат в синем плаще с золотым узором fleur-de-lis , обозначающим Францию, открывает руки, чтобы поприветствовать ее. Над ней мифологическая крылатая фигура, представляющая Славу двумя трубами, возвещает о ее прибытии в брак с королем Генрихом IV. Диагональ красного парапета, идущего от золотого носа корабля, создает ощущение движения, а также разделяет картину на два разных мира; элегантный и изысканный мир благородства наверху и классическая мифологическая сцена внизу. Три греческие наяды, богини моря, обеспечивающие безопасное плавание, заполняют нижнюю часть кадра.Слева от них Нептун с седой бородой протягивает руку, чтобы успокоить море, а рядом с ним бог Фортуны прислоняется к лодке, управляя ею. Эти мифологические фигуры придают величие и аллегорическое значение прибытию королевы, но в то же время три обнаженных наяды своей динамичной чувственностью затмевают это событие.

Мастерские композиции Рубенса, сочетающие богатство истории и аллегории с изображением характерных моментов в сценах визуального изобилия, пользовались большим спросом у знати.Беззастенчивая чувственность его обнаженных женщин в полный рост также была новаторской, и настолько самобытной, что их до сих пор называют «Рубенесками». Как писал искусствовед Марк Хадсон, «он импортировал в Северную Европу протобарочную живопись Тициана и Микеланджело и суровый реализм Караваджо, соединив их в физически гигантском, чувственно перегруженном, торжествующем католическом искусстве».

Это была одна из 24 картин, заказанных Марией Медичи в 1621 году, после убийства ее мужа Генриха IV, для создания цикла, увековечивающего ее жизнь.Возможно, у нее также была мотивация изобразить свое законное положение, поскольку напряженность между правящими фракциями во Франции и «иностранной» королевой привела к ее изгнанию из двора в 1617 году. Рубенса, самого известного художника Северной Европы, тянуло к комиссия, поскольку она дала ему разрешение исследовать светский предмет, и тот, который он мог сообщить с помощью аллегорических и мифологических трактовок. Историк искусства Роджер Авермаэте писал о работе: «Он окружил ее [Марию Медичи] таким обилием приспособлений, что в любой момент она почти отодвигалась на задний план.Рассмотрим, например, Высадка в Марселе , где все смотрят только на сладострастные наяды, в ущерб королеве, которую Франция принимает с распростертыми объятиями ».

Работы Рубена оказали влияние на таких художников, как Веласкес и другие. сообщил последующим художникам рококо, в том числе Антуану Ватто и Франсуа Буше. Он также оказал влияние на Эжена Делакруа, Поля Сезанна и Пабло Пикассо. Хотя его пейзажи менее известны, его пейзажи также повлияли на JMW.Тернер, Джон Констебл и Томас Гейнсборо. Как писал Марк Хадсон: «От Рембрандта, Ватто и Делакруа до Сезанна и Пикассо, рубенская чувственность пронизывает все западное искусство».

Искусство и архитектура барокко | Определение, характеристики, художники, история и факты

Искусство и архитектура барокко , изобразительное искусство, проектирование и строительство зданий, возникшие в эпоху истории западного искусства, которая примерно совпадает с 17 веком.Самые ранние проявления, которые произошли в Италии, относятся к последним десятилетиям 16-го века, в то время как в некоторых регионах, особенно в Германии и колониальной Южной Америке, некоторые кульминационные достижения барокко не произошли до 18-го века. Произведение, которое отличает период барокко, стилистически сложное, даже противоречивое. В целом, однако, в основе его проявлений лежит желание вызвать эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом. Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, — это величие, чувственное богатство, драматизм, жизненная сила, движение, напряжение, эмоциональная яркость и тенденция к стиранию различий между различными искусствами.

Популярные вопросы

Откуда взялся термин

Барокко ?

Термин Baroque , вероятно, происходит от итальянского слова barocco , которое философы использовали в средние века для описания препятствия в схематической логике. Впоследствии это слово стало обозначать любую искаженную идею или инволютивный процесс мышления. Другой возможный источник — португальское слово barroco (исп. barrueco ), используемое для описания жемчужины несовершенной формы.В художественной критике слово Барокко пришло для обозначения чего-либо необычного, причудливого или иным образом отклоняющегося от правил и пропорций, установленных в эпоху Возрождения. До конца 19 века этот термин всегда подразумевал странное, преувеличенное и чрезмерно украшенное. Только в новаторском исследовании Генриха Вельфлина, Renaissance und Barock (1888), этот термин использовался как стилистическое обозначение, а не как термин тонко завуалированного злоупотребления, и была достигнута систематическая формулировка характеристик стиля барокко.

Каковы особенности искусства и архитектуры барокко?

Произведение, выделяющее период барокко, стилистически сложное и даже противоречивое. Например, течения натурализма и классицизма сосуществовали и смешивались с типичным стилем барокко. В целом, однако, в основе его проявлений лежит желание вызвать эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом. Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, — это величие, чувственное богатство, драматизм, динамизм, движение, напряжение, эмоциональная яркость и тенденция к стиранию различий между различными искусствами.

Как возникли искусство и архитектура барокко?

Три широких течения оказали влияние на искусство барокко, первой из которых была Контрреформация. Борясь с распространением протестантской Реформации, Римско-католическая церковь после Тридентского собора (1545–1563 гг.) Приняла пропагандистскую программу, в которой искусство должно было служить средством стимулирования общественной веры в церковь. Возникший стиль барокко был одновременно чувственным и духовным. В то время как натуралистическая обработка сделала религиозный образ более доступным для среднего прихожанина, драматические и иллюзорные эффекты использовались, чтобы стимулировать преданность и передать великолепие божественного.Вторая тенденция заключалась в консолидации абсолютных монархий: дворцы в стиле барокко были построены в монументальном масштабе, чтобы продемонстрировать мощь централизованного государства, явление, которое лучше всего было продемонстрировано в Версале. Третья тенденция заключалась в расширении интеллектуальных горизонтов человека, вызванном развитием науки и исследованиями земного шара. Это породило новое ощущение человеческого ничтожества (особенно чему способствовало коперниковское смещение Земли из центра вселенной) и бесконечности природного мира.Пейзажи, на которых люди изображены в виде крошечных фигур на обширной территории, свидетельствуют об этом меняющемся осознании условий жизни человека.

Какие художники ассоциируются со стилем барокко?

Аннибале Карраччи и Караваджо были двумя итальянскими художниками, которые помогли открыть барокко и чьи стили представляют, соответственно, классицизм и реалистичность. Художница Артемизия Джентилески была признана в 20 веке за свое техническое мастерство и амбициозные исторические картины.Джан Лоренцо Бернини, чьи достижения включали проект колоннады перед базиликой Святого Петра в Риме, был величайшим из скульпторов-архитекторов эпохи барокко. Упорядоченные картины Николя Пуссена и сдержанная архитектура Жюля Ардуэна-Мансара показывают, что импульс барокко во Франции был более сдержанным и классическим. В Испании художник Диего Веласкес использовал мрачный, но мощный натуралистический подход, который имел лишь некоторое отношение к мейнстриму живописи в стиле барокко.Тем временем этот стиль в ограниченных масштабах проник в северную Европу, особенно на территорию нынешней Бельгии. Величайшим мастером этого испанского в основном римско-католического региона был художник Питер Пауль Рубенс, чьи бурные диагональные композиции и полнокровные фигуры являются воплощением живописи в стиле барокко. Однако искусство в Нидерландах более сложное. Обусловленные реалистическими вкусами покровителей из среднего класса, такие выдающиеся мастера, как Рембрандт, Франс Хальс и Иоганнес Вермеер, оставались в значительной степени независимыми от барокко в важных отношениях, но многие художественные тексты, тем не менее, приравнивают их к стилю.Однако барокко оказало заметное влияние на Англию, особенно на архитектуру сэра Кристофера Рена.

Чем стиль рококо отличался от барокко?

Стиль рококо зародился в Париже около 1700 года и вскоре был принят по всей Франции, а затем и в других странах, в основном в Германии и Австрии. Как и стиль барокко, рококо использовалось в декоративном искусстве, дизайне интерьера, живописи, архитектуре и скульптуре. Его часто называют завершающей фазой барокко, но стиль отличается от своего предшественника интимным масштабом, асимметрией, легкостью, элегантностью и обильным использованием изогнутых естественных форм в орнаменте.Живопись в стиле рококо во Франции, например, началась с изящных, мягко-меланхоличных картин Антуана Ватто, завершилась игривыми и чувственными обнаженными фигурами Франсуа Буше и закончилась свободно написанными жанровыми сценами Жана-Оноре Фрагонара. Живопись французского рококо в целом характеризовалась непринужденным, беззаботным подходом к мифологическим темам и темам ухаживания, представлением семьи как предмета, богатой и тонкой манерой письма, относительно легкой тональной тональностью и чувственной окраской.

Происхождение термина

Термин барокко, вероятно, в конечном итоге произошел от итальянского слова barocco , которое философы использовали в средние века для описания препятствий в схематической логике. Впоследствии это слово стало обозначать любую искаженную идею или инволютивный процесс мышления. Другой возможный источник — португальское слово barroco (исп. barrueco ), используемое для описания жемчуга неправильной или несовершенной формы, и это употребление до сих пор сохранилось в термине ювелира барочная жемчужина .

В искусствоведении слово «барокко» стало использоваться для описания чего-либо необычного, причудливого или иным образом отклоняющегося от установленных правил и пропорций. Этот предвзятый взгляд на стили искусства 17-го века с небольшими изменениями поддерживался критиками, от Иоганна Винкельмана до Джона Раскина и Якоба Буркхардта, и до конца 19-го века этот термин всегда подразумевал странный, гротескный, преувеличенный и чрезмерно украшенный. Только с пионерским исследованием Генриха Вельфлина Renaissance und Barock (1888) термин барокко использовался как стилистическое обозначение, а не как термин тонко завуалированного злоупотребления, и была достигнута систематическая формулировка характеристик стиля барокко.

Три основных тенденции эпохи

Три более широких культурных и интеллектуальных тенденции оказали глубокое влияние на искусство барокко, а также музыку барокко. Первым из них было появление Контрреформации и расширение ее владений как в территориальном, так и в интеллектуальном плане. К последним десятилетиям XVI века изысканный придворный стиль, известный как маньеризм, перестал быть эффективным средством выражения, и его непригодность для религиозного искусства все больше ощущалась в художественных кругах.Чтобы противостоять набегам Реформации, Римско-католическая церковь после Тридентского собора (1545–1563 гг.) Заняла пропагандистскую позицию, в которой искусство должно было служить средством расширения и стимулирования веры общественности в церковь. С этой целью церковь приняла сознательную художественную программу, произведения искусства которой будут вызывать у верующих откровенно эмоциональный и чувственный призыв. Стиль барокко, возникший из этой программы, парадоксальным образом был одновременно чувственным и духовным; в то время как натуралистическая обработка сделала религиозный образ более доступным для среднего прихожанина, драматические и иллюзорные эффекты использовались, чтобы стимулировать благочестие и преданность и передать впечатление великолепия божественного.Таким образом, церковные потолки в стиле барокко растворялись в живописных сценах, которые представляли для наблюдателя яркие виды бесконечного и направляли чувства к небесным заботам.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту.
Подпишитесь сейчас

Вторая тенденция заключалась в консолидации абсолютных монархий, сопровождавшейся одновременной кристаллизацией выдающегося и могущественного среднего класса, который теперь стал играть роль в покровительстве искусству. Дворцы в стиле барокко были построены в расширенном и монументальном масштабе, чтобы продемонстрировать мощь и величие централизованного государства, явление, которое лучше всего демонстрируется в королевском дворце и садах Версаля.В то же время развитие рынка картин для среднего класса и его стремление к реализму можно увидеть в работах братьев Ленена и Жоржа де Ла Тур во Франции и в различных школах голландской живописи 17-го века. (Подробное обсуждение этого феномена, см. В Rembrandt van Rijn.)

Третья тенденция заключалась в новом интересе к природе и общем расширении интеллектуальных горизонтов человека, вызванном развитием науки и исследованиями земного шара.Это одновременно породило новое ощущение как человеческой незначительности (особенно чему способствовало смещение Земли по Копернику из центра вселенной), так и неожиданной сложности и бесконечности природного мира. Развитие пейзажной живописи 17-го века, в которой люди часто изображаются в виде крошечных фигур в огромном естественном окружении, свидетельствует об этом меняющемся осознании условий жизни человека.

Музыкальная история западного мира 1: Средневековье, Ренессанс и Барокко

Программа обучения

Урок 1: Музыка в Древней Греции, раннее средневековье и пение

• Музыка в греческом обществе
• Древние греческие инструменты
• Музыка в греческой философии
• Теория греческой музыки
• От древности до средневековья
• Песнь в монастыре и монастыре

Урок 2: Позднее пение, трубадуры и ранняя полифония

• Теория музыки в монастыре
• Позднее средневековое пение
• Литургическая драма
• Трубадуры и труверы
• Средневековые музыкальные инструменты19

  Урок 3: Развитие полифонии в средние века

  • Ранняя полифония
  • Музыка в средневековом Париже
  • Музыка в близком соборе и университете
  • Carmina Burana
  • Инструменты в период от Средневековья до позднего средневековья

  Урок 4: Музыкальная теория Ars Antiqua и Ars No va

  • Франко Кельнский
  • Музыка при дворе французских королей
  • Символические партитуры и Ars Subtilior
  • Музыка четырнадцатого века в Реймсе

  Урок 5: Музыка во Флоренции и музыка в Англии

  • Музыка во Флоренции
  • Музыка в соборе Флоренции
  • Музыка в Англии

  Урок 6: Раннее Возрождение

  • Музыка при дворе Бургундии
  • Музыка французского королевского двора
  • Музыка Низкие страны

  Урок 7: Популярная музыка во Флоренции, Музыка в Париже и Josquin dex Prez

  • Carnival Song and Lauda, ​​Frotolla и ранний Мадригал
  • Josquin des Prez
  • Музыка в стиле Возрождения Париж
  • Возрождение Инструменты

  Урок 8: Реформация, контрреформация и музыка Англия

  900 15 Протестантско-католическое противостояние
  • Рим и музыка контрреформации
  • Ранняя вокальная музыка в Англии
  • Инструментальная музыка в Англии

  Урок 9: Музыка раннего барокко

  • Характеристики музыки раннего барокко
  • Рождение оперы
  • Согласованный стиль

  Урок 10: Религиозная и инструментальная музыка барокко

  • Религиозная музыка в Риме
  • Инструментальная музыка в Италии
  • Инструментальная музыка в Германии и Австрии

  Урок 11 : Генри Перселл и Г.Ф. Гендель

  • Вокальная музыка в Париже
  • Инструментальная музыка в Париже
  • Генри Перселл
  • Джордж Фридрих Гендель

  Урок 12: Иоганн Себастьян Бах

  • Инструментальная музыка Баха в Веймаре
  • Инструментальная музыка Баха in Cothen
  • Вокальная музыка Баха в Лейпциге

  Сравнение ренессанса и барокко Использование света и плоскости — видео и стенограмма урока

  Различия в свете и плоскости

  Основные различия между искусством эпохи Возрождения и барокко проявляются, когда мы изучаем, как художники двух периодов обращаются со светом и плоскостью.Давайте определим наши термины. В мире искусства художники включают свет в свои работы по-разному, но они сосредотачиваются в первую очередь на контрастах между светом и тьмой и градациях тени между ними. Художники также обращают особое внимание на то, как они выстраивают свои изображения геометрически, используя плоскостей , которые представляют собой абстрактные двухмерные области, которые простираются в определенных направлениях.

  Давайте сначала посмотрим на свет. В эпоху Возрождения свет был инструментом, который художники использовали для определения своих предметов.В то время как их работы, безусловно, исследуют контрасты между светом и тьмой, их предметы остаются четко очерченными с резкими границами. Свет контролируемым образом освещает детали и формы художественных объектов. Ясность — ключ к успеху.

  С другой стороны, в эпоху барокко свет стал предметом сам по себе. Художники эпохи барокко использовали интенсивные контрасты между светом и тьмой, технику под названием chiaroscuro , чтобы скрыть свои предметы и создать ощущение таинственности и драмы.В искусстве барокко границы размываются, а детали и формы уходят в тень. Изображения сливаются воедино и становятся нечеткими, и зрители чувствуют, что им нужно немного прищуриться, чтобы понять, где заканчивается один объект и начинается следующий. Двусмысленность приветствуется.

  Контраст между искусством эпохи Возрождения и барокко проявляется в использовании художниками плоскости. Художники эпохи Возрождения сосредоточились на балансе, симметрии и параллелизме. В их работах используются плоскости, которые выстраиваются строго горизонтально и плавно направляют взгляд вверх и вниз по картине.Предметы и изображения размещаются пропорционально по всей работе, регулярно уравновешивая друг друга на плоском фоне. Все красиво, аккуратно и аккуратно.

  Работы в стиле барокко, с другой стороны, включают в себя несколько плоскостей, которые устремляются в разные стороны, встречаются под странными углами и ломаются или исчезают в разных точках картины. Зрители создают впечатление зигзагообразных построек и огромной глубины, а также немного хаоса, потому что художники барокко редко уравновешивают свои предметы и склонны пренебрегать симметрией и правильными пропорциями.Контраст и движение имеют решающее значение.

  Этюд на контрастах

  Чтобы лучше понять контрасты между искусством Возрождения и Барокко, давайте рассмотрим картины каждой эпохи.

  Мы начнем с Рафаэля Афинская школа , классического произведения эпохи Возрождения. Обратите внимание на то, что он светлый и яркий, с четкими, четкими и четко очерченными фигурами. Детали на каждой фигуре выделяются, вплоть до складок мантии и слов в книгах.Также обратите внимание на сильное чувство баланса и пропорции в этой картине. Фигуры сгруппированы симметрично, с одинаковыми группами по обе стороны работы. Здание тоже изображено симметрично и равномерно, с серией арок, устремляющих взгляд вверх. Даже ступени показывают набор горизонтальных плоскостей, которые художник использовал для организации своей работы. Все кажется ясным, стабильным и упорядоченным.

  Теперь посмотрим на произведение в стиле барокко, а именно на «Ночной дозор» Рембрандта . Прежде всего обратите внимание на неравномерный контраст между светом и темнотой. Две фигуры выделяются ярким светом. Остальные растворяются в тени и тьме, с намеками света на некоторых лицах и предметах одежды. Детали, хотя в одних областях сильно выделяются, в других остаются незамеченными. Зрителям кажется, что им нужно немного прищуриться, чтобы вглядеться в темноту и разглядеть скрытые внутри изображения. Далее обратите внимание на асимметрию и неравномерность росписи. Глаз не совсем понимает, куда деться, потому что его тянет сразу в несколько мест.Нет ничего пропорционального или сбалансированного. Самолеты расходятся в разных направлениях, создавая пересекающиеся углы и зигзаги, как, например, в копьях и флагах. Фон картины почти теряется в темноте, но даже ему не хватает порядка или повторения. И все же эта картина драматична, привлекательна, волнует и наполнена эмоциями, и это именно то, чем должно быть искусство барокко.

  Итоги урока

  Давайте рассмотрим. Существует резкий контраст между искусством эпохи Возрождения с 1400-х по 1600-е годы и произведением в стиле барокко , которое последовало за ним.Это различие особенно очевидно в использовании художниками эпохи Возрождения и барокко света и плоскости.

  Художники включают свет в свои работы по-разному, но они уделяют особое внимание контрастам между светом и тьмой и градациям тени между ними. В эпоху Возрождения свет был инструментом, который художники использовали для определения своих предметов. Их работы, безусловно, исследуют контрасты между светом и тьмой, но их предметы остаются четко очерченными с резкими границами.Свет контролируемым образом освещал детали и формы художественных предметов. В эпоху барокко свет стал предметом сам по себе. Художники эпохи барокко использовали интенсивные контрасты между светом и тьмой, технику под названием chiaroscuro , чтобы скрыть свои предметы и создать ощущение таинственности и драмы. В искусстве барокко границы размываются, а детали и формы уходят в тень и мрак.

  Художники также обращают особое внимание на то, как они выстраивают свои изображения геометрически, используя плоскостей , которые представляют собой абстрактные двумерные области, которые простираются в определенных направлениях.В эпоху Возрождения художники сосредоточились на порядке, балансе, симметрии и параллелизме. Самолеты выстраиваются строго горизонтально, а изображения размещаются пропорционально по всей работе, регулярно уравновешивая друг друга на плоском фоне. Художники барокко сосредотачиваются на контрасте, движении и глубине. Их работы включают в себя несколько плоскостей, которые зигзагообразно движутся в разных направлениях, встречаются под странными углами и ломаются или исчезают в разных точках картины.

  Чтобы проиллюстрировать эти концепции, мы исследовали картину Рафаэля Афинская школа , классическое произведение эпохи Возрождения, и произведение Рембрандта Ночной дозор , произведение барокко, и мы заметили потрясающие различия между этими двумя картинами, которые показывают, как искусство развивается с течением времени. .

  Результаты обучения

  По мере прохождения урока определите свою способность:

  • Назвать основные произведения искусства барокко и ренессанса
  • Сравните использование света и плоскости в стиле барокко и ренессанс
  • Характеризует искусство эпохи Возрождения и барокко

  ПЕРИОД БАРОККИ (1600-1750)

  ПЕРИОД БАРОККИ (1600-1750)

  От Hylton, J.B. (1995) Комплексное образование в области хоровой музыки, Энглвуд Клиффс, Нью-Джерси: Prentice-Hall, Inc., 171-176.

  ПЕРИОД БАРОККИ (1600-1750)

  Переход от ренессанса к музыкальному стилю барокко начался в конце шестнадцатого века. Полихоральные мотеты венецианской школы с двумя или более независимыми хорами, сопоставленными друг с другом, чтобы использовать полученный цветовой контраст, послужили почвой для барочного представления о конфликте. Композиторы венецианской школы также использовали в своей музыке большие исполнители, в том числе хоры инструменталистов. Это привело к развитию стиля концертато, в котором игра солиста или небольшой группы игроков контрастировала с игрой всего ансамбля.Этот стиль композиции привел к развитию концерта. Концерт, конечно же, является инструментальной формой, и в эпоху барокко инструментальная музыка приобрела гораздо большее значение, чем раньше.

  Изучение мадригалов Монтеверди, написанных за пятидесятилетний период, выявляет многие стилистические изменения, которые ознаменовали переход от Возрождения к барокко. Ранние мадригалы Монтеверди (написанные в 1587–1603 годах) были составлены в стиле высокого Возрождения.Сходные по характеру с работами Маренцио в использовании хроматизма, они, тем не менее, начинают отход от идеала равенства голосов и движутся в сторону барочного представления о полярности сопрано-баса. Напротив, его последние четыре книги мадригалов (написанные в 1605–1638 годах) включают независимые инструментальные части, контрастирующие с хоровыми интермедиями (стиль концертато) и все более широкое использование фигурного баса.

  Несколько пар контрастирующих терминов были применены к «старому стилю» музыки эпохи Возрождения и «новому стилю» барокко.Stile Antico и Stile Moderno — одна из таких пар. Другой, использованный Монтеверди, был prima prattica и seconda prattica. В первой половине семнадцатого века эти два стиля сосуществовали, причем более ранний стиль чаще всего использовался в духовной музыке, в то время как новый стиль проявлялся в светской музыке, особенно в операх раннего барокко.

  Текст имел огромное значение для композиторов эпохи Возрождения и барокко. Однако подходы к нему заметно различались.Идеалом Возрождения было несколько независимых вокальных линий, каждая со своими интонациями и акцентом. В период с начала до середины семнадцатого века тенденция отклонялась от этого полифонического идеала, в сторону сопрано-басовой полярности, в которой пела единственная мелодия и играла фигурная басовая партия на аккомпанирующем инструменте или инструментах. К эпохе позднего барокко, в первой половине восемнадцатого века, популярность полифонии вернулась. Многоголосие позднего барокко отличалось от полифонии Возрождения: оно было основано на тональной гармонии и характеризовалось энергичным, метрически продуманным, движущим ритмом.

  Традиция полного участия исполнителя в решениях, касающихся темпа, артикуляции, орнамента и других вопросов, продолжалась с эпохи Возрождения до эпохи барокко. Ожидалось, что клавишники, представленные фигурной басовой партией, «осознают» это, заполняя аккорды, добавляя орнаменты и иным образом украшая свою игру. Ожидалось, что певцы, особенно солисты, импровизируют украшение и проработку мелодии, найденной в партитуре.

  Хотя все стилистические изменения, упомянутые здесь, произошли в течение десятилетий, 1600 год широко принят как удобная, хотя и в некоторой степени условная дата, чтобы отметить конец Возрождения и начало барокко.Также следует отметить, что многие, если не все эти изменения взаимосвязаны. Например, переход от полифонической текстуры к сопровождаемой мелодии был тесно связан с переходом от модальности к системе тональности мажор-минор и использованию фигурного баса. Возрастающее значение новых инструментальных форм росло за счет использования зависимых инструментальных партий, в отличие от хоровых. Суммарное влияние всех этих изменений, вместе взятых, продвинуло музыку вперед в новую эру.

  Важные формы

  В период барокко некоторые важные хоровые формы, такие как осел
  и мотет представляют собой продолжение развития идей эпохи Возрождения.
  Другие, такие как кантата и оратория, были созданы заново или приобрели новую форму.
  важность с точки зрения стилистического развития. Некоторые формы пересекли границы
  священного и светского. Кантаты Баха, например, включали обе классификации. Для целей данного обсуждения опера
  не считается.Краткое определение каждого из важных хоровых произведений в стиле барокко.
  формы представлены здесь.

  Гимн.

  Традиция гимнов началась в елизаветинской Англии Гиббонсом,
  Берд, Таллис и другие продолжили барокко, достигнув его высшей точки в
  гимны Перселла и Генделя. Гимн барокко был сложнее, чем
  эпохи Возрождения, использующей речитативы, инструментальные аккомпанементы с
  континуо, независимые инструментальные части и интерлюдии, а также сложное соло
  проходы.

  Кантата.

  Произведено от итальянского слова cantare, означающего «чтобы
  петь «, кантата возникла в семнадцатом веке как расширенная пьеса
  сопровождал светскую музыку речитативами и ариями. В Германии лютеранская
  хорал послужил основой для расширенной обработки в «хоральной кантате»,
  священное произведение, написанное для солистов, хора и оркестра, и доведенное до его
  высшая разработка J.S. Бах.

  Мадригал.

  В эпоху барокко мадригал продолжал пользоваться популярностью и
  стал воплощением «нового стиля» в форме мадригала континуо, разработанного
  Монтеверди, использующий фигурный бас и включающий секции для соло, дуэта или
  трио с континуо и контрастными секциями для инструментов с секциями для
  хор.

  Magnificat.

  Музыкальное оформление песнопения Девы Марии из первой главы Евангелия от Луки. Полифонические настройки были написаны еще в четырнадцатом веке. Магнификат является частью католической службы вечерни и англиканской службы вечерни. Монтеверди, Хасслер, Перселл и, что наиболее важно, Бах написали важные настройки этого текста.

  Массачусетс

  В период раннего барокко месса имела тенденцию быть консервативной музыкальной формой, похожей по стилю на франко-фламандскую мессу шестнадцатого века.По мере развития семнадцатого века массы начали использовать стиль концертато и инструментальное сопровождение. Эти разработки привели к тому, что пять масс И.С. Баха, чья месса си минор является одним из выдающихся памятников западной музыки. В отличие от других его мессов, месса си минор длится два часа и делит обычное на двадцать пять отдельных частей, характеризующихся широким спектром выразительных и музыкальных приемов.

  Motet.

  Мотеты венецианской школы были написаны в стиле концертато с использованием цветов контрастирующих хоровых и инструментальных сил.Шютц, Монтеверди и Люлли написали песнопения, в которых использовались самые разные силы, текстуры и эмоции. Это привело к появлению многочастичного мотива позднего барокко, примером которого являются произведения Баха и Букстехуде.

  Оратория.

  Обстановка священного или героического текста для хора, солистов и оркестра. Детали рассказа переданы через речитатив. Подобно опере по характеру, оратория не ставится, а певцы не одеваются в костюмы. Первым крупным композитором оратории был Кариссими.Наивысшего расцвета барочная оратория достигла в творчестве Генделя.

  Страсть.

  «Страсть» — это музыкальное оформление событий конца жизни Христа, от Тайной вечери до Распятия. Рассказ ведется речитативами в исполнении евангелиста. Другие солисты исполняют речитативы и арии, а роль хора варьируется от пения хоралов, более сложных созерцательных хоровых секций и секций турбы, в которых хор принимает на себя идентичность толпы.

  Te Deum.

  Первые слова этого текста, «Te deum laudamus», означают «Мы славим Тебя, Бог». Его поют в католическом офисе утрени, на англиканской утренней молитве и в других праздничных священных и светских случаях. Перселл и Гендель написали значимые музыкальные настройки Te Deum.

  Вечерня.

  Вечернее богослужение по римско-католическому обряду. Вечерня включает в себя серию псалмов, гимн и магнификат. Вечерня Монтеверди 1610 года с участием хора и инструменталистов была написана в стиле концертато.Это самый важный образец формы в стиле барокко.

  Композиторы

  В первой половине периода барокко преобладали два композитора. В их музыке воплощены многие элементы перехода от стиля ренессанс к стилю барокко. Этими двумя композиторами были Клаудио Монтеверди (1567–1643) и Генрих Шутц (1585–1672).

  Монтеверди родился в Кремоне, Италия. Он написал восемь книг мадригалов, три мессы, вечерни, магнификаты и мотели. Он написал не менее двенадцати опер, три из которых сохранились.Как упоминалось ранее, музыка Монтеверди иллюстрирует переход от prima prattica к seconda prattica, от полифонии эпохи Возрождения к гомофонии барокко.

  Шютц был величайшим немецким композитором семнадцатого века. Он родился в Саксонии, учился у Габриэли в Венеции. Музыка Шютца разнообразна, что отражает его долгую жизнь и разнообразные условия, в которых он работал. Его первыми опубликованными сочинениями были итальянские мадригалы. Он был лютеранином, и его священные сочинения были написаны для лютеранской церкви.Шютц написал несколько очень разнообразных сборников песнопений, а также ораторий и страстей.

  Другими важными композиторами раннего барокко являются Жан-Батист Люлли (1632–1687), Ян Питерсоон Свелинк (1591–1652), Иоганн Герман Шейн (1586–1630) и Чакомо Кариссими (1605–1674). Особое значение имеют пятнадцать ораторий Кариссими. Они содержат речитативы, арии, хоровые части и инструментальные интермедии с использованием разнообразных текстур.

  В период позднего барокко преобладали произведения Баха и Генделя, которые составляют важную часть хорового репертуара, исполняемого сегодня.Среди других крупных композиторов этого периода — Дитрих Букстехуде (1637-1701), Марк-Антуан Шарпантье (1634-1704), Генри Перселл (1659-1695), Георг Филипп Телеман (1681-1767) и Антонио Вивальди (1675-1741). .

  Музыка Иоганна Себастьяна Баха (1685-1750) представляет собой кульминацию двух веков музыкального развития, предшествовавших ей. Хоровая, оркестровая и клавишная музыка Баха демонстрирует удивительное разнообразие выразительности, техники и организации. Его хоровое произведение включает шесть мотетов, магнификат, пять месс, триста кантат и две полные страсти.

  Хотя все хоровые произведения Баха составляют важную часть репертуара, два произведения являются хоровыми памятниками: месса си минор и страсти по Матфею. Кроме того, сотни кантат Баха включают в себя широкий спектр уровней сложности, и некоторые из них могут быть исполнены хорами с ограниченным опытом и ресурсами. Относительно скромные ресурсы, необходимые для исполнения многих кантат Баха, вполне объяснимы, поскольку он написал большинство из них для исполнения своим церковным хором в Лейпциге и был ограничен доступными финансами и персоналом.Хотя его певцы регулярно находились под его руководством, инструменталисты, составлявшие оркестр, набирались на разовой основе и фактически, вероятно, читали музыку во время выступления.

  Георг Фридрих Гендель (1685-1759) родился в Галле, Германия. Гендель был космополитом, путешествовал в Италию на три года в 1707 году и жил в Лондоне с 1711 года до своей смерти. Его хоровое выступление включало двадцать одну ораторию, три Te Deums, четырнадцать гимнов и две страсти.Его оратории были предназначены для концертных выступлений, а не для использования в церкви. Это были музыкальные повествования о жизни героев из Библии и мифологии. Самая известная оратория Генделя «Мессия» нетипична остальным в том, что она представляет собой серию размышлений о жизни Христа и ее значении, а не драматическое повествование о последовательности событий.

  Стиль барокко

  Исполнение хоровой музыки в стиле барокко требует жизни и энергии.Это музыка, полная эмоций. В музыке барокко существует тенденция к единству эмоций в рамках данного раздела композиции. Это проистекает из идеи барокко о том, что человек находится под контролем одного аффекта или эмоции в любой момент времени. Но это не значит, что музыка должна быть безэмоциональной. В хоровом произведении в стиле барокко может быть выражено больше явных эмоций, чем в музыке эпохи Возрождения. Контраст эмоций должен достигаться по мере того, как одна часть заканчивается, а другая начинается в новом темпе и с новой динамикой.

  Террасная динамика, при которой динамические изменения происходят между частями музыки (в отличие от длинных крещендо и декрещендо внутри частей), является типичной музыкальной характеристикой барокко. Точно так же темп барочной композиции должен быть постоянным в каждой части произведения. Между секциями возникают резкие контрасты темпа.

  Тон, который будет использоваться в мессе в стиле барокко, больше и драматичнее, чем тот, который был бы уместен для настройки того же текста шестнадцатого века.Более свободный подход к вибрато наряду с более широким динамическим диапазоном помогает различать два стиля.

  Использование оркестра для сопровождения хоровой музыки в стиле барокко добавляет разнообразия имеющейся цветовой гаммы и подчеркивает потребность хора в пении с теплотой и проекцией. Как и в эпоху Возрождения, это было довольно распространено и было принято дублировать вокальные партии в композиции с инструментами. В период барокко, помимо инструментального дублирования, композиции также обычно содержали независимое оркестровое сопровождение, часто требующее струнных, труб, гобоев и клавишного инструмента (клавесина или органа), обеспечивающего континуо.

  Некоторая хоровая музыка в стиле барокко имеет тенденцию быть «инструментальной» по замыслу.